Дата: Воскресенье, 01.11.2015, 10:13 | Сообщение # 46
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
25 лет в полном одиночестве он создавал подземный сказочный мир
Скульптор-самоучка Ра Полетт вот уже 25 лет каждый день работает в пустынных скалах Нью-Мехико, где вырезает волшебные дворцы. Он находит пещеры из светлого песчаника, которые легко поддаются резцу, углубляет и расширяет их, создавая систему связанных между собой сводчатых залов. Стены скульптор покрывает изысканной резьбой — каждая пещера в своем стиле. Титанический труд Ра проделывает совершенно один, в помощниках у него только верный пес.
В пещерах он прорезает окна в стенах и потолках, и солнце днем заливает залы яркими лучами. Свои таинственные подземные дворцы Ра называет «первозданными святилищами», в которых человек, оставаясь наедине с собой, может почувствовать душу мира. Творит он ради собственного удовольствия и самовыражения. А пока работает, устраивает в пещере уютный уголок для себя, в котором есть все, что нужно для жизни.
Недавно о легендарном художнике-одиночке сняли фильм «Копатель пещер» (CaveDigger), который был номинирован на «Оскар» как лучшая документалка.
Более тридцати лет Алексей Зель при температуре 2000°С варит стекло.
В шутку называет себя ювелиром, ведь с прозрачным материалом он обращается точно с хрупким драгоценным камнем.
Чтобы получить изящные статуэтки и искусные подсвечники, стеклодув трудится над каждым экспонатом от нескольких месяцев до нескольких лет.
«Стекло красиво. Оно красиво в работе и в куске красиво, и в изделии. Это сказочный материал, в котором преломляется свет, в котором все играет и блестит», — восхищенно говорит стеклодув.
Его руками сделана подарочная стеклянная корзина для Маргарет Тетчер. Его работы выставлялись в Эрмитаже и Третьяковке. Австралия и Германия, США и Япония постоянно приглашают Алексея Зеля за границу, просят приехать с работами. Художник отказывается, так как велика опасность повреждения скульптур.
Мастер работает с нетрадиционным для русского (да и мирового) стеклоделия кварцевым стеклом. Многолетний упорный труд позволил ему разработать широчайший диапазон способов обработки этого материала. Cочетание таланта художника и виртуоза в одном лице позволило создать произведения, не имеющие мировых аналогов. Творения Алексея Зеля признаны экспертами самого высокого уровня, а в 1993 г. ему было присвоено звание «Народный художник России».
Это звание он получил за вклад в развитие декоративно-прикладного искусства и необыкновенное мастерство, которого он добился самостоятельно. Поэтому имя Алексея Зеля можно с полным правом отнести к той замечательной плеяде гениальных самоучек, которые прославили нашу землю.
Дата: Понедельник, 16.11.2015, 09:10 | Сообщение # 48
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Архитектура, конечно, не прикладное искусство, но, если иметь в виду декор и формы, то можно отнести и к этому виду искусства.
Вальсы с городом. Фёдор Шехтель создал более 200 шедевров и... умер нищим
«Профессии не выбирал - было решено давно: конечно же, архитектурное отделение Училища живописи, ваяния и зодчества».
Архитектор Фёдор Шехтель в 1890-х годах.
Так решил Фёдор Шехтель, когда после гибели отца переехал с матерью в 1875-м в Москву в дом Павла Третьякова. Именно там матери дали работу. Вероятно, дух искусства, царящий в семье коллекционера живописи, и повлиял на выбор профессии будущего художника-архитектора.
От избушки до замка
«Ещё будучи совсем молоденьким учеником, посещавшим архитектурные классы, Шехтель часто приходил к нам в 1877 г., когда мы были особенно бедны. Стоило только нашей матери сказать, что у неё нет дров, как он и его товарищ Хемус уже приносили ей под мышками по паре здоровенных поленьев, украденных ими из чужого штабеля по пути», - вспоминал Михаил Чехов, брат Антона Чехова. Но учёба продлилась недолго: спустя три года после поступления студента Шехтеля отчисляют из-за... частых прогулов. И только в 1902-м (после многочисленных построек) уже признанный гений получает звание академика.
Архитектуру принято сравнивать с застывшей музыкой. Здания Шехтеля - застывшая музыка вальса - чувственная и воздушная, она имеет чёткую структуру и композицию. Начинаем кружиться... Раз-два-три, раз-два-три... И мы возле дома Шехтеля - особняка в Ермолаевском переулке, д. 28/15, в котором он какое-то время жил со своей семьёй. «Построил избушку непотребной архитектуры, которую извозчики принимают то ли за кирху, то ли за синагогу», - оценивал зодчий свой труд в письме к Антону Чехову. И в этом ироничном высказывании - немалая доля правды. При пристальном взгляде на дом можно увидеть и средневековый английский замок, и русскую избу. Всё зависит от ракурса. Это здание можно сравнить с первым романом и абсолютно свободным проявлением чувств, когда влюблённость захлёстывает и когда не существуют никакие запреты и рамки.
Кирха? Синагога? Домик для семьи Шехтеля.
Плавные движения вальса ведут нас к дому дочери фабриканта-миллионера Ивана Бутикова - Александры Дерожинской (Кропоткинский пер., д. 13) . Здесь архитектор выступил и как живописец: по его эскизам была сделана каждая мелочь, включая торшеры и ручки дверей (кстати, входная была в виде чёрного паука). Громадное окно, выполненное в форме арки, окружает целый «ансамбль» других различных по форме окон, невероятным образом сочетающихся друг с другом. Стоит также отметить замысловатые рисунки на фасаде здания и узорчатую изгородь.
Особнчк Александры Дерожинской.
Особняк Степана Рябушинского на Малой Никитской, д. 6/2, выполнен Шехтелем, как и предыдущий дом, в стиле модерн. Здесь тоже важную роль играют окна: создаётся ощущение, что дом по большей части и состоит из оконных проёмов. Внутри стены украшены рисунками бабочек, улиток и других обитателей животной среды. Особенное внимание нужно обратить на знаменитую лестницу - она создана в виде морской волны с медузой, и при взгляде на неё сверху можно угадать очертания черепахи. К сожалению, в наши дни интерьер утратил первоначальный облик. И только тот факт, что в доме проживал Максим Горький, спас строение от полного разрушения. И сейчас особняк Рябушинского - мемориальный музей-квартира писателя - открыт для посетителей.
Особняк Рябушинского.Красота скрыта внутри.
Был нищим, строил для богатых
Двигаясь вдоль Садового кольца, приближаемся к ещё одному творению архитектора - Ярославскому вокзалу на Комсомольской пл., д. 5 .
Фёдор Шехтель пристраивает к старому зданию вокзала новый фасад с залом ожидания, применяя современные строительные материалы (например, железобетон). Определяет концепцию вокзала - принцип древнерусского зодчества (когда в одно целое соединяются разнообразные по формам и масштабу постройки). В итоге пассажирский зал соединён с вестибюлем и имеет прямой проход к перронам.
Продолжаем порхать в танце. Здание Московского художественного театра (МХТ) на Камергерском, д. 3 , было перестроено под руководством архитектора в 1902-м и всего за три месяца. Поэтому Шехтель рисовал планировку... прямо на стенах углём. И рука мастера коснулась даже занавеса на сцене. Именно зодчему принадлежит замысел украсить его рисунком парящей чайки - очевидна отсылка к чеховской пьесе, которая остаётся в репертуаре МХТ по сей день. Или намёк на памятные знаки в виде птицы, которые первым актёрам, игравшим в «Чайке» и «Дяде Ване», в 1901-м впервые подарил сам Чехов. (Их, кстати, вручают до сих пор.) К тому же он одним из первых спроектировал занавес так, что две его части раздвигались в разные стороны, тогда как до этого занавес поднимался вверх. Архитектор смог увеличить вместимость зрительного зала на 200 мест, оставив прежние размеры старого здания.
Здание Московского художественного театра было перестроено Фёдором Шехтелем в 1902-м всего за три месяца. Поэтому он рисовал планировку прямо на стенах. МХТ и сейчас — украшение Камергерского переулка.
Как отмечает искусствовед Евгения Кириченко: «Силой своего мастерства Шехтель с порога настраивает зрителя на особый лад, создавая обстановку, глубоко родственную программе театра». К. С. Станиславский отмечал, что здание перевоплотили в «изящный храм искусства». В реконструированном здании великолепным казался каждый штрих: орнаменты, маленькие, стоящие почти вплотную друг к другу окна, светильники в средневековом стиле. Удивительно и то, что за свою работу зодчий не попросил денег.
Шехтель этого периода - знаток любви, всезнающий и спокойный, умеющий полностью отдавать себя чувству.
К 1925 г. у мастера сильно ухудшается здоровье. Ему начисляют пенсию в размере 75 руб., и денег катастрофически не хватает, чтобы вылечить себя и прокормить семью. В одном письме Фёдор Шехтель пишет: «Моя жена стара и немощна, дочь больная (туберкулёз лёгких), и чем она будет существовать - я не знаю, нищенствовать при таких ценностях - это более чем недопустимо. Продайте всё это в музеи, в рассрочку даже, но только чтобы они кормили жену, дочь и сына Льва Фёдоровича».
Фёдор Шехтель умирает в 1926-м, оставив нам наследство, преобразившее Москву. Зодчему принадлежит около 200 архитектурных работ, из которых сохранилось чуть больше 80. И мы можем наблюдать его творения и испытывать головокружение от восхищения, будто мы всё ещё кружимся в вальсе...
Чудо-деревня, в которой расписаны все дома, заборы и мосты
В небольшой польской деревне Зальпье, которая находится всего в 90 минутах от Кракова, вот уже несколько лет поддерживается необычная, но очень милая традиция - в этом поселении расписывается каждое строение, будь это жилой дом, церковь, или даже сарай или колодец. Каждую стену украшают замысловатые цветочные узоры, которые придают деревне свой неповторимый колорит, привлекающий сюда туристов из разных стран.
Так как же началась эта традиция в Залипье (Zalipie). На самом деле, достоверных фактов не существует, однако самая достоверная версия гласит, что местные женщины стали расписывать свои дома изнутри из-за плохой вентиляции дома, когда сажа от печей оседала на потолках и стенах. Такие пятна выглядели неопрятно даже если их отмыть, и чтобы закрасить подобные изъяны, женщины рисовали самые простые рисунки - цветы.
Со временем, даже когда с вентиляцией в домах стало много лучше, местные люди уже просто не могли себе представить дом без такой росписи. И цветочные узоры - все более и более вычурные - стали появляться на стенах, как внутри, так и снаружи домов, на крышах, на заборах, на мостах, на дорогах - везде, где только позволяла поверхность. Это стало местной особенностью, традицией, которую не нарушают и сегодня, и которой местные жители очень дорожат.
Что интересно, соседние деревни также стали перенимать эту идею для украшения своих домов. И после войны, с 1948 года, между этими деревнями стал проводиться мини-конкурс "Malowana Chata" на лучший расписной дом. Когда этот конкурс только начался, со стороны правительства это было не столько заинтересованность в самом проведении соревнования, сколько в возвращении духа и мотивации народу, который так много пережил во время Второй мировой войны (население Польши тогда уменьшилось на 17%). Однако именно Malowana Chata вернула в местные деревни дух возрождения, и местные жители стали снова расписывать свои дома, как они это делали до войны, и даже с большим усердием, чем прежде.
Один из домов, который до 1974 года принадлежал местной жительнице Фелиции Цуриловой, стал сегодня музеем. За свою жизнь Фелиция проделала огромную работу и расписала почти все, что было в ее доме - от стен и потолков до ложек и цветочных горшков. Сейчас этот трехкомнатный дом является центральной достопримечательностью деревни Залипье, куда каждый год приезжают сотни туристов со всего мира.
Подобные местный колорит можно увидеть в Музее под открытым небом в Пирогове, и хотя там дома и не расписаны так щедро, но зато здесь собраны примеры строений и быта сразу со всех историко-этнографических регионов Украины.
Кружевной промысел был известен на Мальте начиная с 16 века. Но его расцвет начался только в период 17-19 веков и был тесно связан с приходом на остров Мальтийского ордена (Суверенный Военный Орден Госпитальеров Св. Иоанна Иерусалимского Родоса и Мальты), активно поощрявшего занятия как наукой, так и декоративно-прикладным искусством. Мальтийское Кружево плели из тонких шелковых и хлопковых нитей белого, золотистого и черного цветов. К 18 веку оно было широко известно и любимо в аристократических домах Европы, а отдельные образцы этого кружева ценились на вес золота. Труд кружевниц высоко оплачивался — мастерицы зарабатывали в 6 (!) раз больше, чем представители других профессий. Так как многие кружевницы из европейских стран пытались перенять и скопировать сложную технику плетения, мальтийские мастерицы придумали свой уникальный авторский элемент, который ни одна страна не смогла бы себе присвоить — мальтийский крест.
«Мальтийский крест». Этот элемент мастерицы очень гармонично вписывали в орнамент своих кружевных изделий.
После ухода с Мальты рыцарей Ордена Святого Иоанна традиции плетения кружева стали угасать, и к началу 19 века кружевниц на острове почти не осталось. Возрождение промысла связано с именем Леди Гамильтон Чичестер, которая в 1883 привезла на остров генуэзских кружевниц, обучивших женщин и детей основам мастерства. За основу было взято кружево Северной Италии, выплетавшееся из толстых нитей (в свою очередь произошедшее от генуэзского кружева 17 века). В добавок к этому использовали старые образцы игольного кружева.
Традиции кружевоплетения сохраняются на Мальте и в наши дни. Оно преподается в государственных школах для девочек. Проводятся местные выставки и вечерние занятия.
Приглашаю вас совершить виртуальное путешествие по необыкновенной камерной выставке «Кружево острова рыцарей», которой я была совершенно очарована как специалист. И вдохновиться уникальными образцами мальтийского кружева второй половины 19 века.
Насновки (элемент кружева, напоминающий по форме лепестки, листочки) играют большую роль в орнаменте изделий.
Шелковая нить придает им необычайную фактурность и объем. Они буквально переливаются на свету!
Решетка из насновок очень хорошо «держит» орнамент и композицию изделия.
В чём секрет муранского стекла, которое было изобретено более 2000 лет тому назад
Изделия из муранского стекла, выполненные в стиле миллефиори.
Иногда, глядя на творения рук человеческих, понимаем, что гениальность творчества и мастерство не знают пределов совершенства. Эта мысль приходит на ум, когда видишь творения, созданные из муранского стекла.
Такие мозаичные изделия собираются из маленьких стеклянных фрагментов - мурин, а потом сплавляются вместе под действием высокой температуры и формируются мастером-стеклодувом в необыкновенно красивые сосуды, предметы и украшения.
Восхитительные цветочные луга и картины из муранского стекла, которое было изобретено более двух тысяч лет тому назад.
Удивительное по своим характеристикам муранское стекло - самая пластичная, самая податливая разновидность этого материала. Его секретная формула состава позволяет воплощать даже очень смелые фантазии стеклодувов-художников в самые причудливые и непредсказуемые формы.
А сама миллефиори (мillefiori) - так называется техника, в которой это стекло используется в переводе с итальянского означает «тысяча цветов», «цветочный луг».
Поэтому веками, искусно создаваемые изделия из муранского стекла в этой технике, приравнивались к драгоценностям. Они всем своим видом напоминали поделочные камни: агат, сердолик, халцедон.
Немного из истории
Изделия из муранского стекла выполненные в стиле миллефиори.
Справедливости ради нужно отметить, что хотя миллефиори возникло и развивалось в Италии, однако именно Древнему Египту по праву принадлежит первенство в изобретении и создании мозаичного стекла с цветочным узором. Еще мастера-стеклодувы Александрии во II веке до нашей эры научились выплавлять такое необыкновенное чудо. И лишь в I веке до нашей эры эти технологии выплавки были заимствованы римлянами.
Своего пика популярности муранское стекло, названное в честь острова Мурано, расположенного вблизи Венеции, достигло в XIII столетии. Именно на этом острове было
в то время налажено производство удивительного материала и выплавки из него диковинных стеклянных предметов.
А несколько веков до этого мастера-стекольщики работали в самой Венеции. Но так как развитие и расширение этого производства было непосредственно связано с огнём, что грозило постоянными пожарами, власти Венеции принимают решение вынести мастерские вначале за черту города, а позже и вовсе на отдельно лежащий остров. Именно с того времени Мурано на пять веков становится центром производства знаменитого венецианского стекла.
Однако в истории муранского стекольного дела были не только взлеты, но и падения. Так в XVIII веке Венеция, оккупированная французскими войсками, была вынуждена закрыть стекольные цеха. И что любопытно, техника выдувания муранского стекла в те времена хранилась под строжайшим секретом, за разглашение которого беспощадно карали смертью. Поэтому в тонкости этого уникального метода были посвящены совсем немногие. Это и стало основной причиной того, что старинные технологии были очень быстро утрачены.
Свое возрождение и новый взлет стекольному производству пришлось пережить начиная со середины XIX века, благодаря энтузиазму одного адвоката из Виченцы. Антонио Сальвиати, так звали инициатора, основал в Мурано завод, который начал производить изделия по традиционным венецианским рецептурам. И уже новые мастера возродили стиль и вместе с этим усовершенствовали утраченную технологию.
К концу XIX столетия все тайны по изготовлению мозаичного стекла были рассекречены, и изделия в технике миллефиори стали производить не только итальянцы. Англичане и французы первыми переняли опыт и наладили свое производство, а затем миллефиори приобрело немалую популярность не только в Европе, а и по всему миру.
Немного о технологии
И как бы далеко не пошел процесс автоматизации стекольного производства в сегодняшнее время, муранские умельцы, по-прежнему создают свои уникальные творения вручную. Ибо лишь только те вещи, которые созданы руками мастера, поистине передают дух муранского искусства выплавки стекла. И к слову, итальянские мастера до сих пор выдувают уникальные изделия буквально своим дыханием.
Традиционный способ выдувания стеклянных изделий.
Разогрев стеклянную массу, стеклодув набирает ее в специальную трубку с мундштуком на одном конце и утолщением для забора стекла на другом. (И что интересно за два тысячелетия своего существования этот предмет не претерпел существенных изменений).
Так вот, набрав жидкое стекло этой трубкой, мастер выдувает стеклянный сгусток, который от воздуха начинает формироваться в объемный предмет, корректировка которого происходит при помощи специальных приспособлений. И стоит ли рассказывать о том, какой силой легких должен обладать мастер-стеклодув, и какую силу в руках он должен иметь, и это уже не говоря о художественном таланте.
Процесс изготовления мурин.
Сама же технология создания миллефиори заключает в себе выдувание и вытягивание стеклянных прутов, в средине которых образуется цветной рисунок, проявляющийся только на срезе. Он создается наслоением стеклянных нитей на стержневую часть. Далее прут разогревают в раскаленной печи до гибкого состояния и вытягивают в тонкие длинные прутики. При этом рисунок сжимается в своих размерах и становится практически филигранным. Затем остывшие длинные прутики режут на более короткие, и соединив между собой в пучок, снова греют и вытягивают в один длинный прут. И так до тех пор пока мастер не останется доволен образовавшимся рисунком на срезе.
Разновидности мурин и собирание миллефиори.
После этого прут нарезают на мелкие пластинки шириной до 6 миллиметров. На срезе такой пластинки, которая и называется муриной, можно увидеть необыкновенно красивый рисунок в виде цветка, ромба, колечка, сердечка с красочными разводами. Множество таких плашек-мурин и наносят путем накатывания на разогретый стеклянный сосуд, который после нужной обработки и становится похож на цветочную поляну.
Картины миллефиори от Лорена Стампа
Как мы уже успели убедиться, традиционные миллефиори - это мозаичные орнаменты, выложенные из отдельных элементов - мурин, создание которых необычайно трудоемкий процесс. Однако шедевры, собранные из них, поистине стоят того.
Картины миллефиори от Лорена Стампа.
И невзирая на то, что об этом уникальном методе в наше время знают очень многие, шедевральные работы по-прежнему создают лишь единицы. И так как эта техника позволяет мастерам вносить тончайшие детали в свои творения, особо талантливые умельцы даже создают репродукции картин известных художников на стеклянных срезах.
Таким уникальным мастерством владеет американский художник Лорен Стамп. Именно из муранского сорта стекла он создает потрясающие миниатюрные картины: портреты, пейзажи и даже мини-копии сюжетных полотен.
Как видим, трубку мастер складывает таким образом, чтобы на ее поперечном срезе проявилось лицо - например лик Мадонны. И чего уж тут говорить - уровень мастерства маэстро потрясает зрителей своим совершенством.
Бонус
Украшения в стиле миллефиори.
Потрясающе выглядят и выполненные из муранского стекла ювелирные изделия: крупные кулоны и бижутерия, кольца, браслеты, броши, серьги, заколки и многое другое, что радует глаз и приносит эстетическое удовлетворение.
Изготовленные трубки для мурин из полимерной глины.
Мало того, современные умельцы-художники пошли дальше. Эту технику они мастерски применили к полимерным глинам, парафиновому воску и другим современным материалам. Поскольку они достаточно гибки и пластичны, поддаются подогреву и комбинированию их мастерски применяют в создании миллефиори.
Тому, кто не на шутку заинтересовался технологией изготовления муранского стекла, будет любопытно посмотреть видео о том как создаются мурины. Как говорится, лучше один раз увидеть....
И в заключение хотелось бы отметить, что разнообразие видов муранского стекла, так же как и техник его изготовления, весьма огромное: мозаичное, авантюриновое, филигранное, прозрачное, молочно-матовое, халцедоновое. Все эти, виды имея различную структуру, узор, фактуру, назначение, подчинены единому, легко узнаваемому, выработанному столетиями, уникальному венецианскому стилю.
Чехия также может гордиться не только звёздным, но и рукотворным стеклом — цветным богемским и хрустальным. Так,чешские мастера-стекольщики издавна состязались в мастерстве по созданию необыкновенной красоты с итальянскими.
Дата: Воскресенье, 12.05.2019, 22:28 | Сообщение # 53
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Стекло, каким вы его еще не видели.
Иногда для своих произведений художники используют не совсем обычные материалы. Например, Ли Хунбо, который делает удивительные скульптуры из бумаги. А иногда, авторы начинают экспериментировать с вполне обычными материалами, но преподносят их так, что сложно поверить своим глазам.
Сегодня речь пойдет о японской художнице Нийоко Икута и ее волшебных стеклянных композициях.
Нийоко Икута уже много лет экспериментирует со стеклом как основным материалом для создания своих произведений. Ещё в 80-х годах прошлого века она заинтересовалась его свойствами – физическими и эстетическими, и теми возможностями, которые даёт художнику эта среда. А сегодня Икута признана одной из ведущих фигур в том, что касается художественных работ из стекла в Японии.
Художница использует стекло, чтобы создать эфемерные воздушные геометрические скульптуры. Её работы можно увидеть по всему миру, включая Лондонскую галерею V & A и музей стекла в Корнинге.
Стоит всего лишь один раз увидеть ее творения, чтобы полностью в них раствориться. Слои стекла то текут, как вода, то закручиваются в воздушные кружевные спирали, то затейливо переплетаются между собой. Стекло достаточно тяжелый материал, но в творениях Нийоко Икуты оно становится легким, невесомым, почти эфемерным.
«Я очарована сложностью того, как стекло отражает, преломляет свет, как он проходит через разбитое сечение листового стекла, - рассказывает о своих работах Нийоко Икута, - В 1980-м году я начала делать художественные работы из стекла, клея, используя обломки. Мои мотивы – это производные от чувства нежности и грубости, страха и безграничной свободы через связь с природой, изображения и музыки, этнических конфликтов, страдания от радости, гнева, молитвы. Когда я создаю свои работы, это как представлять архитектурное пространство, глядя на чертежи, видеть намерение архитектора, или наполнять пространство силой и энергией, чтобы оживлять его».
Каждое творение художницы воплощает ее мысли, чувства, эмоции. Даже молитву ей удается передать при помощи стекла. Во всём мире её произведения ценятся за необыкновенный динамизм форм, подчеркнутый лиризм содержания и завораживающую филигранность исполнения. Стекло в ее работах очень близко по цвету и внешнему виду к ледяным глыбам в природе. Голубоватые и зеленоватые тона так же напоминают цвет морской воды.
Для создания своих работ Икута использует специальный резак. Затем она скрепляет получившиеся пластинки между собой при помощи прозрачного клея, который при высыхании становится абсолютно невидимым. В результате получаются изящные и строгие скульптуры, являющиеся отражением внутреннего мира художницы.
Живет и работает художница в своем родном городе Киото. Свою работу над скульптурами она называет скорее архитектурной, чем художественной. Это воплощение очень точных чертежей и расчетов.
Все новое – это хорошо забытое старое. Гениальный новатор современного ювелирного искусства Уоллес Чан является поистине мистической фигурой современного ювелирного мира.
Он вызывает ассоциации со средневековыми алхимиками. Если чуть внимательнее изучить воззрения алхимиков, то становится очевидным, что они не стремились к получению золота, отнюдь, золото было лишь артефактом, инструментом духовного освобождения.
Абсолютная свобода – это и есть тот самый философский камень, который по формальному признаку был и не камнем вовсе, а раствором порошка.
Торговая марка гонконгского волшебника называется WallaceChan Beyond Jewelry. И вот я задаюсь вопросом, не то ли это самое средство, необходимое алхимику для получения философского камня и осмысления тайных сторон жизни.
Украшения Уоллеса Чана язык не поворачивается назвать украшениями. Это скорее философские инсталляции, арт-объекты, авторское высказывание. Иногда трудно понять, из какой «философской ртути» и «красного льва» они сделаны. И это потрясающее впечатление.
Каждое из своих неповторимых созданий – жуков, мух, стрекоз, драконов – мастер наполняет философскими символами неочевидной реальности.
Его прекрасные бабочки явлены миру будто ответы на не заданные еще вопросы.
Будучи особенным человеком, Чан ощущает непрерывное изменение этого мира. И откликается на это свойство реальности своими сложнейшими конструкциями ювелирного искусства. Какое-нибудь причудливое колье при нажатии на некий выступ можно разделить на кольцо, брошь и более миниатюрное колье.
Чан как мастер иллюзий берет внимание на себя в начале представления и уже не отпускает до закрытия выступления. Его выставки больше похоже на театрализованные действа.
Имя Карла Фаберже, известное, без преувеличения, всему миру, обычно ассоциируется с роскошью императорских диадем, диковинными пасхальными яйцами и предметами быта монарших особ. Однако особенную ценность для коллекционеров представляют запечатлённые в драгоценных камнях букетики цветов, кажущиеся живыми.
В различных музеях и частных коллекциях хранятся всего около 30 цветочных шедевров Фаберже, и тот, кто хотя бы раз видел «Прекрасный одуванчик», являющийся одной из жемчужин Оружейной палаты, никогда не сможет забыть ощущение волшебства и вечности, исходящее от этого трогательного цветка в стакане из горного хрусталя.
Стебель словно только, что сорванного, цветка, сделан из золота, листочки вырезаны из нефрита, а сам одуванчик создан из тысяч тончайших серебряных тычинок, на кончике каждой из которых закреплён натуральный пух одуванчика.
Капельками росы среди пуха переливаются бриллианты. Также поражает и нарочито простой дизайн хрустального стакана: отличительной чертой всех цветов Фаберже является эффект только что налитой в него воды.
Свой драгоценный гербарий великий Фаберже начал собирать в конце XVIII века; розы распустившиеся и бутоны, веточки ландышей, нарциссов, васильков и колокольчиков оживали в руках мастера, становясь вечными свидетелями красоты природы и таланта мастеров.
В 2017 году двое солдат стали настоящими героями Британии: в рамках популярного шоу-проекта об антиквариате они принесли пылившуюся в хранилище их полка коробочку, в которой, по их мнению, находилась поделка.
Полученная, как значилось в документах, в начале XIX за успехи в сражениях, поделка являла собой небольшую композицию, изображавшую веточку с нежно-голубоватыми цветами, помещённую в стаканчик.
Эффект только, что налитой воды, лепестки из перламутра, драгоценная голубая эмаль, бриллиантовая сердцевина и нефритовые листья не оставляли никаких сомнений, что в руки антикваров попал утерянный шедевр знаменитого ювелира «Анютины глазки».
Проведённая экспертиза, доказавшая подлинность клейма, подтвердила догадки антикваров. По предварительной оценке стоимость коллекционного букетика составляет от 1 до 2 тысяч тысячи фунтов стерлингов.
Ар-деко (фр. art déco, букв. — «декоративное искусство», от фр. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств) — стилевое течение в изобразительном и декоративном искусстве стран Западной Европы и Америки второй четверти XX века.
Получило название от Международной выставки декоративного искусства и промышленности (Париж, 1925).
Впервые появилось в основном в архитектуре, моде и живописи во Франции в 1920-х годах и стало популярным в 1930—1940-е годы в международном масштабе. Этот эклектичный стиль представляет собой синтез модернизма и неоклассицизма. На стиль ар-деко также значительное влияние оказали такие художественные направления, как кубизм, конструктивизм и футуризм, сплетавшиеся с восточными, африканскими и другими экзотическими мотивами.
Для стиля характерны строгая закономерность, смелые геометрические линии, этнические геометрические узоры, оформление в полутонах, отсутствие ярких цветов в оформлении, при этом — пёстрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.
Как же удалось сделать из фарфора эти воздушные, нежные, реальные складочки на платьях утонченных дам и кавалеров!
Каждый, кто впервые видит подобные статуэтки, думает, что эти пышные кружева, к которым так хочется прикоснуться, просто надеты сверху на статуэтки. Но на самом деле это не так — они тоже фарфоровые и очень хрупкие, так что дотрагиваться до них нежелательно.
В 1884 году статуэтки были впервые украшены кружевом, которое впоследствии принесло Sitzendorfer Porzellanmanufaktur мировую известность. Технология совершенствовалась и из ажурной «ткани» стали делать не только отдельные детали, но и весь наряд. Технология с одной стороны проста, с другой — требует от мастера ювелирной точности и опыта, иначе чудесного превращения не будет.
Кружева погружали в специальную фарфоровую массу, обволакивающую их, затем формировали из них одежду непосредственно на статуэтках и отправляли в печь для обжига.
При этом текстильное кружево сгорало и оставалось только фарфоровое.
Я видела видеоролик о создании кружевной отделки и хочу сказать, что это филигранная работа, требующая внимательности, терпения и достоверности в создании кружевных оборок, фалд, складок. Тончайшим крючком мастерица укладывала, пропитанное фарфоровой «сметаной» кружево, в искусную отделку на фарфоровой фигурке. Ее движения были такими точными, четкими, как у опытной портнихи.
Вначале, из-за того, что температура, при которой мастера
проводили обжиг, была недостаточно высокой, кружева получались очень хрупкими и часто ломались даже от простого прикосновения. Поэтому фигурок той поры сохранилось немного.
В дальнейшем производители старались усовершенствовать этот процесс, чтобы получать более прочные кружева. Каждый из них пытался найти свой уникальный состав фарфоровой массы и условий обжига, чтобы фарфор получался более прочным. И если кому-то это удавалось, информацию хранили в строжайшем секрете.
Сегодня, при создании «кружевных» статуэток используют настоящие кружева, которые пропитывают фарфоровой массой (у каждого производителя свой секрет специальной массы для пропитки и дальнейшей прочности), а затем ещё влажными прикрепляют к скульптурам.
В печах при температуре более 1300 градусов текстильная основа сгорает, а фарфоровое кружево остаётся на века.
Этот удивительный фарфор, кажущийся таким легким и невесомым, называют также «Дрезденским фарфором». В конце XVIII века приступили к массовому изготовлению статуэток. В основном это были фигурки балерин, танцовщиц, прекрасных дам в пышных нарядах из тончайшего кружева, галантных кавалеров.
