Ширма — элемент интерьера, небольшая портативная перегородка, отделяющая часть комнаты. Может использоваться, чтобы разбивать пространство комнаты на два не вполне изолированных — например, отделять кухню от столовой или гардероб в составе спальни.
В искусстве Японии и Китая ширма также была популярной поверхностью для рисования.
Обычно ширма имеет складную (веерообразную) конструкцию и высоту, примерно равную или чуть меньше человеческого роста.
Да, к сожалению, у нас таких условий нет. Но в 19 веке это были настоящие произведения искусства. А в Японии и Китае ширмы до сих пор обязательная деталь интерьера.
Инкруста́ция — украшение изделий и зданий узорами и изображениями из кусочков мрамора, керамики, металла, дерева, перламутра и цветных камней, которые накладываются на поверхность и отличаются от неё по цвету или материалу.
Инкрустация появилась на Древнем Востоке. Первоначально ею выделялись важнейшие детали украшаемых объектов: глаза статуй и бюстов, различные архитектурные детали. Позднее, уже в Древней Греции и в Риме, инкруста-ция становится одним из способов отделки изделий, выполненных из однотонного материала, например, белого мрамора.
Высокого уровня развития это искусство достигло в XI—XIII вв. Используя античные традиции, мастера итальянского Возрождения украшают белокаменные постройки богатыми узорами, многочисленными панно, выполненными из разноцветного мрамора, драгоценных камней.
В настоящее время инкрустация используется для оформления прикладных предметов, окружающих человека в повседневной жизни. Наиболее интересна так называемая «флорентийская мозаика», используемая для украшения мебели и предметов домашнего обихода. Она выполняется из тонких пластинок разноцветных камней — яшмы, малахита, родонита, лазурита.
Инкрустация металлических изделий цветными металлами, или насечка, применялась в основном для украшения дорогого оружия и боевых доспехов. Большого расцвета насечка достигла у оружейников Дагестана; они украшали ею клинки шашек, сабель, кинжалов и стальные детали кремневых ружей. Кубачинские мастера насечки (бейху уста) вначале гравировали и вырубали небольшим зубильцем узор, затем в углубления вкладывали и вколачивали жгутики золота или серебра. Чтобы рисунок контрастно выделялся на стали, ее воронили.
Чеканка— технологический процесс изготовления рисунка, надписи, изображения, заключающийся в выбивании на пластине определённого рельефа. Один из видов декоративно-прикладного искусства.
Является одним из вариантов художественной обработки металла.
Техника чеканки применяется при создании посуды, декоративных панно, различных ювелирных украшений.
Рельеф на листовом металле создают с помощью специально изготовленных инструментов — чеканов и выколоточных молотков, которые изготовляют как из металла так и древесины.
Для чеканных работ применяют такие металлы как латунь, медь, алюминий и сталь толщиной от 0,2 до 1 мм, в некоторых случаях золото и серебро.
Дата: Воскресенье, 23.03.2014, 21:42 | Сообщение # 9
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Нэцкэ.
Нэцкэ - произведения миниатюрной декоративно-прикладной пластики (высота от 2 до 10 см) из дерева, слоновой кости и металла, получившие распространение в Японии в конце 17-19 вв.
Так случилось, что в настоящее время традиционная японская миниатюра больше почитается в Европе и Америке, чем у самих японцев. Мода на коллекционирование нэцкэ так велика, что в самой Японии их почти не осталось, а лучшие коллекции теперь находятся в музеях Европы, Америки и в руках частных коллекционеров.
Традиционная одежда японцев (кимоно) не имела карманов. И если женщины могли еще что-то положить в отвороты широких рукавов, то мужчины были лишены этой возможности. У мужской одежды рукава прямые. Поэтому мужчины вынуждены были носить мелкие предметы на поясе. А чтобы они, привязанные к шнурку, не выскальзывали, на другой конец шнурка привязывали противовес. Вот эти противовесы и назывались «нэцкэ». Слово «нэцкэ» пишется двумя иероглифами «НЭ-ЦУКЭ», и переводится с японского как «прикреплять корень».
Первое упоминание о нэцкэ можно найти в японской энциклопедии «Киммо дзуи», вышедшей в свет в 1690 г. Никакой художественной ценности первые нэцкэ не имели. По форме были похожи на круглую лепешечку рисового печенья и изготовлялись из дерева. На первых порах изготовление нэцкэ не было особой отраслью ремесла. Им занимались те же мастера, что специализировались на резьбе театральных масок, архитектурных деталей, производстве ювелирных изделий.
Но со временем изготовление миниатюр стало выделяться в отдельную отрасль. Для разных слоев населения требовались и разные нэцкэ. Крестьяне пользовались латунными и медными, а иногда в качестве нэцкэ использовались даже маленькие тыквы-горлянки, корни. Для состоятельных заказчиков на изготовление шли слоновая кость и олений рог.
Настоящим расцветом нэцкэ можно считать начало XIX в. Нэцкэ стали изготовлять по индивидуальным заказам. Сложнее и изощреннее стала композиция мини-пластики. Кроме религиозных и мифических сюжетов появились изображения по мотивам городского быта: фигурки ремесленников, бродячих актеров, женщин, занятых домашней работой. Много нэцкэ выполнено в виде театральных масок. Делались нэцкэ и в форме животных.
Размер нэцкэ со временем стандартизируется; выбирается золотая середина, так как слишком большие были бы неудобны во время ходьбы, а мелкие могли выскользнуть из-за пояса. Стандартным размером нэцкэ является размер от 2 до 10 см. Для многих нэцкэ придумывались специальные названия, слагались свои стихи и даже своя музыка. Но наиболее интересные нэцкэ – это миниатюрные фигурки божков.
Хотэй- покровитель веселья, радости, общения и благополучия. Считается, что он предопределяет людские судьбы и помогает в осуществлении заветных желаний. Если фигурку Хотэя погладить по животу 300 раз, думая о чем-то хорошем, то загаданное обязательно исполнится. В Японии считают, для того, чтобы дом был счастливым, в нем должно быть семь Хотэев.
Дайкоку бог богатства и достатка. Иногда выступает как покровитель домашнего очага. Изображается с колотушкой, крысами и мешком волшебного риса - символом богатства и достатка. Крысы - помощники Дайкоку и наши друзья. Они прогрызают в его мешке дырочки, и волшебный рис щедро сыплется с неба прямо нам в ладони.
Эбису-покровитель удачи. Изображается в высокой шапке, с удочкой и рыбой Тай. Священная рыба Тай считается символом удачи и духовных достижений. По легенде, очень трудно поймать священного карпа голыми руками в чистой небесной воде - так же трудно достичь душевного спокойствия, гармонии и просветления. Иногда Эбису выступает как покровитель рыбаков и моряков
Дзюродзин - бог долголетия и бессмертия. Как правило, изображается Дзюродзин стариком со свитком с надписью «Небеса даруют бессмертие» и волшебным музыкальным инструментом, при звуках которого происходит омоложение человека и исполнение всех добрых пожеланий.
Фукурокудзю- бог мудрости, ученой карьеры и интуиции. Его голова имеет необычайно вытянутые размеры, на лбу - глубокие поперечные морщины, в руках обычно он держит посох со свитком. Иногда Фукурокудзю изображается превращающимся в черепаху - символ долголетия, мудрости и Вселенной.
Бисямонтэн - покровитель воинов. Он изображается грозным воином в доспехах с трезубцем или мечом и пагодой в руках. Как бог счастья, Бисямонтэн сражается только в защиту добра. Его девиз - «Верность, долг, честь». Покровительствует воинам, помогает им обрести необыкновенную силу духа и мужество, мудрость и справедливость.
Бэндзайтэн- богиня любви и искусства. Иногда она считается божеством воды и покровительницей музыки. Бэндзайтэн изображается с лютней «бива» в руках. На Востоке девушки обращаются к ней с просьбами о любви и счастливом замужестве.
Дата: Понедельник, 26.05.2014, 20:08 | Сообщение # 10
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Французский фарфор —керамические изделия, производящиеся на территории современной Франции, начиная с XVII века по настоящее время.
Долгое время во Францию из Китая завозились изделия китайского фарфора, которые были весьма дорогостоящими и считались предметами роскоши. Китайский фарфор во Франции коллекционировался и бережно хранился начиная со времён короля Франциска I (начало XVI века).
Белый фаянс в китайском стиле с синим декором во Франции впервые был изготовлен на мануфактурах бургундского Невера и его производство здесь продолжалось с 1650 по 1680 год. Затем производство уже фарфора в китайском стиле началось на мануфактурах Нормандии.
Первые образцы мягкого фарфора были получены во Франции в попытках имитировать дорогостоящий китайский твёрдый фарфор, непосредственно после успешного изготовления фарфора Медичи во Флоренции в XVI веке. Первые образцы мягкого фриттового (спёкшегося) фарфора во Франции были получены в 1673 году в Нормандии на Руанской фарфоровой мануфактуре в результате серии попыток имитировать настоящий китайский фарфор. Именно этот фарфор стал известен как «французский фарфор». Английский натуралист Мартин Листер, в опубликованном в 1698 году отчёте о путешествии во Францию, писал из Парижа, что производство фарфора «настолько же белого и просвечивающегося, подобно пришедшим с Востока предметам» вовсю налажено в Сен-Клу.
Франция смогла раскрыть секрет китайской техники изготовления твёрдого фарфора благодаря усилиям находившегося в Китае иезуита Франсуа Ксавье д'Антреколя в период с 1712 по 1722 год
После 1730 года во Франции также начали выпускать раскрашенный фарфор, зачастую имитируя китайский стиль раскрашивания фарфора Famille rose. Японский стиль Kakiemon, на примере фарфора Арита, известный во Франции как «Fleurs indiennes» (Цветы Индии) также служил мотивом для художников, в особенности на фабриках Сен-Клу и Шантийи. В патенте, который в 1735 году король Людовик XV пожаловал Мануфактуре Шантийи, отдельно указано право выпускать фарфор «façon de Japon» (имитация японского фарфора).
По прошествии начального периода, длившегося до конца XVIII века, французские производители фарфора стали постепенно отходить от китайских и японских мотивов в своих изделиях, и их продукция начала всё отчётливее приобретать оригинальный французский стиль. Так, Венсенская фарфоровая мануфактура стала проявлять в своих изделиях мягкого фарфора оригинальные французские мотивы в последние годы своей работы, после чего это направление было продолжено в оригинальных и разнообразных изделиях Севрской фарфоровой мануфактуры.
Следующая ступень развития французского фарфора отмечается с появлением лиможского фарфора, разновидности твёрдого фарфора, выпускаемого на фабриках поблизости от города Лимож в современном регионе Лимузен.
Китайская перегородчатая эмаль не только традиция культуры Китая, но и признак высокого статуса и богатства. Название обусловлено периодом правления династии Цзинтай (1450-1456 гг.), когда массовое изготовление изделий (ваз, чайных сервизов и т.д.) из лазорево-синей эмали достигло расцвета. Пекинская техника перегородчатой эмали — производство целиком ручное и трудоемкое. Каждое изделие уникально и неповторимо своим орнаментом и цветовой гаммой. Заготовка выковывается из тончайших медных (латунных) листов. В самых изысканных изделиях - из серебра и золота. Придается первоначальная форма, шлифуется. Нанесение сложного рисунка по тканевому шаблону — работа тонкая и кропотливая. Еще более филигранная точность нужна при нанесении границ рисунка — перегородок, шириной всего 1 до 3 мм. Внимательный мастер режет медную или латунную ленту, изгибает ее по форме элементов орнамента. Сотни перегородок прикрепляются специальным клеем и присыпаются измельченными серебряными опилками. При обжиге клей выгорает, а припай надежно закрепляет перегородки. Ручная раскраска – процесс трудоемкий: ячейки заполняются эмалью из смеси порошкообразного стекла и минералов. Смешанные цвета получают при 3-4-кратном заполнении. Несколько повторных обжигов и закреплений эмалевого покрытия. Несколько этапов полировки. У особо дорогих изделий золотое или серебряное покрытие граней. И… готово произведение тончайшего искусства. Отличительный признак перегородчатой эмали — цельное заполнение ячеек. Техника «цзинтайлань» характерна природным орнаментом с изображением птиц и зверей.
Жан-Пьер Ожье, скульптор живет и работает в Санкт-Антуан-де-Сига (Приморские Альпы, Франция). Будучи ребенком, он пробовал себя с различными материалами. С 1963 года он его заинтересовали в заброшенные старые инструменты и он придумал как продлить им жизнь. С этого времени, он занимается только формами из железа. Его работы представлены не только выставке «La Maison Du портал» в Левенс, в ряде других французских регионов, но и в Париже, Нью-Йорк, Люксембурга, Бельгии, Германии и Швейцарии. Старые инструменты и куски железа вдохновляют для Жан-Пьера Ожье, который собирает и превращает их в символы или животных и др. Его любимые темы женщина, пара, материнство, басни и сказки, мифология и религия. Его работы признаны как имеющие «четыре главные добродетели»: благодать, движение, нежность и юмор.
Дата: Воскресенье, 15.06.2014, 15:53 | Сообщение # 13
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Лимо́жская эма́ль, прежде известная как Лиможская работа — специальная техника обработки изделий из эмали, называемая выемчатой эмалью, которая появилась в середине XII века во французском городе Лиможе, исторической провинции Лимузен. Первое письменное упоминание о технике выемчатой эмали встречается в тексте, составленном в 1167—1169 годах писцом Томаса Бекета, где он, описывая переплёт книги, находящейся в парижском аббатстве Сен-Виктор, использовал выражение «лиможская работа. В дальнейшем свидетельства множатся; такие ссылки мы находим в описании обложек книг, но главным образом, в описаниях церковных предметов: реликвариев, распятий, ритуальных ваз (дароносиц, потиров и пиксидов), а также кадильниц. Получив глубочайшее признание в государствах западной Европы, эмальеры прекратили использовать эту технику в середине XIV века.
Начиная с конца XV века, во Франции появилась новая технология изготовления предметов эмали — художественная эмаль, или еще известная как раскрашенная эмаль. Очень быстро художественная эмаль, подобно выемчатой эмали, в своё время, стала монопольно производиться в лимузенских мастерских.
В настоящее время при производстве изделий эмали одни мастера используют классическую технику, а другие — обновлённую современными достижениями технологию.
Ювелирное искусство Индии одно из самых древних в мире, оно существует уже более чем 4000 лет. Причинами столь давнего развития ювелирного ремесла в Индии явились: богатство территории материалами пригодными для изготовления ювелирных изделий и большая любовь самих индийцев к украшениям, глубоко вошедшая в их культуру.
Украшения в Индии, как правило, не несут чисто декоративный характер. В отличие от европейских стран их обычно используют для специальных событий и торжеств, таких как свадьбы, традиционные танцы, так же в качестве оберегов, либо же для отделки храмов и статуй божеств.
Для личного ношения украшения используют как женщины, так и мужчины, причем они могут многое рассказать об их владельце. Так, например, если у женщины на пальцах обеих рук надеты кольца, то это означает что она замужем. Если кольцо вставлено в нос, то это может свидетельствовать о богатстве мужа, причём, чем больше кольцо, тем он богаче. Ещё одна важная культурная особенность заключается в том, что часть украшений могут носить только люди, принадлежащие к определенной касте. Например, в древние века украшение для тюрбана могли носить только члены королевской семьи и небольшой круг приближенных лиц. Эти традиции выглядят странными, но не стоит забывать, что индийское общество всегда было кастовым, накладывающим различные ограничения на людей из разных сословий, которые в свое время коснулись и ювелирных украшений.
Символизм ювелирных украшений Индии.
Ювелирные изделия из Индии отличает особое буйство красок, неповторимая художественная составляющая и сочетание несочетаемого (рядом с особо драгоценными камнями могут находиться недрагоценные камни, а сами изделия могут быть вполне изготовлены не из благородного металла, такого как медь, бронза и т.п.).
Для изготовления ювелирных украшений индийские мастера часто обращаются к своей богатой природе, поэтому в них, как правило, превалируют сюжеты, связанные с животными и растениями. Причем каждое животное и растение имеет свой символизм в индийской культуре. Соответственно при покупке ювелирного украшения из Индии стоит учитывать эти особенности, тем более, если вы хотите преподнести купленную вещь в подарок. Ниже представлены примеры того что означают сюжеты используемые в индийских украшениях.
Животные мотивы: Павлин символизирует красоту, любовь и бессмертие. Рыбы за способность быстро размножаться является символом изобилия. Змея каждый код сбрасывает кожу, поэтому она символизирует перерождение, бессмертие, храбрость и быстроту. Мотивы льва предают владельцу храбрость, силу и независимость. Слон обозначает силу, спокойствие, мягкость и большие размеры.
Мотивы с растениями: Бутон жасмина (чампа) – символ плодородия. Листья фикуса (пипал) – символ благосостояния и изобилия. Кроме сюжетной составляющей, важна еще и цветовая, так как у индийцев цвет камней и драгоценных металлов ассоциируется с определенным состоянием. Алмаз и горный хрусталь (белый цвет) – это сила. Сапфир (синий цвет) – цвет мудрости. Золото (желтый цвет) – символ тепла, гармонии и бессмертия. Топаз (оранжевый) – цвет того, что требует концентрации воли: наука, искусству, получение знаний. Рубин и гранат (красный цвет) – цвет любви и преданности. Аметист (фиолетовый цвет) – религиозность, связь с космосом. Изумруд и хризопраз (зеленый) – цвет артистичности и обаяния.
Одно из традиционных украшений Индии, в котором очень важна цветовая составляющая, является
наваратна. Это изделие в котором установлено 9 камней разного цвета, каждый из которых соответствует определенному небесному телу. Считается, что если правильно использовать этот амулет, то он способен помогать во всем своему владельцу, ну или хотя бы оберегать его от неблагоприятных событий. Традиционные стили ювелирного искусства Индии.
К традиционным стилям ювелирного мастерства в Индии относят техники Минакари и Кундан. Минакари – это искусство нанесения эмали. Раньше это делалось для проверки качества золота, чем чище было золото, тем лучше смотрелась эмаль. Теперь это один из неповторимых по красоте видов искусства. Второй вид традиционного ювелирного искусства Кундан – изготовление украшений из тончайшей золотой фольги, при помощи которой крепятся многочисленные драгоценные камни. Когда эти два стиля соединяются, то получаются ювелирные изделия, которые называются «Мина Кундан». Лицевая сторона таких ювелирных украшений выглядит как кундан, а на оборотной стороне создается красивый узор с помощью эмали.
Эти традиционные стили создания ювелирных украшений существуют в Индии тысячелетиями, передаваясь из одного поколения мастеров другому. Многие западные ювелиры начинают сейчас копировать техники индусов, создавая похожие украшения и даже выпуская коллекции изделий сделанных в индийской манере. И, пожалуй, самое интересное в этой тенденции то, что Индия это страна которая не раз подвергалась завоеванию и была колонией, но при этом все равно сохранила свое традиционное ювелирное искусство.
