Потрясающая лёгкость нежных картин. Польская художница Malgorzata Szczecinska
Malgorzata Szczecinska говорит о своём творчестве как о хобби. Тем не менее, во всех работах польской художницы ощущается потрясающая профессиональная лёгкость. Она рисует так, как чувствует - романтично, воздушно, удивительно! Её картины отображают всю нежность природы.
Художник Dave Barnhouse создал несколько полотен, которые рассказывают о жизни в провинции. Нет многополосных магистралей и шикарных витрин. Только природа и люди. Глубокая, почти вязкая тишина. И такое же время. Можно жить не торопясь. И чувствовать, как ветер разгоняется среди деревьев, как пахнет вспаханная земля и испеченный хлеб. Смотреть на полное звезд ночное небо. Слушать, как хрустит белый-белый снег. И мечтать.
Когда речь заходит об абстракционизме, многие далёкие от искусства люди сразу выносят свой категоричный вердикт: мазня. После этого обязательно следует фраза о том, что любой карапуз наверняка нарисует лучше, чем эти художники. При этом само слово «художники» обязательно будет произнесено с демонстративным презрением, которое в ряде случаев даже будет граничить с брезгливостью.
В рамках культурного ликбеза рассказываем, что стремился отобразить на своих полотнах один из самых известных абстракционистов Василий Кандинский.
Картина «Композиция VI»
«Композиция VI». Год: 1913. Выставлена в музее: Эрмитаж, Санкт-Петербург
Изначально картину «Композиция VI» Кандинский хотел назвать «Потоп», поскольку в этой работе живописец намеревался изобразить катастрофу вселенского масштаба. И действительно, внимательно присмотревшись, мы можем увидеть очертания корабля, животных и предметов, будто тонущих в клубящихся массах материи, словно в волнах штормового моря.
Сам Кандинский впоследствии, говоря об этом полотне, отмечал, что «не было бы ничего более неверного, чем наклеить на эту картину ярлык первоначального сюжета». Мастер особо указывал, что в данном случае исходный мотив картины (Потоп) был растворён и перешёл ко внутреннему, чисто живописному, самостоятельному и объективному существованию. «Грандиозная, объективно совершающаяся катастрофа есть в то же время абсолютная и обладающая самостоятельным звучанием горячая хвалебная песнь, подобная гимну нового творения, который следует за катастрофой», — объяснял Кандинский. В итоге живописец решил присвоить полотну номерное название, так как любое другое могло вызвать у ценителей искусства ненужные ассоциации, которые бы испортили им те эмоции, которые должна вызывать картина.
Картина «Композиция VII»
Картина «Композиция VII». Год: 1913. Выставлена в музее: Государственная Третьяковская галерея, Москва
«Композицию VII» называют вершиной художественного творчества Кандинского в период до Первой мировой войны. Поскольку создавалась картина очень кропотливо (ей предшествовали более тридцати эскизов, акварелей и работ маслом), финальная композиция является комбинацией из нескольких библейских тем: воскрешения из мёртвых, Судного Дня, всемирного потопа и райского сада.
Идея души человека отображается в смысловом центре полотна, круговороте, намеченном фиолетовым пятном и чёрными линиями и штрихами рядом с ним. Он неминуемо затягивает в себя, как воронка, извергающая некие зачатки форм, растекающиеся бесчисленными метаморфозами по всему холсту. Сталкиваясь, они сливаются или, наоборот, разбиваются друг о друга, приводя в движение соседние... Это словно сама стихия Жизни, возникающая из Хаоса.
Картина «Композиция VIII»
«Композиция VIII». Год: 1923. Выставлена в музее: Музей Соломона Р. Гуггенхейма, Нью-Йорк
«Композиция VIII» кардинально отличается от предыдущей работы этой серии, ведь в ней вместо размытых очертаний впервые присутствуют чёткие геометрические формы. Главная идея как таковая в этой работе отсутствует, вместо неё сам художник даёт конкретное описание фигур и цветов картины. Так, по Кандинскому, горизонтали звучат «холодно и минорно», а вертикали — «тепло и высоко». Острые углы — «теплы, остры, активны и желты», а прямые — «холодны, сдержанны и красны». Зелёный цвет «уравновешен и соответствует тонким звукам скрипки», красный «может создавать впечатление сильного барабанного боя», а синий присутствует «в глубине органа». Жёлтый «обладает способностью подниматься выше и выше, достигая высот, невыносимых для глаза и духа». Синий «опускается в бездонные глубины». Голубой же «развивает звук флейты».
Картина «Смутное»
Картина «Смутное». Год: 1917. Выставлена в музее: Государственная Третьяковская галерея, Москва
Название «Смутное» было выбрано для картины не случайно. Неясность и «смута» отображены в работе Кандинского драматическим столкновением центростремительных и центробежных сил, словно разбивающихся друг о друга в центре полотна. Это вызывает ощущение тревоги, нарастающее по мере «вживания» в произведение. Масса дополнительных цветов осуществляет своеобразную оркестровку главной борьбы, то усмиряя, то обостряя смуту.
Картина «Импровизация 20»
Картина «Импровизация 20». Год: 1911. Выставлена в музее: Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва
В своих работах серии «Импровизация» Кандинский стремился показать бессознательные процессы внутреннего характера, возникающее внезапно. А двадцатой работе этой категории художник изобразил впечатление своей «внутренней природы» от бега двух лошадей под полуденным солнцем.
Художница из Донецка покоряет мир картинами об СССР.
Работы Анжелики Джерих имеют успех не только на ее родине и в России, но и далеко за пределами
Самобытное творчество этой удивительной женщины стало настоящим открытием для многочисленных пользователей сети. Кроме того, ее взгляд на привычный быт миллионов советских людей уже имеет большой успех не только на родине художницы Украине, а также в России. Картины Анжелики Джерих хранятся у частных коллекционеров Японии, США и стран Европы. Родилась она в Донецке в 1965 году и свою ностальгию о временах СССР воспевает в творчестве.
Пьер Огюст Ренуар прошёл путь от высмеиваемого обществом импрессиониста до живого классика живописи, чьи картины скупали государственные музеи. Он создавал впечатляющие полотна, играя светом и тенями, фиксировал уникальные виды французских городов, совмещал различные жанры и менял собственный стиль, но в каждой его картине сохранялся безмятежный и немного легкомысленный стиль мастера. Превозмогая болезнь, Ренуар рисовал вплоть до самой смерти, и его многочисленные работы теперь украшают Музей Орсэ, Национальные галереи США, Швеции, Бразилии и Англии, а также Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. В день рождения Ренуара АиФ.ru вспоминает биографию художника.
Пьер Огюст Ренуар родился в 1841 году в не очень богатой семье и уже в 13 лет сам зарабатывал деньги – он устроился подмастерьем и разрисовывал фарфоровую посуду. По вечерам он посещал школу живописи и писал свои первые картины.
В 21 год Ренуар сдал экзамены в Школу изящных искусств, где познакомился с Моне, Писарро, Сислеем и другими художниками, которые позднее образуют группу импрессионистов.
После закрытия мастерской Глейра Ренуар вынужден был прекратить учёбу. Но в тоже время он начал писать свои большие полотна и отправлять их в Салон живописи.
Во второй половине 1860-х годов у Ренуар очертил круг жанров для своих произведений и в будущем от него не отступал. Пьер Огюст рисовал пейзажи, бытовые сцены, натюрморты и портреты.
Первая выставка товарищества импрессионистов открылась в апреле 1874 года. Ренуар представил там «Танцовщицу» и «Ложу». Эта выставка обернулась провалом, но
именно тогда молодых художников прозвали «импрессионистами» - поначалу это слово носило презрительный характер.
Несмотря на бедность, Ренуар продолжал писать картины и стремился к признанию. В этот период он написал ряд своих знаменитых шедевров. В том числе «Бал в Мулен де ла Галетт». Публика хорошо восприняла эту работу, отметив мастерство художника в передаче бликов и освещения пространства – на картине отчётливо видны лучи Солнца, тут и там пробивающиеся сквозь листву.
Чуть позже Ренуар написал знаменитый «Портрет актрисы Жанны Самари», считающийся вершиной импрессионистического портрета. За счёт мазков изображённая на полотне девушка выглядит улыбающейся, но в тоже время задумчивой и несколько сдержанной. При этом свойственная импрессионистам небрежность в передаче фактуры в этой работе создавала атмосферу свежести и безмятежности.
В этот период он также написал знаменитые «Завтрак гребцов», «Две сестры» и ряд других картин, где изобразил любимые места, своих знакомых и друзей. Эти картины пользовались успехом и принесли Ренуару финансовую независимость.
В 1883 году Ренуар побывал в Алжире и Италии и познакомился с работами классиков эпохи Возрождения. Они произвели на художника большое впечатление, а его вкус существенно изменился.
Эти перемены хорошо видны на картине «Зонтики». Первоначально Ренуар написал традиционную для импрессионизма картину – лёгкими и мягкими мазками, составлявшими размытые формы. Но затем переделал левую часть картины, детально прорисовав платье девушки с корзиной, подчеркнув её лицо выраженными линиями. Рядом художник оставил маленькую девочку в яркой шапочке – как символ того, что импрессионизм остался в юности.
В 1892 году у Поля Дюран-Рюэля прошла выставка 51-летнего Ренуара. Она пользовалась огромным успехом - были показаны новые полотна Ренуара. Одной из главных работ стала картина «Девушки за фортепьяно». Все объекты были детально прорисованы и подчёркивались тенями, сюжет полотна представлял собой классическую буржуазную сцену того времени, однако полотно несло в себе прежнее свежее и безмятежное очарование картин Ренуара. Это была первая картина художника, купленная для государственного собрания – она была приобретена Музеем в Люксембургском саду.
Пятью годами позже Ренуар сломал руку, упав с велосипеда. Это привело к ревматизму, из-за которого он вынужден был уехать из Парижа. Он продолжал писать картины, но после ярких переливов предыдущего периода, всё чаще склонялся к оттенкам красного.
Он по-прежнему писал солнечные пейзажи и яркие натюрморты, но работать художнику становилось всё сложнее. В 1912 году у него случился приступ паралича и работать становилось всё труднее – кисть ему между пальцев вкладывала сиделка.
Пьер Огюст Ренуар умер 3 декабря 1919 года в Кань-сюр-Мере от воспаления лёгких в возрасте 78 лет. Превозмогая боль, он писал вплоть до самой смерти, заявляя, что «боль проходит, а красота остаётся». Художник похоронен в Эссуа.
У Ренуара было несколько детей, один из которых – Жан Ренуар – стал известным кинорежиссёром, обладателем премии «Оскар» за вклад в развитие киноискусства, а также лауреатом других наград за фильмы «Южанин» и «Великая иллюзия».
Сегодня мы отправились на Север Барселоны в небольшой каталонский городок Фигерас. Именно здесь Родина Сальвадора Дали. В 1974 году именно здесь в городе Фигерас был основан театр-музей Дали, который сегодня считается одним из самых посещаемых мест в Испании.
Здесь собрано около 1500 его работ причем совершенно разного рода: картины, скульптуры, инсталляции.
Идея создания музея родилась в 1961 году, когда мер Фигераса попросил прославленного уроженца подарить городу одну из своих работ.
Дали решил подарить музей и не просто музей, а театр музей. 14 лет шло строительство здания, наполненного тайнами, иллюзиями и трансформацией.
Попав в здание бывшего полуразрушенного театра, оказываешься в разноуровневом пространстве, разделенным на 5 самостоятельных площадок.
Это комплекс 3-х больших экспозиций мистически связанных друг с другом.
Музей, Башня Гала Галатея и выставочный центр с драгоценностями, которые были созданы по эскизам самого Дали.
Эскизы будущего музея художник воплощал под влиянием своей музы это стала его жена Елена Дьяконова, которую он поэтично называл Гала.
Театральная история фундамента музея выбрана не случайно и соседство с церковью,в которой крестили маленького Дали, подпитывало гения напоминая ему о детстве.
Прогулка по залам музея это путешествие которое начинается в пробных штрихах первых футуристических работ художника и заканчивается уверенными, насыщенными мазками зрелого гения, прошедшего огромный путь.
Сегодня в Фигерас приезжают тысячи желающих из разных уголков мира чтобы посетить театр-музей Сальвадора Дали и окунуться в мир гения.
Добраться до Фигераса можно на поезде из Барселоны. В пути вы будете около 1,5 часа. Железнодорожный вокзал в Фигерасе находится в 15 минутах ходьбы от музея. Музей работает с 9-00 до 20-00. Стоимость входного билета – 12€
Простое удовольствие сидеть на лугу, украшенном драгоценными камнями полевых цветов и солнечных лучей, очаровательно воссозданно в произведениях Mary Dipnall. В детстве в Портсмуте, Dipnall была вдохновлена семейными поездками в живописные части запада Англии. Отсутствие формального обучения и проживание в живописной местности наделяет работы Dipnall теплым беззаботным настроением. Она начала рисовать после замужества и рождения детей, уделяя особое внимание образам диких цветов. Первая выставка была в 1980 году. Dipnall продолжает демонстрировать свои работы регулярно в Англии.
Сделано в России. Кто и как создавал Государственный Русский музей
117 лет назад в этот день распахнул свои двери для посетителей Русский музей в Санкт-Петербурге. SPB.AIF.RU рассказывает, как связано основание музея с картинами Репина, кто готовил первую выставку и почему она не понравилась Александру Бенуа.
Государственный Русский музей в Петербурге сегодня отмечает годовщину своего официального открытия – ровно 117 лет назад, 19 марта 1898 года, он принял первых посетителей. SPB.AIF.RU вспоминает историю основания музея и рассказывает, как он был устроен в первые годы работы.
Вначале был Репин
Идея основания публичного государственного музея национального изобразительного искусства блуждала во властных кругах Российской империи с середины XIX века. Об этом говорили писатели (в частности, Иван Гончаров), критики, философы и политики. Эту же мысль высказывал директор Эрмитажа Александр Васильчиков.
По легенде, решающую роль в истории появления музея сыграла 17 (предпоследняя) выставка Товарищества передвижных художников, которая проходила в Петербурге в доме Боткиной на Сергиевской улице. За 20 лет работы передвижники обрели высокий статус и всеобщее признание, поэтому неудивительно, что своим вниманием экспозицию почтил император Александр III. Особенное впечатление на него произвела картина Ильи Репина «Николай Мирликийский избавляет от смерти трех невинно осужденных» - ее он купил. Тогда же, по свидетельству одного из современников, государь признал, что назрела необходимость открыть «всенародный музей, в котором сосредоточивались бы все лучшие произведения искусства».
По легенде, эта картина вдохновила императора на создание музея. Фото: Архивное фото
В стране процветали национально-патриотические настроения, и новый музей мог бы как раз отразить актуальные для России идеи. Ему быстро подобрали здание – Михайловский дворец, построенный в первой трети XIX века. Однако сам император проект довершить не успел из-за своей смерти от стремительно развившейся болезни почек. Его дело продолжил сын – последний русский император Николай II.
В апреле 1895 года он подписал указ «Об учреждении особого установления под названием «Русский музей императора Александра III» и о представлении для сей цели приобретенного в казну Михайловского дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом».
В 1897 году было подписано положение о музее. В нем, в частности, говорилось, что произведения ныне здравствующих авторов сначала пять лет должны провести в музее императорской Академии художеств и лишь потом могут быть перемещены в Русский музей. «Предметы, помещенные в музей и составляющие его собственность, никогда отчуждаемы или передаваемы в другое учреждение быть не могут», - бескомпромиссно гласило положение. Глава музея изначально назывался «управляющим», назначался по воле царя и обязательно должен был быть членом Императорского Дома. Николай II подчеркивал, что создает музей в память об отце, «имея целью соединить все, относящееся к Его Личности и истории Его Царствования, и представить ясное понятие о художественном и культурном состоянии России».
Музей открылся в 1898 году под управлением Великого князя Георгия Михайловича. Подготовка к открытию заняла около года, и участвовали в ней сотрудники, набранные из числа самых просвещенных деятелей культуры: искусствовед граф Дмитрий Толстой, художник и историк искусства Александр Бенуа, пейзажист и член Правления Товарищества передвижных художественных выставок Павел Брюллов, археолог, коллекционер и меценат Михаил Боткин и другие.
«При организации музея нужно иметь в виду непременное требование, чтобы служба в таком чудном учреждении почиталась величайшей честью, и чтобы к ней стремились именно из-за чести быть причастным к музею», - говорилось в одной из рекомендательных записок по набору сотрудников.
Пестрая выставка
Итак, 19 марта 1898 года первые посетители вошли в залы Михайловского дворца, переоборудованного под нужды музея. Первая экспозиция занимала 37 залов (21 на первом этаже и 16 на втором). Четыре из них были отведены под «Музей христианских древностей»: здесь можно было увидеть «Плащаницу» Виктора Васнецова и работами из частных коллекций (собрание акварелей музею передала княгиня Мария Тенишева, а гравюры – князь Лобанов-Ростовский). Фонд христианских древностей был самым большим и насчитывал около пяти тысяч памятников старины. Кроме того, к началу работы в распоряжении музея находились 445 живописных работ, 111 произведений скульптуры, 981 графический лист. Часть произведений поступила из Эрмитажа, часть из Академии художеств, остальные из императорских дворцов и личной коллекции Александра III («Фрина» Семирадского, «Грешница» Поленова, «Ермак» Сурикова, «Русалка» и «Поцелуйный обряд» Маковского).
Торжественное открытие Русского музея Александра III 19 марта 1898. Художники-члены Академии художеств. Фото: Русский музей
Картины из царской коллекции висели в самом большом зале (где прежде был театр), а рядом с ними – полотна Репина «Садко», «Св. Николай» и «Запорожцы», Васнецова «Парижские балаганы» и «Перенесение ковра» Константина Маковского.
«Все это составляло очень внушительное целое, и наши патриоты уже считали, что преимущество русской школы живописи здесь безусловно доказано. На самом же деле многие из этих картин вредили друг дружке, и все вместе производило впечатление чего-то пестрого и не очень утешительного, - писал в своих воспоминаниях Александр Бенуа. - Куда выдержаннее был соседний, тоже просветный зал, куда встали одна рядом с другой (так же, как они были выставлены в Эрмитаже) исполинские картины «Помпея» Брюллова и «Медный змий» Бруни. Туда же вошли и другие крупные и знаменитые произведения, как то «Явление Христа Магдалине» Иванова, «Мученики» Флавицкого и «Камилла» Бруни, «Тайная вечеря» Ге и две или три картины Айвазовского. К сожалению, туда же по настоянию Павла Брюллова была водворена самая неудачная из картин Карла Брюллова «Осада Пскова», чем племянник знаменитого художника оказал дяде дурную услугу».
Бенуа также сожалел, что в музее не оказалось «главной гордости русской школы живописи» XVIII века – «Смолянок» Левицкого, оставшихся в Петергофском дворце. Многие ценные картины Боровиковского тоже не дошли до музея, продолжая украшать царские резиденции. Царю предлагали снять с них копии, а оригиналы отправить в Михайловский дворец, но он решительно отказался менять обстановку, которая осталась после его отца.
Первые посетители отмечали насыщенность экспозиции, граничащую с пестротой – устроители постарались показать как можно больше предметов из фондов и местами залы казались перегруженными той самой «национальной гордостью».
Музей из четырех дворцов
Коллекция музея стремительно разрасталась, а вместе с ней менялась и его структура. В самом начале действовали только три отдела: этнографический и художественно-промышленный, художественный и «посвященный специально памяти Императора Александра III». Памятный, впрочем, из-за разных технических проволочек так и не был открыт. Этнографический в 30-х годах прошлого века был выделен в самостоятельный Государственный музей этнографии народов СССР. А ядром для новой структуры остался художественный отдел – из него развились к нашему времени около 50 отделов, секторов, подразделений и служб.
Сегодня коллекция Русского музея насчитывает 407 533 единицы хранения, а в его состав помимо Михайловского дворца входят Строгановский и Мраморный дворцы, Михайловский замок, Михайловский и Летний сады.
Картину художника из Богдановича взяли в Русский музей
Вадим Колбасов, «Танцы под полонез»
Полотно уральца Вадима Колбасова «Танцы под полонез» выставят в Государственном Русском музее Санкт-Петербурга. Об этом «Областной газете» рассказал сам художник.
Досье «ОГ»
Вадим Колбасов родился 11 марта 1951 года в Свердловске. Окончил Ленинградский государственный институт по проектированию водохозяйственного и мелиоративного строительства по специальности топограф-геодезист. Творческая деятельность началась в 1992 году после переезда в Богданович. В Екатеринбурге прошло около 20 персональных выставок мастера.
— Картина автобиографична, посвящена моему детству. На восьмой год после войны было традицией собираться по выходным семьями, отмечать вместе праздники, дни рождения детей. Тогда люди жили очень дружно, тесно общались с соседями. Эти встречи и легли в основу сюжета, — пояснил автор полотна.
По словам Вадима Колбасова, танцы, изображённые на картине, происходили в одно из воскресений. На полотне родители художника, тётя с дядей и две девушки-студентки, жившие у них на квартире, танцуют. За столом сидит дед в орденах, в кухонном проёме с полотенцем на плече видна бабушка мастера. Себя Вадим Колбасов изобразил в возрасте трёх лет.
— Картина эта родилась из одного моего детского воспоминания: я был маленьким и матери не давал танцевать. Помню, как сижу я на подоконнике и руки к ней тяну, а она мне говорит: «Ну, дай мне немного потанцевать!». Мама подбежит ко мне, успокоит — и опять в пляс. Она очень быстрая была, лёгкая и любила танцевать. С этой крошечной сцены всё и началось, — рассказал Вадим Колбасов.
Художник в мельчайших подробностях отразил на картине быт начала 50-х годов: от розового матерчатого абажура и разбросанных по полу детских игрушек до проводки по стенам и картины «Утро в сосновом бору» над детской кроваткой.
— Копию с картины Шишкина делала моя мама. Она занималась живописью после войны, ходила в студию. Когда я родился, «пошли пелёнки», творчество пришлось забросить. Но талант свой она передала детям: я стал топографом-геодезистом, моя сестра — архитектором. А копия картины, написанная маслом, затерялась где-то в нашей родне, — добавил автор.
Ранее работы Вадима Колбасова выставлялись только в уральской столице. «На Россию я ещё никогда не выходил. Это очень большая честь — попасть на такую выставку. Это бывает раз в жизни. Тогда мне было 40 лет, я сконцентрировался и написал это полотно с полной отдачей, с полной любовью. Больше такую работу я уже не создам», — подытожил художник.
Выставка «Новые рассказчики в русском искусстве XX — XXI веков» откроется в Русском музее 25 марта.
Дата: Воскресенье, 22.03.2015, 15:52 | Сообщение # 70
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
10 современных художниц, о которых нужно знать
Как утверждает печальная статистика, пробиться женщине в искусстве невероятно трудно. И хоть больше половины выпускников всех художественных школ и институтов составляют именно женщины, дальше всё намного труднее. Мужчины, будь они хоть менее талантливее, легче строят карьеру танцоров, художников, скульпторов, дизайнеров…Таковы факты. Но во всяких правилах есть и исключения.
Эти женщины сломали статистику и пробились в мир художественной элиты, добились признания и вовсю творят. Какие же они, современные художницы? И как выглядит современное искусство с точки зрения женщин? Попробуем ответить.
1. Алекса Мид (Alexa Meade)
Алекса прославилась своим необычным подходом к картинам — она рисует на настоящих людях, превращая их в картины 2D формата. В какой то степени, она классический портретист, людей она рисует людьми, а не квадратиками или цветовыми сочетаниями. Просто для своих классических рисунков Алекса Мид выбирает не классические холсты, а собственно людей.
2. Лор Прувост ( Laure Prouvost)
Премия Тёрнера — это самая элитная награда для художника. Её распределение только подтверждает нашу печальную статистику — за все годы своего существования, женщин победителей было всего 13 процентов. В 2013 году Лор присоединилась к элитному меньшинству женщин-художников с Премией Тёрнера в биографии. Французская художница работает в разных жанрах и в 2013 выиграла престижную премию за свою видео-инсталляцию Wantee с элементами рисунка, скульптуры и живописи.
3. Викто Нгаи (Victo Ngai)
Эта невероятно одарённая девушка-иллюстратор может быть вам знакома по многочисленным копиям её работ в интернете. Художница сейчас работает в Нью-Йорке, где рисует для известных журналов типа New Yorker, сотрудничала с IMAX, McDonald’s, General Electric и однажды даже попала в список журнала Forbes «30 талантливых и успешных, которым не исполнилось 30 лет».
4. Читра Ганеш (Chitra Ganesh)
Работы этой художницы из Бруклина вдохновлены всем и сразу: греческой, индийской и буддистской иконографией, европейскими портретами 19 века. Странная смесь, не так ли? Оригинальная. Вот и работы Читры так же оригинальны и судя по её напряжённому графику выставок по всему миру, очень популярны.
5. Аурель Шмидт (Aurel Schmidt)
Необычная и эксцентричная Аурель любит превращать такие казалось бы не художественные предметы, как банки от кока-колы, пива, сигареты, средства личной гигиены в предметы для вдохновения. Помимо красивых цветочков, нарисованных талантливой рукой, в портфолио художницы можно найти и портрет мужского полового органа на цветочной лужайке с бабочкой, и женские прелести, и полностью обнаженную фотосессию с её любимым человеком. Вот такая она, современная художественная богема из Нью-Йорка, Манхэттен.
6. Кэитлин Черри (Caitlin Cherry)
Ещё одна художница из Нью-Йорка вдохновляется набросками Леонардо Да Винчи и уже создаёт собственные маленькие шедевры для музея в Бруклине.
7. Наниба Чакон (Nanibah Chacon)
Девушка из Нью-Мехико начинала как граффити художник в 16 лет. Через 10 лет, после рождения сына, она взялась за живопись маслом и весьма в этом преуспела. Основная тема работ — феминизм и свобода через призму истории и современную культуру.
8. Лиза Солберг (Lisa Solberg)
Лиза известна своими абстракциями, картинами в стиле экспрессионизма и огромными инсталляциями, которые буквально занимают всю комнату. Сейчас она только в начале своей карьеры, но уже принимает участие в выставках по всему США.
9. Вангечи Муту (Wangechi Mutu)
Коллажи Вангечи — это полностью другой мир, посвящённый исследованию личности, культурного наследия, уникальности каждого человека, истории, современного положения в Африке, будь то мода африканских племён или политика.
10. Ванесса Прагер (Vanessa Prager)
Совсем молодая, но очень талантливая художница из Калифорнии прославилась своими яркими, богатыми на цвета и оттенки, картинами в классическом понимании этого слова. За основу Ванесса берёт фотографии из своей жизни, а в итоге получаются вот такие чудеса…
Литовский художник Модестас Малинаускас рисует потрясающие миры, в небесах которых парят дирижабли и воздушные шары. Его картины полны романтики и жизнерадостности, и переносят зрителя из реального мира в сказочный.
Дата: Понедельник, 29.06.2015, 09:36 | Сообщение # 72
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
10 фактов о русской живописи. Инфографика
Живопись — неболтливое искусство, и в этом её несомненное достоинство, которое отмечали многие художники. Между тем, если бы картины умели говорить, то было бы очень интересно послушать истории их жизни. Например, узнать, сколько времени и в каком настроении художник писал это полотно и что он воскликнул после нанесения завершающего мазка.
Смотрите специальный проект «100 фактов о культурном достоянии России», подготовленный АиФ.ru совместно с Министерством культуры РФ, а также инфографику «10 интересных фактов из мира русской живописи», которая, возможно, заставит вас взглянуть на многие известные картины под новым углом.
На сайте вы найдете обширнейший материал о русской живописи.
Информацию о русских художниках начиная с древности и до наших дней.
Приведены биографии художников и их наиболее значительные работы.
Большинство иллюстраций картин представлены в полноэкранном режиме, позволяющем размещать их на экране ваших мониторов, что дает возможность в полной мере наслаждаться творениями величайших художников русского изобразительного искусства.
Сайт будет полезен широкому кругу пользователей Интернета, от специалистов в области живописи, до просто любителей прекрасного.
650 выдающихся русских художников, начиная с 14 века и до наших дней.
Свыше 15000 высококачественных иллюстраций лучших произведений русского изобразительного искусства.
Картины представленные в крупнейших художественных музеях России и Европы.
Дата: Понедельник, 06.07.2015, 18:50 | Сообщение # 74
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Австралийская художница Nerida De Jong. Женщины такие разные.
Австралийская художница Nerida De Jong (Сайт) провела большую часть своей жизни в разных красивых местах земного шара, от экзотических островов Кука и Фиджи, в захватывающих дух греческих островов. Все это нашло отражение в ее ярких, солнечных картинах.
Сейчас Nerida De Jong живет во французской средневековой деревне St Cirq Lapopie на скале над рекой Лот.
Густав Климт — тончайший, изумительный колорист. Сразу же стоит оговориться: вся та сувенирная туристическая продукция, на которой можно увидеть испоганенные китчевые вариации, все работы «в стиле Климта» и «под Климта», весь спектр репродукций никакого представления о светоносном даровании художника не дают.
Имя известного австрийского художника, графика и книжного иллюстратора Густава Климта неразрывно связано со стилем модерн, и его картины – самое яркое его проявление. Климт был одним из самых интересных и востребованных представителей мирового изобразительного искусства. Он никогда не стремился демонстрировать публике свою исключительность. Работал он тихо, спокойно, делал только то, что считал необходимым, а, между тем, на свете было не так много мастеров, которые были бы так обласканы публикой, осыпаны заказами и не испытывали материальных затруднений. В этом одна из загадок Климта.
Первые черты его неповторимого стиля проявились впервые в росписях большой лестницы венского Музея истории искусств, созданных в 1890-1891 годах.
Художник писал пейзажи для себя. Так он отдыхал. Может, поэтому критики долгое время обходили их своим вниманием. Сегодня его пейзажная живопись признана лучшей частью его творчества. «Цветущий сад», «Деревенский сад с подсолнухами», «После дождя», «Поляна с маками», «Берёзовая роща» почти реалистичны. Почти, потому что налет декоративности присутствует и в них, делает пейзажи легкими, призрачными, воздушными. Возможно, это другая сторона личности художника: простота, спокойствие и легкость, которых так не хватает человеку с его страстями.
«Березовая роща».
Пишет ли он обнажённые, откровенно чувственные тела («Подруги», «Адам и Ева») или напряжение чувств между двумя возлюбленными («Любовь», «Поцелуй», «Упоение»), или портреты женщин по заказу (портреты Сони Книпс, Фрицы Ридлер, Адели Блох-Бауэр, Евгении и Меды Примавези, Фредерики Марии Биер) – в любом случае проявляется личное видение окружающего мира и человека в нём. И оно завораживает.
Очаровательные лица, прически, руки, украшения, но платья и фон, как в волшебном калейдоскопе, превращаются в неповторимую сказочную декорацию. Именно так он видел человека, его красоту, слабости, страхи и страсти. А где этого не было, оставалась природа.
Он делил кров с матерью и сестрой и по возможности всякий раз спешил оказаться дома к обеду. На большинство приглашений отвечал отказом, предпочитая поскорее отправиться к себе в мастерскую. Одетый в просторную рубаху грубого полотна, каких у него было с десяток — ничто не должно было мешать работе, даже одежда, — Климт проводил там все время.
Вначале он стал ее учителем. Затем она — его музой. Искусство сделало их парой. История — символом. В ней Эмилия навсегда осталась возлюбленной Климта.
«Эмилия Флёге»
Ее портрет, первый портрет Эмили кисти Густава Климта рисует нам девушку с тонким профилем, нежным румянцем на бледной коже, мечтательным взглядом. В по-девичьи аккуратно уложенных волосах — диадема. В глазах — надежда на то, что будущее исполнено чего-то невообразимо прекрасного, что случится совсем скоро. Нужно лишь чуть-чуть подождать. Иначе ведь и быть не может, не так ли?
Эта работа, казалось, должна была стать первой из многих, на которых была бы запечатлена единственная женщина, оставшаяся рядом с Климтом навсегда, как велит венчальный обряд, «пока смерть не разлучит вас». Но художник создал лишь три портрета Эмилии Флёге. Два из них мало известны широкой публике. На них — та самая совсем юная девушка в начале пути. Никакой мишуры и позолоты. Быть может, поэтому вспомнит о них лишь знаток. Третий отвергла сама Эмилия Флоге. На том портрете, узком и вытянутом в дайну по образцу японских гравюр, тонкая высокая красавица с мягким, немного ироничным взглядом, одетая в лес и поле. Теперь ее красота совсем другого свойства: зрелая, уверенная в своем могуществе и, кажется, способная навсегда покорить любого. Покорила ли она Климта? И чьей заслугой было то, что их пути переплелись на долгих 27 лет?
«Я убежден, что как человек я не очень-то интересен… Кто-нибудь, желающий узнать обо мне как о художнике, должен внимательно изучать мои картины и попытаться узнать из них, кто я такой и что я хотел»
"Слепой старик"
Эмилия помогала Климту переживать и счастливые моменты, и удары судьбы, была рядом с художником до конца его дней, однако свою жизнь разделить с ним так и не решилась. Когда Климта не стало, все что осталось ей от возлюбленного, — куча рисунков. Сотни эскизов портретов прекрасных женщин, так и не ставших полотнами.
