Alexander Chen (Александр Чен), уроженец (1952 год) города Кантон, Китай. Рисовать начал еще в детстве. В 16 летнем возрасте перебрался на ферму, где вопреки всему продолжил заниматься рисованием. В 1989 году Александр с женой переехали в Америку, там он создал серию под названием "Воспоминания", с яркими и красочными изображениями городов, по большей части европейских.
Цветные города, над белыми снегами, Цветные города, в ряд светлыми домами, Цветные города, низ пышными садами, Цветные города, придуманные с нами!!! Цветные города - студенты и студентки, Цветные города - соседи и соседки, Цветные города - беседы и беседки, Цветные города - натянутые сетки!!!
Путь к славе у Альфонса Мухи складывался непросто. Долгое время он был малоизвестным художником на содержании у богатых покровителей. Но скоро и эта поддержка закончилась, тогда художнику пришлось прервать системные занятия живописью и зарабатывать на жизнь изготовлением рекламных плакатов, афиш, календарей и даже визитных карточек. Но все изменилось в жизни чешского гения в 1894 году, когда накануне Рождества он подготовил афишу премьеры спектакля «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар.
Альфонс Муха родился в городке Иванчице (Айбеншютц) в Южной Моравии, недалеко от Брно. В детстве Альфонс увлекался пением и был принят певчим в хор мальчиков капеллы собора Св. Петра и Павла в Брно, что позволило ему учиться в гимназии. К этому же времени относятся и его первые опыты в живописи.
По окончании гимназии Муха пытался поступить в пражскую Академию художеств, но не выдержал экзамены и некоторое время по протекции отца работал писарем в суде своего родного городка. Всё своё свободное время он посвящал занятиям в местном любительском театре — вначале как актёр, затем как декоратор и художник афиш и пригласительных билетов.
В 1879 году Муха был замечен и приглашён в Вену в художественные мастерские Каутский-Бриоши-Бургхардт, в качестве художника театральных декораций. Но после пожара в «Рингтеатре» в 1881 году, который привел к гибели около 500 человек и уничтожил его мастерскую, декораторская фирма потерпела крах, а сам он был настолько потрясён, что покинул Вену и переехал в небольшой моравский городок Микулов.
В Микулове он работал над украшением родового замка графа Карла Куэна-Беласси, а затем и его парадного дворца Эммахоф (названного в честь Эммы - жены графа) в моравском городе Грушовани.
Вскоре художник совершил, вместе с супругами Куэн-Беласси, путешествие в Северную Италию и в австрийский Тироль. Там Альфонс Муха некоторое время расписывал стены замка, принадлежавшего брату Куэн-Беласси. Восхищённый талантом юного мораванина, граф согласился оплатить расходы по его учёбе в Мюнхенской академии изящных искусств. Здесь Муха вскоре возглавил Ассоциацию Славянских художников.
После двух лет занятий в Мюнхене Муха в 1887 году переезжает в Париж и поступает в Академию Жюлиана, а затем в Академию Коларосси, наиболее известные художественные школы своего времени. Однако, в том же 1887 году граф Куэн-Беласси покончил с собой. Муха остался без средств к существованию. Ему пришлось прервать системные занятия живописью и зарабатывать на жизнь изготовлением рекламных плакатов, афиш, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек.
Его мастерская находится над рестораном мадам Шарлотты, в течение некоторого времени он делил её с Ван Гогом. Здесь же,
у Шарлотты, Муха познакомился с художниками Выспянским, Веркаде, Мехоффером, Подковиньским и Слевиньским...
Поворот в судьбе моравского гения наступил в 1894 году, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар. Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра.
За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения. Некоторое время Муха был также любовником знаменитой актрисы.
В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). От заказов не было отбоя. Газеты писали о феномене Мухи, в Париже даже появилось новое понятие — «La Femme Muchas». Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах
В 1895 году Муха входит в круг символистов «Салон ста» (Salon des Cent), группировавшихся вокруг небольшой одноименной художественной галереи, к которому принадлежали такие личности как художники Боннар, Тулуз-Лотрек, Грассе, поэты Верлен, Малларме и другие. В число его знакомых входят братья Люмьер, вместе с которыми он участвует в опытах по кинематографии, и Стриндберг. Начиная с 1897 года он организует персональные выставки в Париже и других городах Европы, включая Прагу, пользующиеся огромным успехом, журнал La Plume посвящает ему специальный номер.
В 1906 году Муха принимает предложение Американского общества иллюстраторов и переезжает в США, где жил и работал до 1910 года и считался крупнейшим художником современности. Муха преподавал в Художественном институте Чикаго, а в1908 году создал декорации для Немецкого театра в Нью-Йорке...
Однако, несмотря на громкий успех (Муха снискал себе славу портретиста и автора обложек иллюстрированных журналов), тамошняя жизнь тяготила его своим коммерционализмом, и он не порывал с мечтами вернуться в Чехию. К тому времени он решил, что его прежнее творчество исчерпало себя, и задумывался о создании грандиозного цикла эпических картин на тему истории славян.
Сразу же после возвращения в Чехию в огромном Хрустальном зале замка Збирог недалеко от Праги он принялся за работу. В течение последующих восемнадцати лет из-под его кисти вышло двадцать монументальных полотен, изображающих переломные вехи в истории славянских народов, в частности, «Славяне на исторической родине» («Славяне на прародине»), «Симеон, царь Болгарии», «Проповедь магистра Яна Гуса», «После Грюнвальдского сражения», «Ян Коменский покидает родину» и «Отмена крепостного права на Руси».
В эти же годы он работает над интерьерами самых известных зданий Праги в стиле модерн — Муниципального дома, отелей «Европа» и «Империал», создает эскиз главного витража достраиваемого собора Святого Вита в Пражском Граде.
К концу его жизни интерес к нему был потерян: в Чехословакии 1930-х, а также в социалистический период его творчество считалось устаревшим и чрезмерно националистическим. Патриотизм художника (не столько моравский или чешский, сколько общеславянский) был настолько известным, что власти гитлеровской Германии включили его в список врагов III Рейха. После захвата Праги в марте 1939 года, Гестапо несколько раз арестовывало престарелого художника и подвергало допросам, в результате чего он заболел пневмонией и скончался 14 июля 1939 года.
Катастрофы и надежды. Жизнь Ивана Айвазовского сквозь призму его картин
В день рождения художника-мариниста SPB.AIF.RU вспоминает историю создания его шедевров.
29 июля 1817 года в Феодосии родился всемирно известный художник-маринист Иван Айвазовский. Впрочем, в метрической книге он записан как Ованес Айвазян, но ещё его отец переделал фамилию на польский манер и звался Константином Гайвазовским.
Иван с детства обнаружил художественные способности и по окончании симферопольской гимназии был принят в Императорскую академию художеств в Санкт-Петербурге. Через четыре года обучения за картину «Штиль» он получил Большую Золотую медаль и право на двухлетнюю поездку в Крым и в Европу, где приобрёл известность. За свои полотна молодой Айвазовский получил золотую медаль Парижской академии художеств.
В 1844 году 27-летний маринист стал живописцем Главного морского штаба, но жить предпочёл не в столице, а в родной Феодосии. В Петербурге он проводил зимы.
За свою 82-летнюю жизнь Иван Константинович написал больше шести тысяч картин, они находятся во многих музеях нашей страны и за рубежом, но самые знаменитые произведения – в Петербурге. Тут лидирует Русский музей, в собрании которого представлен «Девятый вал», включённый в список ста самых знаменитых картин мира.
Трагедии на море
Ни один посетитель, входящий в зал Айвазовского в Русском музее, не может пройти равнодушно мимо картины «Девятый вал». Так происходит уже 165 лет – с 1850 года, когда художник впервые представил произведение в Петербурге и Москве. Полотно сразу назвали шедевром, приходили смотреть на него по многу раз, складывали легенды. Действительно, загадочно даже название – почему «Девятый вал»? По старинной легенде, это самая сильная и опасная волна в бурю. Такого мнения придерживались древние римляне, а вот греки считали катастрофической третью волну.
В разные времена в картине находили разные смыслы. Фото: Commons.wikimedia.org
На полотне изображено море после сильнейшего ночного шторма и люди, потерпевшие кораблекрушение. Лучи солнца освещают волны, самая большая из них вот-вот обрушиться на цепляющихся за остатки мачты потерпевших. Но люди живы и продолжают бороться, а тёплые тона картины делают море не таким суровым и дают зрителю надежду, что люди будут спасены.
В разные времена в картине находили разные смыслы. Считалось, к примеру, что художник изобразил борцов за революцию.
Сам Айвазовский, выросший на Чёрном море, не раз слышал рассказы рыбаков о страшных бурях и кораблекрушениях. А однажды по пути из Англии в Испанию в Бискайской бухте пароход, на котором находился художник, попал в жестокий шторм. Чудом удалось добраться до Лиссабонской гавани, а европейские и петербургские газеты уже написали и гибели судна и пассажиров, в списке которых был Айвазовский.
Трагедии на море художник писал не раз. До «Девятого вала» была создана картина «Спасающиеся после кораблекрушения», которую хвалил Белинский, увидевший в ней не только мужество людей, но и протест против несправедливости и надежду на лучшее будущее.
Запомнить…ветер
Ещё одна впечатляющая по размерам и производимому впечатлению картина «Волна» находится в том же зале, где и «Девятый вал». Но в данном случае художник отдался чистому искусству: он был поглощён идеей создания синтетического образа морской стихии, вырабатывал новую красочную гамма, скупую по цвету.
Интересно, что мастер совсем недолгое время посвящал работе на натуре. Образы моря были у него в голове! Айвазовский писал: «Движения живых струй неуловимы для кисти: писать молнию, порывы ветра, всплеск волны – немыслимо с натуры. Для этого художник должен запоминать их».
Иван Константинович добавлял: «Сюжет картины слагается у меня в памяти, как сюжет стихотворения у поэта. Сделав набросок на клочке бумаги, я приступаю к работе и до тех пор не отхожу от полотна, пока не выскажусь на нём моею кистью». А художник Крамской так отзывался о «кисти» мариниста: «Айвазовский, вероятно, обладает секретом составления красок, и даже краски у него – секретные. Таких ярких и частых тонов я не видел…»
"Волна". 1889 год Фото: Commons.wikimedia.org
Лунные сонаты
Прекрасные ночные виды моря тоже были запечатлены в сознании мастера.
Особенно он увлёкся игрой лунного света на водной глади, когда жил и работал в Италии и наблюдал Неаполитанский залив. Там же в Неаполе и Венеции Айвазовский представлял публике готовые произведения, которые неизменно вызывали ажиотаж. За свой «итальянский период» мастер создал около 50 картин. Критики писали, что никто прежде не изображал свет, воздух и море столь живо и достоверно. Они отмечали, что мастер, прежде всего, сам любит красоту природы, и заставляет вместе с собой любоваться ею.
Лирический пейзаж «Неаполитанский залив», созданный в 1841 году, украшает музей-заповедник «Павловск». «Вид на венецианскую лагуну» – заповедник «Петергоф», ну а «Лунная ночь» 1849-го года и «Море в лунном свете» – Русский музей.
Морские победы
Как живописец Главного морского штаба, Айвазовский принимал участие в военных походах. Так, в 1839 году направился к берегам Кавказа, и на борту военного корабля познакомился с флотоводцем Лазеревым и молодыми офицерами, героями будущей обороны Севастополя: Корниловым, Нахимовым, Истоминым. В 1856 году и сам мастер принял участие в Крымской войне.
И в своём творчестве Айвазовский часто обращался к морским сражениям, его батальные картины отличает точное изображение кораблей и понимание тактики боя.
На полотнах мастера – немало героических кораблей из славного прошлого российского флота. Так, в Центральном военно-морском музее экспонируется картина «Синопский бой», созданная по рассказам очевидцев.
А в Русском музее представлена картина «Бриг Меркурий после победы над двумя турецкими судами встречается с русской эскадрой». Сама славная виктория была одержана во время русско-турецкой войны, в мае 1829-го года. 18-пушечный бриг Черноморского флота под «Меркурий» вступил в неравный бой с вражескими кораблями около Босфора, сумел нанести противнику серьезные повреждения и успешно уйти от преследования.
В память о подвиге российским кораблям стали присваивать гордое имя «Память Меркурия», осталась для потомков и картина Айвазовского.
Дата: Понедельник, 03.08.2015, 16:08 | Сообщение # 79
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Гала, женщина-праздник: русская муза Сальвадора Дали
Елена Дьяконова, больше известная как Гала, была настоящей femme fatale. Тайну ее притягательности не могут разгадать до сих пор. Она не была красавицей, зато умела интуитивно распознавать в мужчинах искру божественного таланта. А в историю ее имя вошло потому, что она была женой и музой гениального Сальвадора Дали. Всю жизнь он писал ее портреты, всю жизнь не переставал ею восхищаться.
О русском периоде жизни Гала известно довольно мало – возможно, потому что она предпочитала скрывать некоторые факты своей биографии. Она родилась в Казани, получила хорошее образование – училась в одной из лучших московских гимназий. Отлично разбиралась в искусстве, свободно говорила на французском и немецком языках. В 1912 г. ее отправили в Швейцарию для лечения туберкулеза. Там она познакомилась с французским поэтом Полем Элюаром, влюбилась в него, а четыре года спустя уехала к нему в Париж.
Скандалы и мистификации были неотъемлемым атрибутом ее жизни. Некоторые исследователи утверждают, что Гала никогда не жила в Казани, неизвестно, кто был ее настоящим отцом – то ли чиновник Иван Дьяконов, то ли московский адвокат Дмитрий Гомберг. У нее было несколько имен: отец называл ее Лена, а старшие братья и мать предпочитали называть ее Галей. Сальвадор Дали называл ее Гала, с ударением на последний слог, в переводе с французского – «праздник». И она действительно была для него праздником: и матерью, и любовницей, и другом, и источником вдохновения, и даже личным пиар-менеджером.
На тот момент, когда Сальвадор Дали встретил Гала, у нее был муж и множество любовников, к тому же она была старше его на десять лет. Но его это не остановило. Дали утверждал, что узнал в ней тех русских девушек, которых когда-то видел во снах. Гала сказала, что ее первый муж, Поль Элюар – талант, а Сальвадор Дали – гений. И ушла к нему, не раздумывая.
«Гала пронзила меня, словно меч, направленный Провидением. Это был луч Юпитера, как знак свыше, указывающий, что мы никогда не должны сдаваться», – писал Сальвадор Дали. – «Самое главное на свете – это Гала и Дали. Потом один Дали. А на третьем месте – все остальные. Я люблю Гала больше матери, больше отца, больше Пикассо, и даже больше денег».
Журналист Фрэнк Уитфорд писал: «Беспомощный в бытовом плане, чрезвычайно чувственный художник был пленен жесткой, расчетливой и отчаянно стремящейся вверх хищницей, которую сюрреалисты окрестили Гала-чума».
Прожив вместе с 1929 г., Дали и Гала зарегистрировали брак в 1934 г., а обвенчались только в 1958 г., после смерти ее первого мужа. Они много путешествовали и в каждой стране повторяли процедуру бракосочетания. При этом у них всегда были свободные отношения.
Член Союза художников России, Заслуженный художник России. Окончил Республиканское художественное училище им. Б.Б. Бенькова в Ташкенте, затем Высшее художественно-промышленное (бывшее Строгановское) училище в Москве.
Виталий Петрович - признанный мастер офорта, однако не менее замечательной стороной его творчества является рисунок карандашом. Карандашные работы очень сильны технически, но главное – они похожи на него самого, передавая безграничную жизнерадостность и неутомимость художника.
Виталий Петрович - дипломант Российской Академии художеств 2005 года. Участник более 100 выставок в России и за рубежом. Произведения Губарева закуплены Государственной Третьяковской галереей и галереями в городах Смоленске, Серпухове, Перми.
Родился в 1970г. в республике Беларусь. Окончил Минское художественное училище. Работы художника находятся в частных коллекциях в России, США, Германии, Китае.
Анализ показал: деревянный идол с Урала старше египетских пирамид и Стоунхенджа
Шигирский идол признан самой древней деревянной статуей в мире. Как показали исследования, обнаруженная на Урале скульптура старше египетских пирамид и английского Стоунхенджа.
Эти выводы были сделаны после совместных исследований российских и немецких ученых. «По результатам совместных исследований российских и немецких ученых, возраст Шигирского идола — 11 000 лет. Таким образом, его возраст примерно в два раза больше египетских пирамид. Также ученым удалось подтвердить, что идол был изготовлен из лиственницы», — рассказала директор Свердловского областного краеведческого музея Наталья Ветрова.
Большой Шигирский идол был найден в 1890 году при разработке Шигирского торфяника рядом с городом Невьянском. По распоряжению владельца земли графа А.А. Стенбок-Фермора, статую передали на хранение в музей Уральского общества любителей естествознания — Свердловский областной краеведческий музей.
Высота идола составляет 5 м. Он был выпилен из ствола лиственницы. По данным ученых, фигура относится к культу уральских охотников-рыболовов и собирателей.
«Сделан из расколотого ствола лиственницы возрастом не менее 157 лет, — сообщил ведущий сотрудник Института археологии РАН Михаил Жилин. — Работы велись по свежесрубленному стволу каменным орудием. Также на идоле видны следы орнамента».
Дополнительные исследования ученые проводили летом 2014 года. Работа археологов вызвала нарекания у замминистра культуры РФ: высокопоставленный чиновник написал на исследователей заявление в полицию, в котором утверждал, что ученые повредили статую. Однако археологи не согласны с такой трактовкой своей работы, сообщает ТАСС.
«Изначально Шигирский идол уже был разделен на десять фрагментов. При отборе материала для исследования он был не распилен, а надпилен. Взято менее 2 г древесины. Такой способ отбора проб не нанес ущерб реликвии», — пояснила Наталья Ветрова.
Волков Сергей Васильевич родился в 1956 году в городе Петрозаводске. С 1962 года живет в Москве.
В 1972 году окончил Московскую Художественную школу. В 1976 году окончил Абрамцевское художественно-промышленное училище им. Васнецова. С 1979 года член молодежного объединения Московской Организации Союза Художников.
С 1990 года член Московского Союза Художников по секции живописи. С 1980 года участвует в различных выставках, аукционах в стране и за рубежом. Ряд картин находятся в собраниях Министерства культуры и Союза художников России, а также в частных собраниях России, США, Канады, Франции, Испании, Австрии, Италии в том числе в собрании Сильвио Берлускони. Более 130 работ находятся в частных собраниях Швеции.
Художественной манере С.В. Волкова присущ мягкий лиризм и ирония, внимание к подробностям городской жизни. Пожалуй, главный и любимый объект его творчества - это Москва, которая возникает на его полотнах из ностальгических воспоминаний детства, городского фольклора и анекдотов. Москва С.В. Волкова - город фантастический и очень реальный одновременно, а люди. Его населяющие, - добрые чудаки и фантазеры.
Ренаат Верис (Renaat Veris) родился 30 января 1940 года в Noorderwijk (Бельгия) . Он живет и работает в Grobbendonk .
Ныне он находится в зрелой поре лета своей жизни, откуда взирает на красоту осени, бесконечно вдохновляющую его творчество.
Он учился в Королевской академии изящных искусств в Антверпене и занимается живописью с 1962 г.
Ренаат Верис не очень часто выставляет свои работы и редко общается с публикой. Он предпочитает проводить время дома, с семьей, в мастерской или в саду, который воспринимает как свою палитру, или в кругу своих многочисленных друзей.
Ренаат Верис многосторонний художник: в его творчестве присутствуют картины маслом, акварели, пастели и графика, ландшафты, натюрморты, интерьеры, миниатюры и портреты. Техническая виртуозность художника и его стремление к совершенству формы служат исключительно для изображения своей собственной реальности, без границ, нарочитости или ассоциаций. Все его творчество дышит бесконечным поиском истины, самой сути, чистейшей формы, техники и выражения, совершенного порядка и гармонии…
Попросту говоря, Ренаат Верис свободный человек…
Коллекция его картин была куплена государством Бельгии,они находятся во фламандском сообществе, в Королевской библиотеке в Брюсселе, в городе Антверпен, в важнейших музеях страны- Музее изобразительных искусств в Брюсселе, в Антверпене и в Генте.
Его работы можно найти в самых известных частных коллекциях в Бельгии, а также в различных странах Европы и по всему миру.
Дата: Понедельник, 28.09.2015, 11:09 | Сообщение # 85
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Девочка с персиками и Царевна-Лебедь: с кого писали известные картины?
Знаменитая «Девочка с персиками» была дочерью известного мецената Саввы Мамонтова, а «Демон» Врубеля писался с возлюбленной художника. На многих известных картинах запечатлены черты реальных людей.
На, пожалуй, самой известной картине Валентина Серова запечатлена дочь известного промышленника и мецената Саввы Мамонтова Вера. Портрет Веры сделан в усадьбе Мамонтовых в Абрамцево. Серов воспитывался вместе с детьми Мамонтова, поэтому в семье был не посторонним человеком, а почти родственником. Однажды летним вечером Вера, девочка подвижная и озорная, в передышке между играми во дворе забежала в дом и схватила со стола персик — этот момент и вдохновил Серова на написание картины. Он попросил её позировать, и непоседливая Вера каждый день терпеливо трудилась натурщицей — Серов начал писать портрет в середине лета, а закончил уже осенью. Закончив, художник подарил потрет матери Веры Елизавете. Сейчас картина находится в Третьяковской галерее.
Судьба Веры Мамонтовой сложилась печально. Она вышла замуж за предводителя московского дворянства Александра Самарина, была очень счастлива в браке и родила троих детей. Но в 32 года заболела пневмонией. Антибиотики тогда ещё не изобрели, и Вера «сгорела» от болезни всего за 3 дня. Её муж, овдовев, больше не женился. В 1932 году был репрессирован советской властью.
Царевна-Лебедь: Надежда Врубель и Эмилия Прахова
Михаил Врубель, «Голова женщины», итальянский карандаш, 1884 г. Государственная Третьяковская галерея
Одно из самых известных полотен Михаила Врубеля, любимая картина поэта Александра Блока, была написана под впечатлением от постановки оперы Николая Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». Врубель создавал к опере эскизы декораций и костюмов, а партию царевны в постановке исполняла его жена Надежда. Вдохновшись артистическим образом, он написал «Царевну-Лебедь». Правда, в облике царевны отразились черты сразу двух женщин, любимых художником, — жены Надежды Врубель и пианистки Эмилии Праховой, с которой, по слухам, у художника был роман. Лицом героиня картины больше напоминает именно Прахову.
Эмилия Прахова была замужем за известным искусствоведом Адрианом Праховым, закончила консерваторию по классу фортепиано, училась у самого Листа, была блестящей пианисткой и светской львицей. Адриану Прахову нужен был способный художник для реставрации фресок в киевской церкви, и ему посоветовали Михаила Врубеля. Врубель приехал в Киев, начал работу и по уши влюбился в жену заказчика. Настолько, что придал иконе Богоматери с младенцем черты Эмилии Праховой. Адриан Прахов счёл это неприличным и вскоре отстранил Врубеля от работ, да и Эмилия отдала предпочтение другому любовнику. А Врубель сходил с ума и продолжал писать её портреты — так, многие увидели черты Праховой в «Демоне сидящем». «Чёрт в юбке» — шутя вспоминал о ней Врубель. И рассказывал, что не знал, куда деваться от этого наваждения — любви к Эмилии.
Эмилия Прахова прожила долгую жизнь, пережила и Врубеля, и мужа и умерла в 77 лет, перед смертью попросив уничтожить все письма художника к ней.
Всадница: Юлия Самойлова
На картине Карла Брюллова «Всадница» изображена его любимая женщина — графиня Юлия Самойлова. Её лицо можно увидеть на десятках картин Брюллова, в том числе и на «Последнем дне Помпеи».
Юлия Самойлова, урождённая графиня фон дер Пален, была невероятно богата. Когда ей было 5, мать Юлии уехала в Париж получать образование. Девочка воспитывалась в поместье дедушки — графа Литты. Юлия с детства любила читать, интересовалась искусством, получила хорошее домашнее образование, стала одной из самых блестящих дам при дворе. Замуж вышла, по меркам тех времён, достаточно поздно — в 25 лет, но брак быстро распался. Её муж Николай Самойлов женился на богатой и знатной Юлии по воле своей матери, а сам всегда любил другую женщину. Юлию такое положение дел не устроило, и она инициировала развод. После чего пустилась «во все тяжкие», ничуть не заботясь об общественном мнении. Из своего летнего поместья Самойлова сделала центр светской жизни тех лет — сам император был в гневе, что весь свет собирался не при дворе, а у Самойловой. Царь даже попросил продать ему имение. Самойлова продала — но
скоро центром светской жизни стал её новый дворец на Елагином острове.
Карл Брюллов, «Всадница», 1832 г. Третьяковская галерея
Брюллов встретил Самойлову в Италии на ужине у князя Гагарина. За вечер они не сказали друг другу и пары слов, но через некоторое время Самойлова сама объявилась на пороге дома художника. Роскошная и своенравная светская львица объявила себя его преданной поклонницей — так начался их долгий роман. Самойлова называла художника «Бришка», а он писал её чувственные портреты, которые быстро прославили Брюллова. В его шедевре «Последний день Помпеи» Самойлова изображена трижды.
У них был бурный роман, но они не были верны друг другу. За время их отношений Брюллов даже успел жениться — не на Самойловой. Но брак продлился меньше двух месяцев. После отношения Брюллова и Самойловой возобновились. А потом уже и Юлия решила расстаться с художником и выйти замуж. После того, как она объявила Брюллову о разрыве, художник сказал ей: «Ты уходишь из моей жизни, значит, и мне пора уходить». Вскоре после этого Карл Брюллов впал в депрессию, перестал писать и скончался.
Самойлова пережила Брюллова на 23 года, уехала в Париж, где вышла замуж за французского графа, а на следующий день с ним развелась. Юлия постепенно растратила все свои богатства и умерла в одиночестве.
Портрет Адель Блох-Бауэр I
На известной картине Густава Климта изображена его любовница Адель. Дочь австрийского банкира, в 16 лет она вышла замуж за богатого буржуа Фердинанда Блоха. Держала светский салон, где собирались художники, писатели и политики. Здесь Адель и познакомилась с Густавом Климтом. «Постоянно страдающая головной болью, курящая как паровоз, ужасно нежная и тёмная. Одухотворённое лицо, самодовольная и элегантная» — так описывала её племянница Мария Альтман. Климт влюбился в Адель, она ответила ему взаимностью.
Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр I», 1907 г. Новая галерея, Нью-Йорк
Когда муж Адель узнал об измене, он придумал невероятно изощрённый способ отомстить — заказал Густаву Климту её портрет. И решил, что потребует создать множество эскизов, пока не примет окончательный. Так, чтобы Густав мучился, так, чтобы ему совершенно надоело лицо Адели. Фердинанд подключил лучших юристов и тщательно продумал условия контракта с Климтом — чтобы отказаться от заказа, когда надоест, художник уже не смог. Климту предложили огромные деньги, и он согласился написать портрет любовницы. Художник создал более ста эскизов и закончил работу над картиной только спустя четыре года. Отношения с Блох-Бауэр за это время действительно постепенно сошли на нет.
После расставания с Климтом Адель осталась с мужем. Родила троих детей, но все они умерли во младенчестве. Адель много болела — сказывались дурные привычки. Тем не менее, она пережила Климта на 7 лет. А её муж так и не сказал ей, что знает про связь с художником.
Рождение Венеры: Симонетта Веспуччи
На знаменитой картине Боттичелли изображена Симонетта Веспуччи, любимая женщина Джулиано Медичи, брата правителя Флоренции Лоренцо Медичи.
Симонетта родилась в богатой семье генуэзских торговцев, в 16 лет вышла замуж за Марко Веспуччи (родственника Америго Веспуччи, «открывшего» Америку и давшего континенту своё имя). Симонетта и Марко переехали во Флоренцию, были приняты при дворе Лоренцо Медичи, в те годы славившемся пышными пирами и приёмами. Красивая, при этом очень скромная и доброжелательная, Симонетта быстро влюбила в себя флорентийских мужчин. Ухаживать за ней пытался и сам правитель Флоренции Лоренцо, но активнее всех её добивался его брат Джулиано.
По одной версии, Симонетта стала его любовницей, по другой — их связь была скорее платонической. Во время рыцарского турнира Джулиано избрал её «дамой сердца» — а на его штандарте придворный художник Боттичелли изобразил Симонетту в образе Афины Паллады. Джулиано победил в турнире, и его даму сердца провозгласили королевой турнира.
Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», 1482–1486 гг. Уффици, Флоренция
Через год, в возрасте 23 лет, Симонетта умерла от чахотки, несмотря на старания лучших придворных врачей. Ещё через 2 года Джулиано стал жертвой заговора — его заколол ножом наёмный убийца. Некоторые историки считают, что к заговору был причастен овдовевший муж Симонетты.
Уже после смерти Симонетты Сандро Боттичелли, вдохновлявшийся её образами и написавший десятки её портретов при жизни, продолжает изображать Симонетту по памяти. Например, на картине «Рождение Венеры». Её облик стал воплощением того, что называют боттичеллиевской красотой: хрупкой и нежной. Художник завещал, чтобы его похоронили рядом с ней — героиней его картин. Что и было исполнено.
Некоторые произведения искусства можно назвать бессмертными. Ими восхищаются уже не одно столетие, а уровня мастерства их создателей могут достичь лишь избранные. Тем не менее, в истории создания некоторых знаменитых произведений искусства до сих пор наличествуют белые пятна. Они порождают всевозможные домыслы и вызывают ожесточённые споры в кругах специалистов.
10. «Портрет четы Арнольфини»
«Портрет четы Арнольфини» — картина, породившая множество загадок
Картина «Портрет четы Арнольфини», написанная в 1434 году голландским мастером Яном ван Эйком, заслужила место в нашем рейтинге. Для начала упомянем, что она написана маслом. Сегодня этим никого не удивить, но в Западной Европе начала XV века масляная живопись встречалась очень редко.
Ван Эйк сумел раскрыть свой талант, воспользовавшись способами, которые почти не встречаются в других работах того времени. Если внимательно посмотреть на картину, можно заметить, что зеркало, висящее на задней стене, отражает большую часть комнаты, в том числе и 2 дополнительные фигуры, которые стоят в дверном проёме. Если приглядеться, можно рассмотреть и собаку. Трудно представить, сколько труда ушло у Ван Эйка, чтобы учесть искажение выпуклого зеркала и перенести его на картину. Невероятно, но даже крошечные медальоны внутри зеркальной рамы тщательно выписаны. На них изображены библейские сцены.
Но самой спорной частью картины является вовсе не зеркало, а сама семейная пара. В то время никто не рисовал просто стоящих в центре комнаты людей. Этот факт дал историкам основания утверждать, что в «Портрет четы Арнольфини» был вложен более глубокий смысл. Так, некоторые искусствоведы полагают, что на картине изображены молодожёны, а неопознанные фигуры в дверях – это свидетели. Эксперты анализировали буквально каждую деталь знаменитой работы Яна ван Эйка, пытаясь определить связь между изображёнными мужчиной и женщиной: как располагается пара, как они держат друг друга за руки, какая у женщины причёска и т. д. Но к общему мнению прийти пока не удаётся.
9. «Писающий мальчик»
«Писающий мальчик» — одна из самых знаменитых достопримечательностей Брюсселя
«Писающий мальчик» – одна из знаковых достопримечательностей Брюсселя. Эта скульптура была создана фламандским скульптором Жеромом Дюкенуа и установлена в центре бельгийской столицы в 1619 году. Сегодня каждый турист, посещающий Брюссель, стремится сфотографироваться возле знаменитой статуи.
С происхождением «Писающего мальчика» связано множество легенд. В самой известной из них рассказывается о маленьком мальчике, сумевшем спасти осаждённый Брюссель. Он якобы помочился на зажжённый фитиль, когда враги пытались взорвать городские стены. Если верить другой легенде, на статуе изображён двухлетний герцог Готфрида II (граф Лувен). Говорят, что перед сражением солдаты, пытаясь спасти ребёнка, усадили его в корзину, которую повесили на ветви дерева. Оттуда мальчик мочился на врага, в итоге потерпевшего поражения.
Интересно, что в XVIII столетии жители столицы и гости города начали одевать «Писающего мальчика» в модные вещи. Эта традиция жива и в наше время.
Это интересно: На ограде у фонтана размещён график смены нарядов «Писающего мальчика». На данный момент, его гардероб включает почти 1 тысячу костюмов. Среди них присутствуют сотни национальных нарядов разных стран, униформы различных работников и т. д. В некоторые праздники статую подключают к бочке с пивом или вином.
8. «Сад земных наслаждений»
«Сад земных наслаждений
«Сад земных наслаждений» – вне сомнений, одна из самых сложных и масштабных картин, которые когда-либо были написаны художниками. Она представляет собой триптих (3 отдельные панели), выполненный голландским мастером Иеронимом Босхом в период с 1490 года по 1510 год. На левой панели изображены Адам, Ева и сотворивший их Господь в Эдемском саду. На центральной части можно увидеть богатую панораму с огромным количеством персонажей – людей и животных, занятых разными делами. На правой же панели показан тёмный, адский мир.
Картина «Сад земных наслаждений» настолько сложная, что даже в наши дни искусствоведы то и дело открывают ранее неизвестные детали. К примеру, большая роль в триптихе отведена фигурам музыкантов. Но многие персонажи используют музыкальные инструменты непривычными способами, например, играют на флейте, которая вставлена между ягодиц. А некоторые инструменты по виду отличаются от настоящих. Музыковеды из Оксфорда попробовали воссоздать их по изображениям и сыграли на них. Выяснилось, что необычные инструменты звучат просто отвратительно. А вообще, с «музыкальным адом Босха» связаны десятки вопросов, на которые никто не может ответить.
Это интересно: Недавно исследователи обнаружили на картине ноты. Они были напечатаны на ягодицах одного из персонажей в аду. Ноты были расшифрованы, и сегодня мы можем услышать запись «адской музыки» более чем 600-летней давности.
7. Гобелен из Байё
Гобелен из Байё — 70-метровое полотно с 900-летней историей
Гобелен из Байё – один из важнейших культурных артефактов, дошедший до нас из эпохи Средневековья. Это – 70-метровая полоса ткани, на которой вышиты 50 сцен, изображающих противостояние Вильгельма Завоевателя и короля Гарольда во времена вторжения норманнов. Невзирая на то, что полотну более 900 лет, оно до сих пор находится в отличном состоянии. Правда, гобелену явно недостаёт заключительного раздела.
Если быть объективным, то с технической точки зрения гобелен из Байё вовсе не является таковым. Это просто очень похожая на него вышивка, выполненная другим способом. Все тематические сюжеты воссозданы на основном полотне, а не сотканы воедино с помощью ткацкого станка.
По легенде, гобелен создавался монахинями из всех уголков Англии, после чего отдельные куски были сшиты в цельный артефакт. Но современные специалисты опровергают эту версию. Хоть изображения многих сцен и отличаются друг от друга, метод вышивки остаётся неизменным. Это позволяет им сделать вывод, что гобелен, вероятней всего, был выполнен одной командой вышивальщиц.
Остаётся неясной и история происхождения артефакта. Раньше считалось, что инициатором его создания был брат Вильгельма Завоевателя, епископ Одо. Позднее появилась теория, согласно которой гобелен появился благодаря Эдит Годвинсон, родной сестре побеждённого короля Гарольда, пытавшейся завоевать благосклонность нового правителя.
6. «Персей с головой Медузы»
Волосы и шлем Персея формируют очертания лица скульптора
Площадь Синьории в итальянской Флоренции – удивительная выставка искусства эпохи Возрождения под открытым небом. Дело в том, что прямо на ней расположены десятки бесценных статуй, среди которых «Геракл и Какус» Баччо Бандинелли, «Похищение сабинянок» Джованни Джамболоньи, «Львы Медичи» и т.д. Но наибольшее внимание публики привлекает шедевр Бенвенуто Челлини «Персей с головой Медузы».
Скульптор изобразил Персея – героя греческой мифологии, держащего в руке отсечённую голову Медузы, безжизненное тело которой лежит возле его ног.
Скульптуру заказал Козимо I де Медичи – великий флорентийский князь. Для публики её открыли в 1554 году. Тогда Персея установили на площади рядом с вышеупомянутой статуей Геракла, «Давидом» работы Микеланджело и потрясающей композицией «Юдифь и Олоферна», авторство которой принадлежит Донателло. Позднее оригинальные работы Микеланджело и Донателло были перемещены в музеи, а на площади вместо них установили копии. Персей же стоит на площади почти 5 столетий, иногда подвергаясь незначительным реставрациям.
На поясе Персея Челлини написал своё имя. Но потом скульптор, видимо, посчитал, что этого недостаточно.
Это интересно: Если посмотреть на голову героя древнегреческого мифа сзади, можно увидеть, что его шлем и волосы чудесным образом создают очертания лица с бородой. Пускай этот образ и не идеален, не приходится сомневаться, что на затылке Персея Бенвенуто Челлини изобразил себя.
Тайны 10 известных произведений искусства (продолжение)
5. Бюст Ленина
Бюст Ленина был установлен в самой труднодоступной точке Антарктиды
Самим бюстом Ленина сегодня никого не удивить. Пожалуй, если только он не установлен посреди Антарктиды. Скульптура вождя пролетариата находится на станции «Полюс недоступности», в самом удалённом от берегов месте материка.
Это интересно: В географии полюсом относительной недоступности называется точка, до которой трудней всего добраться по причине её удалённости от транспортных развязок.
В эпоху Холодной войны, в 1957 году советские исследователи построили научную станцию в самом труднодоступном месте Антарктиды, которое удалось найти. Они оставались в ней всего лишь несколько недель. А до того как покинуть станцию, они решили установить возле неё постамент с бюстом Ленина.
В течение следующих десяти лет путь к «Полюсу недоступности» проложили ещё несколько советских экспедиций. В последний раз – в 1967 году. А потом на 40 лет о станции и бюсте забыли.
В 2007 году группа исследователей из Канады и Великобритании попробовали установить рекорд, став первыми людьми, добравшимися до полюса недоступности Антарктиды пешком. После 49 дней, проведённых в пути, они добрались к цели. Но там их встретил лишь одинокий бюст Ленина. Станцию же давным-давно замело многометровым слоем снега.
4. «Поклонение волхвов»
Вифлеемская звезда была добавлена на картину Джотто после прохождения возле Земли кометы Галлея
Знаете ли, чему посвящено название «Поклонение волхвов»? Оно обозначает знаменитую библейскую сцену, когда 3 волхва, следуя за звездой, принесли свои подарки новорождённому Иисусу.
Изобразить своё видение этой сцены пытались многие великие художники, среди которых — Боттичелли, Рембрандт, Леонардо, Рубенс и другие. Но самой интересной работой исследователи считают картину «Поклонение волхвов» руки Джотто – итальянского мастера XIII века. Следует выделить изображённую художником Вифлеемскую звезду, по мнению экспертов, написанную автором после прохождения возле Земли кометы Галлея.
Временные параллели отслеживаются достаточно явно. Джотто трудился над своей картиной с 1303 по 1305 год. Комета же Галлея проходила мимо нашей планеты в 1301 году. Вполне вероятно, что Джотто увидел её и вдохновился на создание шедевра.
Это интересно: Изображение прохождения кометы Галлея мимо Земли в 1066 году также можно увидеть на упомянутом выше Гобелене из Байё.
Кажется, что руководство Европейского космического агентства настолько уверено в научной достоверности «Поклонения волхвов», что в честь Джотто был назван следующий цикл исследования кометы Галлея. Кстати, в следующий раз она приблизится к Солнцу только в 2061 году.
3. «Провозглашение независимости»
«Провозглашение независимости» — картина, которая была изображена на 2-долларовой банкноте
Одной из наиболее знаковых картин в истории Соединённых Штатов считается работа Джона Трамбулла, называющаяся «Декларация независимости». Она была написана по заказу в далёком 1817 году. Уже почти 200 лет картина хранится в американском Капитолии. Также она изображена на 2-долларовой банкноте.
Название и значение, придаваемое картине, заставляет многих людей ошибочно считать, что на ней показан момент подписания Декларации независимости. На самом деле, автор изобразил, как редакционный комитет в составе 5 человек под руководством Томаса Джефферсона представляет первый проект этой декларации главе Континентального конгресса Джону Хэнкоку.
Всего на картине можно увидеть 56 человек, их которых 42 позднее будут присутствовать на подписании декларации. Трамбулл желал изобразить всех, но, к сожалению, не смог найти источников, откуда можно было бы срисовать внешность 14 остальных.
Некоторые архитектурные особенности помещения, в котором произошло историческое событие, отображены художником неточно, дело в том, что эскиз он делал по памяти.
Может показаться, что Томас Джефферсон на картине наступил на ногу Джону Адамсу, многие люди считают, что это символизирует напряжённость в их политических отношениях. Но при ближайшем рассмотрении работы выясняется, что их ноги на самом деле стоят рядом. Чтобы избежать появления ненужных сомнений, изображение для нанесения на двухдолларовую купюру было изменено. Ногу Джефферсона «отодвинули» подальше.
2. «Венера с зеркалом»
«Венера с зеркалом» — единственная откровенная картина Золотого века, сохранившаяся до наших дней
Испанский художник Диего Веласкес – один из лучших мастеров Золотого Века. Самой знаменитой его работой считается картина «Венера с зеркалом». В то же время она порождает немало споров. Исследователи обсуждают «безнравственность» шедевра – обнажённая богиня Венера лежит, отвернувшись от наблюдателя, и смотрит в зеркало.
Эротизм «Венеры с зеркалом» зашёл так далеко, что эту картину считали самой откровенной работой того времени. Отметим, что Веласкес закончил её писать в 1651 году. Тогда у Испанской инквизиции было достаточно полномочий, чтобы самостоятельно решать, что изображать можно, а что нет. И нагота в искусстве относилась к «неприличным» темам. В других случаях этого было достаточно для конфискации работы художника и отлучения его от церкви (вкупе с наложением серьёзного штрафа). Но Веласкеса сия незавидная участь миновала. Дело в том, что он находился под защитой испанского короля Филиппа IV, поэтому трибунал не решился выдвигать художнику обвинения.«Венере с зеркалом» было суждено стать единственным сохранившимся до нашего времени изображением обнажённой натуры эпохи Золотого Века.
С начала XIX века картина хранилась в британском музее Рокебай-парка. В 1906 году её переместили в лондонскую Национальную галерею. Через 8 лет шедевр снова попал в заголовки английских газет. Суфражистка Мэри Ричардсон, протестуя против ареста политической деятельницы Эммелин Панкхерст, попыталась уничтожить какую-то большую ценность. Она пронесла в Национальную галерею и напала на картину «Венера с зеркалом». После «покушения» на полотне осталось 7 длинных рубцов. К счастью, реставраторы смогли полностью восстановить шедевр.
1. «Давид»
«Давид» — во всех отношениях совершенная статуя. Ну, почти во всех
«Давид» Микеланджело – возможно, самая известная статуя в мире. Сегодня она хранится во Флоренции (Италия).
Со стороны может показаться, что Давид выглядит очень уверенно. Но если заглянуть в лицо статуе (что сделать не так просто, её высота достигает 5 метров), можно заметить, что во взгляде Давида присутствуют нервозность, агрессивность, и в какой-то мере даже страх. Микеланджело придал ему такое выражение неслучайно. Судя по всему, Давид изображён при подготовке к бою с Голиафом. Это предположение доказывает тот факт, что в руке он держит оружие. Вероятней всего, это камень для пращи.
Это интересно: Когда флорентийские врачи осматривали Давида, они были поражены степенью детализации статуи. Сжатые ноздри, напряжение между бровями и в мышцах правой ноги – все эти детали легко согласуются с образом Давида, готового в любой момент метнуть камень в противника.
Статуя Давида совсем не впечатляет только размером гениталий. Итальянцы в шутку даже частенько употребляют выражение «горошинки Давида». Почему же Микеланджело даровал яичкам Давида столь скромные размеры, сделав его идеальным во всех других отношениях? На этот вопрос лучше всего ответят медики: оказывается, что с анатомической точки зрения сморщенные придатки отлично согласуются с образом человека, готовящегося к смертельному бою.
А сколько тайн хранят в себе другие знаменитые произведения искусства? Например, нельзя не упомянуть о загадке, связанной с самой знаменитой картиной Леонардо да Винчи – «Джокондой». Исследователи сотни лет ломали головы, пытаясь выяснить, кто же на ней изображён. Около 10 лет назад было проведено компьютерное сравнение анатомических особенностей лица Моны Лизы и самого Леонардо (по автопортрету гения). Выяснилось, что они идеально совпадают геометрически! Неужели да Винчи изобразил женскую ипостась самого себя?
Дата: Воскресенье, 11.10.2015, 19:43 | Сообщение # 88
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Чем отличается абстракционизм от импрессионизма.
«Стили живописи делятся на классические и все остальные». Эта старая шутка со временем не теряет своей актуальности. Ведь действительно, отличить конструктивизм от абстракционизма, а модерн от импрессионизма сегодня смогут очень немногие.
Перед вами инфографика-шпаргалка, которая на примере картины Петрова-Водкина «Купание красного коня»* поможет читателям разобраться в стилях живописи.
Чем отличаются виды живописи друг от друга?
Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — стиль XX века. Главные черты — отказ от приближённого к действительности образа, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Представители: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов, Пит Мондриан.
Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — стиль XIX – начала XX веков. Основная идея — изображение реального мира в его наиболее естественной и живой форме, в подвижности и изменчивости, передача своих мимолётных впечатлений. Представители: Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Клод Моне.
Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — стиль XVII–XIX веков . Его основные черты — это обращение к образам античности, логичный сюжет, ясная уравновешенная композиция. Представители: Виктор Васнецов, Исаак Левитан, Никола Пуссен, Клод Лоррен.
Конструктивизм (от лат. construction— построение) — направление в советском искусстве 1920-х годов. Основная идея — изображение чётких геометрических форм. Представители: Владимир Татлин, Александр Родченко, Любовь Попова.
Модерн (от фр. moderne — современный) — стиль XIX – начала XX века. Его отличительные особенности — отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» очертаний. Представители: Густав Климт, Фернан Кнопф, Лев Бакст, Михаил Врубель, Валентин Серов.
Поп-Арт (от англ. popular art — популярное искусство) — направление в искусстве Западной Европы и США конца 1950–1960-х годов. Отличительная деталь — использование в работах образов товаров массового потребления и сочетаний бытовых предметов, фотографий, отрывков печатных изданий. Вдохновители — глянцевые журналы, телевидение, реклама. Представители: Ричард Гамильтон, Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Тадаоми Шибуйя.
Примитивизм (от лат. primitive— упрощённый) — стиль живописи, зародившийся в XIX веке. Отличительные черты — обдуманное упрощение картины и примитивные, как творчество ребёнка, изображения. Представители: Анри Руссо, Нико Пиросмани, Катя Медведева.
Символизм (от фр. symbolisme — символика) — направление, возникшее во Франции в 1870–80-х годах и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков. Основные идеи — использование в работах символов, недосказанности, намёков, таинственности, загадочности. Представители: Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель, Кузьма Петров-Водкин, Гюстав Моро, Яцек Мальчевский, Обри Бердслей.
Сюрреализм (от франц. surrealisme — сверхреализм) — стиль, появившийся в 20-х годах XX века. Его главные идеи — это изображение образов, возникающих в человеческом подсознании, абсурд, парадоксальные сочетания форм, изменчивость фигур. Представители: Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт.
*«Купание красного коня» Петрова-Водкина была написана в 1912 году и принесла художнику мировую известность. Существует мнение, что картина была написана в селе Гусевка Волгоградской области. Коня Петров-Водкин писал с реального жеребца по имени Мальчик, обитавшего в имении, а для образа подростка сидящего на нём верхом, художник использовал черты своего ученика Сергея Калмыкова.
Дата: Понедельник, 12.10.2015, 12:52 | Сообщение # 89
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Сказочные картины армянского художника Севада Григоряна
Абрикос расцвёл
В картинах Севада Григоряна столько теплоты и доброты, что кажется хватит на целый мир. Это полотна понятны всем, потому что рассказывают о близких всем вещах – о любви, семье, детях и отношениях. А отличительная и очень яркая особенность всех работ Григоряна – армянская самобытность.
В детстве мир кажется более красочным, а цвета более яркими. Жизнь, если на неё смотреть невинными глазами ребёнка, напоминает сказку, где правят доброта, мир и любовь, где существуют прекрасные принцессы, которые, несомненно, найдут своих рыцарей. В своих картинах армянский художник пытается передать всю красоту и необычность этого сказочного мира.
Дуэт
Севада Григорян до сих пор смотрит на мир глазами ребёнка и верит в то, что искусство рождается благодаря подлинным чувствам. Его картины являются отражением внутреннего мира художника, того, что происходило вокруг него на протяжении всей жизни. Одной из центральных тем картин Григоряна является семья.
Фактически он проводит параллели между гармонией в семье и природе и старается увековечить отдельные моменты этой совершенной гармонии. Как утверждает сам художник, он уверен, что красота наряду с верой спасёт мир.
Счастье
Рисует художник при помощи смеси различных красок – акриловых, масляных красок, гуаши и чернил. Одной из важнейших особенностей его стиля является детализация, которая позволяет ему передать его непосредственный и детский восторг по отношению к миру.
Также в картинах художника используются элементы восточных культур, в первую очередь армянского фольклора. Сейчас Севада Григорян живёт и работает в китайском Нанкине. Каждый год его выставки можно увидеть в Японии, Китае, России и США.
В первый понедельник октября ежегодно отмечается Всемирный день архитектуры. Разобраться во всех этих барокко, рококо и конструктивизме могут лишь профессионалы, которые, впрочем, также могут иногда допускать ошибки. В рамках борьбы за ликвидацию архитектурной безграмотности предлагаем специальную инфографику-памятку, которая позволит вам всего за пару минут разобраться во всём многообразии основных стилей.
Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — стиль в европейской культуре XVII–XIX вв. Главная особенность — обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности.
Примеры зданий: Большой театр в Москве, Дом Пашкова в Москве, Пантеон в Париже.
Апмир (от фр. empire — имперский ) — стиль, возникший во Франции в период правления императора Наполеона. Главная особенность — обязательное наличие колонн, лепных карнизов и других элементов, присущих классицизму, но при этом также мотивов, репродуцирующих такие античные образы, как грифоны, сфинксы, львиные лапы и тому подобные конструкции.
Примеры зданий: Казанский собор в Санкт-Петербурге, Триумфальные ворота в Москве, Арка Каррузель в Париже.
Барокко (от итал. barocco — причудливый, странный) — стиль, возникший в Европе в XVII–XVIII веках, в эпоху Позднего Возрождения. Главная особенность — отсутствие строгости, прямых линий и следования античным канонам. При этом в зданиях этого стиля можно увидеть пышность форм и множество золотых красок.
Примеры зданий: Карло Мадерна Церковь Святой Сусанны в Риме, замок Версаль в Париже.
Рококо (от фр. rocaille — дробленый камень) — стиль, возникший во Франции в первой половине XVIII века как развитие барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии и личному комфорту.
Примеры зданий: Китайский дворец в Ораниенбауме (пригород Санкт-Петербурга), базилика Фирценхайлиген в Бад-Штаффельштайне (Германия), Китайский домик в Потсдаме (Германия).
Псевдорусский стиль — стиль в русской архитектуре XIX — начала XX веков. Представляет собой стилизацию древних русских построек, но при этом с элементами классицизма или ампира.
Примеры зданий: ГУМ в Москве, Храм Христа Спасителя в Москве, Николо-Александровский храм в Санкт-Петербурге.
Готика — стиль, возникший в западной Европе в конце XII — начале XVI века. Главная особенность — острые формы, шпили, возможны круглые окна и квадратные башни.
Примеры зданий: Реймсский собор во Франции, Собор в Уэллсе, Собор Святого Вита в Праге.
Модерн (от фр. moderne — современный) — стиль, получивший распространение в последней декаде XIX — начале XX века, до начала Первой мировой войны. Модерн отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» очертаний, а также использование «новых» материалов, таких как металл и стекло.
Примеры зданий: Ярославский вокзал в Москве, ЦУМ в Москве, Obecný dum в Праге, дом С. М. Грибушина в Перми.
Модернизм (от итал. modernismo — современное течение) — стиль, получивший своё развитие в архитектуре с начала 1920-х годов и по 1970-е—1980-е годы. Его основные принципы: использование самых современных строительных материалов и конструкций, рациональный подход к решению внутренних пространств, отсутствие тенденций «украшательства» и отказ от исторических образов в облике сооружений.
Примеры зданий: музей современного искусства в бразильском Нитерое, здание Баухауз в Дессау (Германия).
Конструктивизм (от лат. constructio — построение) — стиль, получивший развитие в 1920 — первой половине 1930 годов. Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика.
Примеры зданий: Дом Культуры ЗИЛ в Москве, Белая башня в Екатеринбурге, Здание Центросоюза в Москве.
Деконструктивизм (от лат. deconstructio — антиконструктивный) — стиль, сформировавшийся в конце 1980-х годов. Является прямой противоположностью конструктивизму — в зданиях полностью отсутствует строгость и геометризм, для них характерны визуальная усложнённость, неожиданные изломанные и нарочито деструктивные формы.
Примеры зданий: Современное крыло королевской галереи Онтарио в Торонто, Танцующий дом в Праге.
Хай-тек (от англ. high technology — высокие технологии) — стиль, зародившийся в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х годах. Его основные черты это: использование высоких технологий в зданиях и сооружениях, широкое применение стекла, пластика и металла, а также наличие лифтов и лестниц, вынесенных наружу здания. Широко используется серебристо-металлический цвет.
Примеры зданий: Башня Федерация в Москве (комплекс Москва-Сити), Башня Мэри-Экс в Лондоне, Центр Помпиду в Париже.
Биотек (от англ. bionic tech — природные технологии) — стиль, возникший в 1980-х годах. Он, в противоположность хай-теку, обращается не к элементам конструктивизма и кубизма, а к природным формам. Пространство организуется в виде форм неживой природы (яйца, гнёзда, пещеры), здания повторяют формы животных, людей или их частей, а также используются материалы, текстура которых подобна природной — в виде пчелиных сот, пузырей, волокон, паутины, слоистых конструкций.
Примеры зданий: небоскрёб «Огурец» (арх. Норман Фостер) в Лондоне, художественный музей Милуоки (США), национальный космический центр Великобритании.
