Дата: Воскресенье, 25.10.2015, 19:03 | Сообщение # 91
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Иллюстрации акрилом. Robin Moline
Робин выросла в Северной Миннесоте и окончила Колледж иллюстрации и дизайна в Миннеаполисе. Работала внештатным художником, с начала 1980-х и до середины 90-х годов, преподавала иллюстрацию в своей альма-матер. Немного позже, в конце 90-х, она и ее муж, известный иллюстратор Леланд Кладерман, перенесли свои студии и всех домашних животных в красивую долину реки Санта-Крус. Во время прогулок вдоль реки, в природе и в садах, Робин находит неисчерпаемый источник вдохновения.
Робин Молин, современная художница, иллюстратор, исполнитель художественных работ, которые заказывались ведущими компаниями, дизайнерскими фирмами, рекламными агентствами и издателями из многих стран мира. Робин знает, как добавить в свои картины нечто, что имеет редкую способность превращать ее произведения, выполненные акриловой краской и, на первый взгляд, не имеющие ничего необычного, в шедевры, подолгу не отпускающие зрителя. Яркая палитра, смелая работа кистью, высокая детализация, все это отличительные особенности картин Робин. На данный момент она уже принимала участие в нескольких групповых выставках, также ее работы есть в некоторых частных коллекциях.
Художник нарисовал персонажей русских былин и сказок в стиле фэнтези
Российский художник Роман Папсуев (Amokrus) нарисовал «для души» известных персонажей русских былин и сказок в современном игровом фэнтези-стиле, сообщает портал geektimes.ru.
В итоге получилась удивительная серия карандашных рисунков, выполненных с большим вниманием к деталям. Роман не руководствовался персонажами какой-то конкретной игры, образы получились собирательными.
Художник русских Советов. Васнецову предрекали, что его картины умрут
120 лет назад, 29 ноября 1895 г., некий адресат получил письмо: «Правление Общества художников исторической живописи избрало вас почётным членом». Звали адресата Виктором Васнецовым.
Честь сомнительная - среди 36 действительных членов этого общества не найти сколько-нибудь громких имён. Но общество это, созданное «сверху» (генерал-губернатором Москвы), явно в них нуждалось. Выбор был сделан верный - Васнецов и есть отечественная историческая живопись как таковая.
Считается, что те, кто родился в мае (а он появился на свет именно в этом месяце), будут всю жизнь маяться. И в данном случае прислушаться к народному поверью стоило. Не то чтобы Виктору Васнецову так уж не везло. Однако маета началась с детства. Рано умерла мать - Аполлинария Ивановна. Отец Михаил остался одиночкой, и это при шестерых (!) детях. Хозяйство, скот, покосы… Единственная возможная карьера для Виктора - стать священником. Четыре года духовного училища, потом Вятская духовная семинария, где преподают иконопись. Знакомство со ссыльным польским живописцем Эльвиро Андриолли. И жгучее желание: «Хочу стать художником!»
Священный трепет
Купцы, мещане и даже дворяне решению своих детей стать художниками противились яростно: «Все они пропойцы и никчёмные людишки!» Какими именно словами приветствовал желание своего сына отец Михаил - неизвестно, но можно процитировать его тёзку, священника отца Михаила из повести Куприна «Юнкера»: «Ну, что же? Живопись - дело благое, если Бог сподобил талантом. Вон святой апостол Лука. Чудесно писал иконы Божией Матери». Виктор Васнецов и впрямь отправился учиться живописи с благословения ректора семинарии и своего отца. Между прочим, в русских сказках такое благословение - залог успеха во всех начинаниях.
Виктор Васнецов родился в Вятском крае в семье священника в 1848-м году.Родной край с его суровой природой, с древними народными поверьями, старинными песнями, сказками и былинами – вот основа ранних жизненных впечатлений Васнецова.
Одно из первых полотен молодого живописца - «С квартиры на квартиру» - больше всего напоминает блокаду Ленинграда, до которой оставалось 65 лет. Её встретили с восхищением, ещё бы - сплошная «боль за людей, которые под гнётом самодержавия вынуждены влачить…». И быть бы Васнецову ещё одним «печальником горя народного», которые всегда были популярны в России. Этаким Юрием Шевчуком в живописи. Но Васнецов выбрал другую, национальную правду, и она катастрофически не понравилась.
«Есть на выставке ещё три картины работы Васнецова - «Алёнушка», «Бой скифов со славянами» и «Три царевны подземного царства». Эти лубочные картины ничего общего с искусством не имеют, их безобразие до такой степени очевидно, что доказывать его совершенно излишне…» - таким был отзыв журнала «Русь» о новом направлении в творчестве Васнецова.
Виктор Васнецов, «Три царевны подземного царства».
Богатырская сила.
А дальше были знаменитые «Богатыри». Вечная тема школьных сочинений «по картине». Я, помнится, сравнил богатырей с мушкетёрами. И получил «пару». Несправедливо. Потому что впоследствии писатель Александр Генис отозвался о картине так: «...анекдот сталкивает трёх богатырей с их галльскими братьями - тремя мушкетёрами: Илью Муромца - с могучим простаком Портосом, Добрыню Никитича - с изящным Атосом, Алёшу - со смазливым Арамисом, который тоже был своего рода поповичем».
По мнению многих исследователей, в образе Ильи Муромца на картине Васнецова изображён сам император Александр III. А в качестве «хитреца ростовского» Алёши Поповича - один из сыновей мецената и покровителя искусств Саввы Мамонтова: «Помню, как мы завидовали моему брату Андрею, на которого походил лицом Алёша Попович в этой картине…»
«Богатыри». Виктор Васнецов.
Как же Виктора Васнецова обзывали… «Плохой живописец, беспомощный рисовальщик и очень условный колорист» - эти слова принадлежат Сергею Маковскому, сыну известного художника. Стало модным считать, что Васнецов - это что-то типа провинциального богомаза. А тут ещё подоспело известие: дескать, Васнецов сочувствует и даже помогает деньгами небезызвестной общественной организации - «Союзу русского народа». Впрочем, чаще их называли черносотенцами.
Такие штуки не прощались. Ни тогда, ни сейчас. «Картины Васнецова умрут» - каково это вам? А «вульгарность общего тона»? А то, что Васнецова вообще признавали только декоратором? Вот тот же Маковский: «Васнецов обладал наитиями декоратора-фантаста. Это чувствуется даже в его неудачных работах. Он создал курьёзный стиль…»
Ну что ж, пусть будет курьёз. Есть легенда, что Васнецов задолго до революции разработал дизайн будёновок и длинных шинелей. И ещё по мелочи - кожаные тужурки с крагами, брюки и картузы для моточастей. Но было это не до революции, а после неё. Васнецов принял участие в конкурсе на дизайн новой униформы для армии, который объявил нарком Троцкий в 1918 г. И победил. И будёновки стали символом русской армии. И с этим уже ничего не поделать.
Как ничего не поделать с тем фактом, что картины Виктора Васнецова есть во всех крупных музеях мира. А также с тем, что он работал и для Российской империи, и для молодого государства рабочих и крестьян. В 1912 г. ему и его потомкам было присвоено дворянское звание. А спустя 12 лет, в 1924 г., уже Наркомпросом РСФСР была назначена персональная пенсия в размере 1,5 (!) ставки ответственных партийных работников.
Роковой выбор Мастера. Со своими детьми Серебрякова увиделась через 30 лет.
12 декабря 1884 года под Харьковом родилась девочка Зина. Ей было суждено родить четверых детей, овдоветь, сменить Харьков на Петроград, а потом и на Париж и там упокоиться на кладбище Сен-Женевьев-де-Буа.
Стать художником Зинаиде Серебряковой было просто предначертано судьбой. Она родилась в одной из наиболее прославленных искусством семей Бенуа-Лансере. Её дед Николай Бенуа был знаменитым архитектором, отец – Евгений Лансере — известным скульптором, а мать Екатерина Николаевна в молодости была художником-графиком.
В принципе вполне логичный финал - предки барышни были урождёнными французами по фамилии Лансере. Мы же знаем её как русского художника Зинаиду Серебрякову.
Нет, это не ошибка и не опечатка. Именно «художника». Мужчины, собратья по цеху, даже Ахматову и Цветаеву числили по рангу «поэтесс». То есть заведомо ниже себя. Серебрякову же живописцы считали как минимум равной. Когда в 1916 г. Александру Бенуа предложили роспись Казанского вокзала в Москве, он привлёк к работе признанных мастеров - Мстислава Добужинского, Бориса Кустодиева. Среди этих избранных оказалась и Зинаида Евгеньевна. Так что по рангу она, быть может, и считалась равной мужчинам, но по таланту превосходила многих.
Странное решение
Говорят, судьба каждого уже записана где-то там, на небесах. Но порой мы сами творим трагедии, которых вполне могло бы и не быть. Случай Серебряковой - как раз из таких. В 1924 г. на выставке в Америке было продано около 150 картин художницы. По тем временам большие, даже очень большие деньги (особенно для пребывающей в разрухе Страны Советов). Одновременно ей поступает заказ на панно из Парижа. Что сделает мать четверых детей, живущих в «невыездном» Советском Союзе? Оставит их и метнется во Францию? Или всё-таки останется с ними? На руках кроме детей у Серебряковой ещё больная мать. Муж умер в 1919-м - от тифа. Средств к существованию - ноль.
Серебрякова решила ехать. Её биографы в один голос твердят: «Впоследствии она раскаялась и хотела вернуться в Россию, пусть даже в СССР. Но ей не удалось». Да. Не удалось. Или всё-таки не хотелось? Скажем, Марине Цветаевой это удалось. Зинаиде Серебряковой - нет. Хотя к ней в 1927 г. во Францию приезжал старший брат, Евгений Лансере, советский профессор. Он работал в Тбилиси и был командирован в Париж решением Наркомпроса Грузии. Двоих детей каким-то чудом удалось-таки отправить к ней во Францию, ещё двое остались в России - Серебрякова увидится с одной из дочерей лишь через 36 лет, во время хрущёвской оттепели. Тогда же Зинаиду Николаевну объявили ни много ни мало, а «русским Боттичелли». В её картинах и впрямь много света и нежности, как у давнего мастера Ренессанса.
Зинаида Серебрякова. За завтраком (1914). Репродукция с картины
А пока - Страна Советов, раздираемая Гражданской войной, нищая жизнь: «Мы наняли квартиру в две комнатки с кухней в Харькове. Очень плохо. Если бы не моя работа, мы бы голодали». Самое забавное: и сама Зинаида, и её мать, Екатерина Николаевна, с большим энтузиазмом приняли Февральскую революцию 1917 г., хотя именно после неё «разорили и четыре раза сожгли наше родовое поместье в Нескучном», - напишет потом художница. А Октябрьскую революцию проклинали. Да, большевики не вернули им дворянского титула и имения. Но в отличие от «демократов» периода Керенского они сделали другое. В 1917-м Серебрякова уже было принялась за подённую работу швеи и прачки, но тут власть захватили красные. Была организована «Первая выставка искусств харьковского Совета рабочих депутатов», где присутствовали и работы Серебряковой. Несколько из них, в том числе знаменитую «Жатву», приобрёл Кишинёвский музей. Спустя месяц Серебрякова получила ту самую работу, без которой они бы голодали. Делать рисунки с экспонатов в Археологическом музее нелегко. Знаю по себе - карандаш, тушь, точность. Никакого творчества. Но ведь именно большевиками был создан музей, и голод Серебряковой ушёл, не успев начаться.
Поздние слёзы
Тем не менее она уезжает. Обычно принято описывать её жизнь во Франции как период необычайного взлёта. Дескать, если бы не «вольная жизнь» на Западе, её талант так бы и пропал.
Да, некий промышленник из Брюгге, де Броуэр, предложил оплатить ей поездку в Марокко. На месяц. С условием, что Серебрякова отдаст ему несколько полотен «на местную тему». Она согласилась. И сумела растянуть «щедрый» грант Броуэра на шесть недель. Нищенствовала. Спала в клоповниках. А вот её письма из Бретани, где она писала портреты рыбаков: «Никому не пожелаю быть на моём месте. Не знаю, как будет эта зима у наших. Денег посылаю всё меньше, здесь такой кризис в связи с падением франка, что заказов нет. Вообще я часто раскаиваюсь, что уехала...»
Зима в сказочном городе. Художник Дмитрий Крутоус.
Дмитрий Крутоус о себе:
«Не имея особого выбора, родился в СССР, в семье музыкантов. По той же причине окончил школу и отслужил в армии. Затем, за недисциплинированность, исключался из разных учебных заведений, работал художником-оформителем, реставратором, писал тексты песен – эстрадных и к спектаклям, писал театральные декорации, расписывал церкви и занимался мозаикой… Ничего особенного, просто делал то, что было интересно…
С начала 2000-х сосредоточился на живописи. Принимал участие в выставках и арт фестивалях в Украине, России, странах Европы, США. Мизантроп, социопат, оптимист, мотоциклист и романтик.»
Дата: Воскресенье, 27.12.2015, 15:28 | Сообщение # 96
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Что представляет собой современная Третьяковская галерея.
Российский предприниматель и меценат Павел Третьяков в 1892 г. подарил Москве большую коллекцию шедевров национального искусства — около двух тысяч картин, рисунков и скульптур.
Датой основания галереи принято считать 1856 год, когда Павел Третьяков приобрел работы современных русских художников — «Искушение» Николая Шильдера и «Стычка с финляндскими контрабандистами» Василия Худякова. Купив эти картины, предприниматель задался целью создать коллекцию, которая могла бы перерасти в музей национального искусства.
И. Е. Репин, Портрет Павла Михайловича Третьякова.
Начиная с 1856 года, Павел Третьяков приобретал десятки, а то и сотни работ. Он посещал художественные выставки, мастерские художников, музеи и частные собрания России и Западной Европы, заказывал русским художникам для своей галереи картины и портреты наиболее важных деятелей России, приобретал целые коллекции. Предпринимателя никогда не останавливала цена произведения. Он всегда старался приобрести заинтересовавшие его картины. Одними из самых дорогостоящих приобретений Третьякова были работы Василия Верещагина — коллекция туркестанских картин и этюдов.
В начале 1860-х годов в коллекции стали появляться работы живописцев 18 века – первой половины 19 века, а позже и памятники древнерусского искусства. К концу 1860-х Третьяков задумал создание портретной галереи и привлек к этому ведущих русских живописцев — Василия Перова, Ивана Крамского, Илью Репина, Николая Ярошенко.
Каталог собрания, составленный Третьяковым незадолго до смерти, содержал 1635 живописных произведений. Гораздо реже, чем живопись, Третьяков приобретал скульптуру и графику. Произведения этих видов искусства существенно пополнили музей уже после смерти его основателя.
К 1872 году собрание Третьякова насчитывало более полутора тысяч картин. Жилой дом Третьяковых в Лаврушинском переулке несколько раз был перестроен, а впоследствии, весь комплекс построек был объединён общим фасадом, построенным по проекту Виктора Васнецова. В 1881 году Третьяков открыл галерею для свободного посещения.
Современная Государственная Третьяковская галерея как единый музей расположена на двух территориях: в Лаврушинском переулке, где сосредоточиваются экспозиции и хранилища старого искусства, начиная с древнейших времен до начала 1910-х годов, и в здании на Крымском валу, где представлены произведения XX века.
История мировой культуры насчитывает огромное количество стилей и течений. Порой разобраться в них бывает не так просто, но самые основные, классические, виды стоит знать каждому. AdMe.ru составил простой и наглядный гид по 6 основным видам классического искусства — и в музее теперь станет куда интереснее, чем прежде.
Готика, XII-XVI вв.
Устрашающе-величественный стиль в архитектуре и живописи, который может послужить прекрасным фоном для развития событий в каком-нибудь фильме ужасов. Несоразмерно огромные и острые башни соборов, о которые, кажется, можно с легкостью порезаться, и парочка-другая притаившихся где-нибудь над резными арками монстров — готика таит в себе множество тайн и загадок.
Ренессанс, XV-XVI вв.
Именно во времена эпохи Возрождения позировала та самая загадочная Джоконда, а Микеланджело создавал легендарную статую Давида. Творцы были настолько плодовиты, что оставили миру огромное количество шедевров в живописи, архитектуре, музыке, литературе. Это было по-настоящему вдохновляющее время.
Барокко, XVII-XVIII в.в.
Пышный и помпезный стиль барокко полностью оправдывает свое название (от итальянского barocco — «причудливый», «странный»). Естественность в те времена была не в почете, потому и леди, и джентльмены нахлобучивали на головы огромные парики и обсыпались пудрой. Интерьеры также не остались в стороне — побольше золота и парчи, изящных канделябров, мудреных узоров — чувство меры явно считалось признаком дурного вкуса.
Рококо, XVIII в.
Рококо — все то же барокко, но еще более кокетливое и нарядное: в основном стиль присутствовал в архитектуре и дизайне интерьеров. Неимоверное количество цветочных орнаментов и узоров, обилие декора, ангельских фигурок — все очень приторное и слишком сладкое, как огромная и липкая сладкая вата.
Классицизм, XVII-XIX в.в.
Пресыщенность «взбитых сливок» барокко и рококо постепенно сменяется лаконичностью классицизма. Архитекторы и скульпторы обращаются к античным эталонам, художники также не остаются равнодушными к классическому искусству и черпают вдохновение в работах мастеров Возрождения. Конечно, до минималистического скандинавского интерьера еще далеко, но декора стало куда меньше, и кучерявые загогулины вместе с цветочным великолепием орнаментов канули наконец в лету.
Романтизм, XVII-XIX в.в.
Единство человека и природы в образе благородного дикаря (кто бы мог подумать об этом в расцвет барокко), бунтарский дух и характер — вот основные черты романтизма. Идеалом романтиков стали свобода, борьба за национальную независимость, и эти черты очень ярко проявились в живописи — на полотнах Карла Брюллова, Франсиско Гойи, Эжена Делакруа. Именно в эпоху романтизма оформляются феномены туризма, альпинизма и пикника, призванные восстановить единство человека и природы.
Автопортрет страдания: жизнь и картины художницы Фриды Кало
3 февраля в Музее Фаберже в Санкт-Петербурге открывается первая в России ретроспектива мексиканской художницы Фриды Кало — женщины со сложной судьбой, горькой любовью и жаждой жизни — вопреки всему.
В «голубом доме» — музее Фриды Кало в Мексике — можно увидеть ее рабочее место: стол, кисти, краски, зеркало. «Все ее картины — селфи» — шутят туристы, поскольку большинство ее произведений — автопортреты.
Ее творчество — это ее дневник, где художница, совершенно не стесняясь, практически выворачивает душу наизнанку.
В автопортретах Фриды — непрекращающаяся боль в позвоночнике, предательство мужа, прославленного художника Диего Риверы (который не просто постоянно изменял Фриде, но даже умудрился изменить ей с ее же сестрой), невозможность стать матерью (из-за слабого здоровья все ее беременности заканчивались выкидышами или абортами), потеря ноги и ощущение близости смерти. Тем не менее, люди, знающие Фриду, вспоминают: человека, более влюбленного в жизнь, в мире нужно было поискать.
В 6 лет Фрида перенесла полиомиелит, из-за чего одна нога стала короче другой, появилась хромота. Но Кало твердо решила доказать, что ничем не хуже других: несмотря на постоянную ноющую боль, она занималась боксом, футболом и плаванием. В повседневной жизни прятала ноги в длинные юбки.
В 15 лет прошла отбор в одну из лучших школ Мексики, собираясь изучать медицину. Параллельно начала писать картины, познакомилась с художником Диего Ривера, расписывающим стены школы. Ривера стал главной любовью ее жизни. Некрасивый полный человек, старше Фриды на 20 лет, он обладал каким-то гипнотическим обаянием и просто сводил женщин с ума: не устояла и Кало. Она твердо решила, что станет его женой. Для Диего же она была очередной влюбленной в него студенткой.
17 сентября 1925 года жизнь Фриды изменилась раз и навсегда. В обычный день она вместе с приятелем села в обычный мексиканский автобус (весьма «хлипкий», с деревянным стенками) и отправилась по своим делам. Автобус столкнулся с троллейбусом. В этой аварии больше всех пострадала Фрида: один из поручней практически пронзил девушку насквозь, повредил позвоночник, прошил насквозь тазовую кость, сломал ноги в нескольких местах.
Врачи больницы, куда привезли искалеченную Фриду, были уверены, что долго она не проживет. Но Фрида с детства привыкла бороться. Она не умерла, и даже медленно шла на поправку: обездвиженная, поскольку большая часть ее тела была скована гипсом, она могла шевелить руками, и тогда родители принесли ей краски, кисти и холст. А еще — зеркало. Фрида расписала собственный гипс, а потом написала свой первый автопортрет. Почему она изобразила себя? Потому что на тот момент
ее мир сузился до больничной койки и собственного тела. «Я являюсь той темой, которую знаю лучше всего» — позже скажет художница.
Фрида постепенно снова начинает ходить, много рисует. Увлекается коммунистической идеологией — в те годы в Мексике это течение было невероятно модным. На одной из вечеринок Фрида снова столкнулась с Диего Ривера, тем самым художником, за которого еще до аварии она обещала себе выйти замуж. Диего был пьян, эпатажен и обаятелен. К тому же, увлеченный коммунист — на тот момент Ривера был секретарем мексиканской коммунистической партии. Фрида сделала все, чтобы обратить на себя внимание. И вскоре стала его любовницей, а потом и женой. Эту любовь она называла одной из двух катастроф в своей жизни. Первая — это та самая авария.
Брак Риверы и Кало был непростым — Диего постоянно изменял, хотя и клялся жене в любви. Даже на свадьбе Фрида была вынуждена терпеть присутствие нескольких его бывших любовниц. Своих измен художник никогда не скрывал и никогда за них не извинялся.
Коммуниста Риверу приглашают работать в США, и Фрида отправляется вместе с ним. Несколько лет, проведенных в капиталистической стране, только укрепляют ее увлечение коммунизмом. А еще Фрида все глубже погружается в национальную культуру — она и раньше писала в манере, близкой народному искусству Мексики, и жизнь за границей, на контрасте, еще больше сблизила ее с национальными традициями.
Фрида начинает коллекционировать памятники древней мексиканской культуры. А уж длинная юбка с национальным орнаментом давно стала ее фирменным нарядом. Ведь она так хорошо скрывала полученные художницей увечья.
Критики преображение Кало оценили — о Фриде заговорили по всему миру.
В 1937 году, когда Фрида и Диего уже вернулись в Мексику, они приютили у себя опального Льва Троцкого. Оба восхищались «трибуном русской революции». По слухам, между Кало и Троцким даже вспыхнул роман, но доказательств у этой истории практически нет. Как нет и доказательств причастности Фриды к смерти Троцкого — но и такие слухи периодически появлялись.
Фрида умела очаровывать: по воспоминаниям современников, она, несмотря на почти не прекращающиеся боли и новые и новые операции, которые требовались для поддержания ее здоровья, любила шутить, веселиться, хохотать до изнеможения, закатывала вечеринки, пила, курила и вовсе не стремилась соблюдать рекомендации врачей. Грусть, тоска, нереализованные надежды — все это она оставляла своим картинам.
Кало мечтала о ребенке, но слабое здоровье так и не позволило ей выносить и родить. Фрида пишет себя на больничной койке, а снаружи — летящие, но связанные с ней пуповиной, находятся нерожденный эмбрион, сломанные тазовые кости, увядший цветок и другие предметы, символизирующие для нее невозможность материнства.
В 1939 году в Париже проходит выставка мексиканская искусства, и главным ее открытием становятся полотна Фриды — одну из картин приобретает Лувр!
Тогда же Фрида узнает, что муж изменил ей с ее младшей сестрой Кристиной, и пишет одну из своих самых знаменитых картин. На ней Диего склоняется над истерзанным и окровавленным телом Фриды, а черный и белый голуби держат ленточку с названием полотна: «Всего лишь несколько царапин». В то время все криминальные хроники писали о процессе над отцом, изрезавшим своего ребенка и оправдывающимся в суде фразой: «Всего лишь 20 порезов».
Фрида закатывает Диего скандал, уезжает и пускается «во все тяжкие». Изменяет пока еще мужу с мужчинами и женщинами, и это ужасно раздражает Риверу. 1939 году он просит о разводе. Но не проходит и года, как они снова вступают в брак: на этот раз на условиях, поставленных Фридой. Среди них — полное отсутствие между супругами сексуальных отношений. Диего соглашается.
В 40-е годы Фриду приглашают на десятки выставок по всему миру, но одновременно с этим ухудшается ее здоровье. Боль приходится душить наркотиками — в те годы других обезболивающих не было. К 50-м она уже с трудом встает с постели. Все это время Диего находится рядом и поддерживает жену.
В 1953 году в Мексике открывается ее первая персональная выставка, что для такой патриотки, как Фрида — великое событие. Вот только к тому времени она уже не может встать с постели: у художницы развилась гангрена и ей ампутировали часть правой ноги. Но она не может не приехать — и Кало вносят в зал на носилках, которые помещают на подготовленную для нее прямо в центре зала кровать. Художница открывает выставку.
Меньше чем через год, после персональной выставки Фрида умирает от воспаления легких. Ее последние слова: «С радостью жду ухода... И надеюсь никогда больше не вернуться...».
Несмотря на славу при жизни, после смерти о Фриде Кало многие забыли. Интерес к ней начал возрождаться в 2000-е.
В 2002 году на экраны вышел фильм «Фрида», где роль художницы исполнила Сальма Хайек. Фильм номинировался на «Оскар», а еще — породил новую волну обожания художницы. Сейчас ее работами вдохновляются топовые модельеры, ее картины продаются за рекордные деньги («Корни» на Sotheby’s оценили в 7 миллионов долларов), ее имя — в марках одежды, текилы и даже пива, а ее портрет появился на одной из мексиканских денежных купюр.
Теперь увидеть работы Фриды Кало можно и в России. В Петербург привезли 35 ее работ и около сотни фотографий, рассказывающих историю одной из самых самобытных художниц XX века.
Демон живописи. При жизни Врубеля травили, а работы называли мусором
Современники о художнике: «Кротко сносил все удары, терпел от злобы и невежества всю жизнь. Был беден и голодал, случалось, мог месяц жить на 3 рубля, питаясь хлебом да водой. Однако видел лишь то, что значительно и высоко...»
160 лет назад, 17 марта 1856 г., в Омске в семье штабс-капитана Тенгинского полка родился сын. А Через 1,5 месяца был впервые полностью опубликован «Демон» - поэма покойного поручика Тенгинского полка Михаила Лермонтова. Новорождённого сына омского офицера тоже назвали Михаилом. Фамилия - Врубель. Но его «Демону» только предстояло появиться.
Ассоциация «Врубель - Демон» настолько прочна, что некоторые не брезгуют даже попенять художнику его личной трагедией и душевной болезнью: «Логичным финалом, расплатой за демонизм стали для него смерть ребёнка и сумасшествие».
Хотя современники оставили нам иной портрет Врубеля. Его товарищ художник Константин Коровин вспоминал: «Чистейший из людей. Кротко сносил все удары, терпел от злобы и невежества всю жизнь. Был беден и голодал, случалось, мог месяц жить на 3 рубля, питаясь хлебом да водой. Однако видел лишь то, что значительно и высоко. Не копил и не жалел ни работ своих, ни денег». А вот и сам Врубель стеснительно признаётся: «Людей деревни не люблю - они постоянно ругают мать. «Мать твою», «мать туда» - это отвратительно, это невыносимо... За границей мне иногда нравится - там больше равенства. Но там презирают бедность. Это несправедливо, неверно и нехорошо. А в России есть доброта...»
Михаил Врубель родился в семье военного офицера и детство провёл в разъездах. После школы Михаил поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Впрочем, учёба будущему художнику быстро наскучила – его увлекали философия, опера и живопись.
«Это гений!»
Неизвестно, впрочем,
о какой именно доброте говорил художник. Максимум «доброты» продемонстрировал его современник критик Владимир Стасов: «Врубель очень хороший и милый человек, и даже отчасти небесталанен». Но эта жалкая похвала тут же перечёркивается следующей фразой: «Однако работы его до того нелепы и безобразны, что никакого терпения нет!»
Именно под такой аккомпанемент Врубель вошёл в высшую лигу художников своего времени. Произошло это довольно поздно - в 1891 г., когда было задумано юбилейное издание произведений Лермонтова, приуроченное к 50-летию его гибели. Для иллюстрирования отобрали 18 мастеров - Репин, Шишкин, Айвазовский... и Врубель, «до сей поры совершенно не известный широкой публике». Возможно, именно поэтому Врубелю достался самый скромный гонорар - всего лишь 800 рублей за 5 больших и 13 малых иллюстраций. Однако по-настоящему в этом проекте запомнился только он - после Врубеля больше никто и никогда не пытался иллюстрировать лермонтовского «Демона».
Зато заметили художника сразу. Пресса радостно взвыла: «Врубель - это грубость, карикатурность, уродливость, нелепость!» Даже учитель Врубеля, Илья Репин, отметил: «Михаил стал мне неприятен в этих иллюстрациях».
Надо сказать, что охлаждение было взаимным. Ещё будучи студентом, Врубель был неприятно поражён картиной Репина «Крестный ход в Курской губернии». Претензий было две. Первая - религиозная. Врубелю казался чудовищным сам сюжет: «Пьяная толпа, и нет ни одного верующего, даже среди священников! Неужели в России нет Бога?» Вторая профессиональная: «Репин срисовывает, а не рисует». Михаил Александрович не побоялся высказать это своему учителю в глаза. Одно из первых появлений Врубеля в доме мецената Саввы Мамонтова украсилось тихим скандалом. Никому не известный молодой человек, приведённый Коровиным, подошёл к Репину, который с блокнотом царствовал за столом, рисуя портрет хозяйки, и сказал: «Илья Ефимович, а ведь вы рисовать не умеете». Онемевший от такой выходки Мамонтов вытащил Коровина на террасу: «Костя, кого ты привёл?» На что получил простой ответ: «Савва Иванович, это гений».
«Рисуй и молчи»
Гений - да. Гений-труженик, не почивающий на лаврах. Неподражаемый. В прямом смысле этого слова - не замечено ни одной попытки писать «под Врубеля». Фанатичный работник. Он постоянно твердит одно и то же: «Всё время рисуй, каждый день, каждую минуту». «Ты рисуй и молчи; когда нарисуешь, тогда и говори об искусстве».
Художник Михаил Нестеров любил вспоминать такую историю. Однажды Врубель написал полотно «Моление о чаше». Гефсиманский сад, Христос, всё залито прозрачным лунным светом... Васнецов был в восторге, нашёл покупателя, тот купил картину, и оба умоляли Врубеля ничего с ней не делать. А он пошёл в цирк. Вернулся под впечатлением от номера одной наездницы, очень хотел написать её по памяти. Холста не было, и тогда он взял свой уже проданный шедевр. Когда стемнело, от «Моления о чаше» оставался незаписанным только уголок...
М.А. Врубель и его жена Н.И. Забела. Фото 1896 года.
Да, это похоже на одержимость. Но не демоном, а работой. Даже конечный результат для него был не так уж важен. Он мог изрезать рисунок, а то и вовсе его выбросить. Между прочим, именно с этого началось знаменитое врубелевское собрание Третьяковки. Художник нарисовал очередную «Голову Демона». Потом смял её и кинул на пол. Константин Коровин подобрал, сохранил и подарил Третьякову.
«Смять и выбросить» - эта судьба могла постигнуть и другие работы художника. Например, ставшие классикой панно «Микула Селянинович» и «Принцесса Грёза». Заказанные Саввой Мамонтовым в 1896 г. для павильона выставки в Нижнем Новгороде, они вызвали «ожесточённую ругань, ненависть и что-то звериное в жюри художников из академии». Их сняли и, если бы не заказчик, запросто могли бы уничтожить.
Спустя 14 лет после этого инцидента художник, поражённый душевной болезнью, полностью ослепший, умер в психиатрической лечебнице. По иронии судьбы гроб из церкви выносили те же люди, что убирали с выставки его панно.
Дата: Четверг, 04.08.2016, 00:02 | Сообщение # 100
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
10 крутейших музеев, которые можно посетить, не вставая с дивана
Внизу страницы есть изображение человечка. Кликнув по нему, можно попасть в другие залы музея и панорамно их осмотреть.
Искусство всегда вдохновляет. Оно напоминает о разнообразии мира и его красоте. Жаль, что у нас часто не хватает времени и денег на музеи, где ожидают шедевры прошлых веков.
Перед вами невероятный Google Art Project, который предлагает виртуальные туры в лучшие музеи. Начнем с 10 самых крутых!
Один из самых известных и посещаемых музеев мира. В нем можно увидеть не только работы нашего времени, но и оригиналы «Звездной ночи» Винсента Ван Гога и «Надежды II» Густава Климта. Виртуальный тур предлагает необычные экспонаты современности: оригинальные костюмы, фотографии, плакаты, скульптуры и психогеографические картины Марка Брэдфорда.
Вот здесь точно можно провести целый день! В музее собрана живопись с XIII по XX века. Рекомендуем оценить «Мадонну в скалах» Леонардо да Винчи, «Венеру и Марс» Сандро Боттичелли и «Аллегорию благоразумию» Тициана. Эти и другие шедевры доступны в виртуальной экспозиции.
В немецком музее собраны картины XIX века в стиле классицизма, романтизма, импрессионизма и раннего модернизма. Особого внимания заслуживают полотна
Эдуарда Мане «В консерватории», Гюстава Курбе «Волна» и Каспара Давида Фридриха «Монах у моря». Можно прогуляться по всему комплексу музея. Правда, некоторые картины остались без подписей.
Место, где каждый почувствует королевское величие. С помощью Art Project можно не только посмотреть на знаменитые картины («Смерть Марата» Жака Луи Давида, «Встреча Елеазара с Ревекой» Паоло Веронезе, «Геркулес поддерживает Победу» Жана Жувене), но и проследить, как менялся один из наиболее роскошных дворцов в истории. Виртуальный тур также предлагает прогулку по реалистичному парку.
Любители искусства не найдут более полного собрания работ художников из России, чем здесь. Наши фавориты — «Черное море» Ивана Айвазовского, «Изумрудное ожерелье» Виктора Борисова-Мусатова, «Дама в голубом» Константина Сомова и «Девочка с персиками» Валентина Серова.
Хотите узнать больше об индийском искусстве? Тогда выбирайте этот музей. Картины помогут познакомиться с совсем другой культурой. В музее представлены не только работы индийских художников, но и картины европейцев, которые были созданы в Индии. Стоит обратить внимание на Амриту Шер-Гил, которую часто сравнивают с Фридой Кало.
Самый посещаемый музей Италии. Кажется, на «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли можно смотреть часами! Также в Уффици можно увидеть «Поклонение волхвов» и «Благовещение» Леонардо да Винчи, «Флору» Тициана, «Музыкального ангела» Россо Фьорентино и другие известные полотна.
Место номер один для всех почитателей творчества нидерландского постимпрессиониста. Кстати, музей в Амстердаме предложит посмотреть не только на картины Винсента Ван Гога («Подсолнухи», «Едоки картофеля», «Спальня в Арле»), но и на работы его талантливых современников (например, Пабло Пикассо и Поля Гогена).
Не только невероятный художественный музей, но и большая библиотека. Советуем оценить работы авангардного художника Хуана Гриса («Бутылка Анис дель Моно», «Открытое окно», «Скрипка и гитара»). Главным экспонатом музея считается «Герника» Пабло Пикассо.
Музей, который расскажет практически все о британском искусстве. Тут собраны произведения с 1500 года до наших дней. Мы обожаем заглядывать сюда, чтобы посмотреть снова на «Офелию» Джона Эверетта Милле, «Ноктюрн» Джеймса Уистлера и «Метель» Уильяма Тёрнера.
Дата: Вторник, 23.08.2016, 10:00 | Сообщение # 101
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Похищение века. Кто и зачем украл «Джоконду»?
21 августа 1911 года из Лувра исчез знаменитый шедевр Леонардо да Винчи.
Вы когда-нибудь задумывались о том, почему именно Джоконда стала одной из самых известных кратин в истории человечества? Трудно себе представить, но когда-то о «Портрете госпожи Лизы дель Джокондо» кисти Леонардо слышали только самые искушённые любители искусства. Он был лишь одной из жемчужин Лувра, небольшой картиной, затерявшейся среди других полотен. За последнюю сотню лет многое изменилось: для нас и наших современников «Джоконда» — это, в первую очередь, бренд, знак качества и показатель хорошего вкуса. Величайшая в истории искусства кража сыграла в этом далеко не последнюю роль.
Как украсть шедевр и остаться незамеченным?
Газеты того времени преподносили происходящее как настоящую детективную историю. Журналисты писали, что около семи утра понедельника некто выскользнул из тесного чулана. Он хорошо знал, где искать свою жертву и как вынуть холст из рамы, не повредив его. Грабитель действовал быстро. Он аккуратно завернул работу в белое покрывало, сбежал по винтовой лестнице и выскользнул во двор Сфинкса. Неслыханным везением стала для него встреча с сантехником, который совершал обход и выпустил преступника, подумав, что тот всего лишь очередной работник Лувра, которого закрыли в музее на ночь. Уже в половину восьмого он оказался во внутреннем дворе музея. Один на один с будущим шедевром мировой художественной культуры.
Спустя несколько часов в «Квадратный салон» Лувра пришёл художник, который намеревался сделать копию «Моны Лизы». Отсутствие картины его не смутило, он решил, что её забрали фотографы и вернут через несколько часов. Само собой, через несколько часов картину не вернули, тогда сотрудники музея решили поторопить медлительных фотографов, но картины в их мастерских не оказалось. Когда руководство музея наконец осознало, что из Лувра пропал шедевр, наступил вечер, и грабитель бесследно растворился в городской суете.
Так 21 августа 1911 года знаменитый холст оказался в центре грандиозного скандала, а в истории искусства началась новая эра.
Расследование в тупике
Преступление вызвало панику не только в музее, но и на территории всей Франции. На следующий день
здание было закрыто для посетителей, сотрудники и полиция тщательно обыскали каждый уголок Лувра, но всё было безрезультатно. «Мона Лиза» пропала.
СМИ набросились на руководство музея, обвинив его в неспособности обезопасить сокровища. Известный журнал «Иллюстрасьон» назвал похищение «национальным бедствием» и предложил 40 000 франков тому, кто принесёт «Джоконду» в редакцию журнала, 20 000 франков тому, кто укажет местонахождение картины, и 45 000 в случае возвращения «Джоконды» до 1 сентября. Но это не подкупило грабителя. Абсолютно все первые полосы крупных европейских изданий пестрили репродукциями шедевра, французская полиция распечатала 6,5 тысяч листовок с изображением картины для распространения на улицах Парижа, «кражу века» обсуждали по всему миру. Любой, даже самый далёкий от искусства европеец мог узнать портрет прекрасной итальянки из тысячи, разговоры о ней шли повсюду. И с каждым днём, с каждым газетным разворотом и беседой за ужином «Джоконда» и её улыбка становились известнее.
Однако жандармерия и французские власти оказались бессильны перед нехитрым преступником. Расследование зашло в тупик, полицией выдвигались самые сумасшедшие версии о том, кто на самом деле совершил преступление.
Пикассо под подозрением
Первым подозреваемым в краже стал германский кайзер Вильгельм II. Французские журналисты писали, что политик приказал спецслужбам выкрасть шедевр с целью показать слабость Франции, а немцы ответили коллегам признанием кражи «Джоконды» — очередной попыткой французского правительства спровоцировать войну. Говорили об анархистах, которые таким образом решили свергнуть действующую власть, о сумасшедшем, решившемся на кражу во имя любви к блаженной улыбке флорентийки, и об американскоммиллионере Моргане, который таким образом решил пополнить свою личную коллекцию. Под подозрением оказался даже знаменитый художник Пабло Пикассо, написавший своих «Авиньонских девиц», вдохновившись украденными из Лувра статуэтками, и поэт Гийом Аполлинер, один из приятелей которого, некий Жери Пьере, за несколько лет до этого воровал небольшие музейные экспонаты. В силу отсутствия достаточной доказательной базы ни одна из версий не была подтверждена.
«Патриотическая» развязка
Нашли пропажу только спустя два года, когда неизвестный, назвавшись Винченцо Леонарди, обратился с предложением встретиться и приобрести «Мона Лизу» к флорентийскому торговцу культурными ценностями Альфреду Джери. Он был шокирован настолько, что попросил директора Галереи Уффици сопроводить его, а уже спустя несколько дней в одном из флорентийских отелей вор из чемодана с двойным дном извлёк пропавший холст. Сомнений не осталось — это был оригинал «Джоконды». Джери сразу вызвал полицию.
Вором оказался Винченцо Перуджиа. Он был художником-любителем, который родился в Думенце (что близ Милана), но, как и многие амбициозные живописцы того времени, перебрался в столицу мира искусства — Париж. Чтобы быть ближе к шедеврам, он устроился рабочим в Лувр, где трудился над установкой металлических и деревянных чехлов для полотен от вандализма. Практически восемь месяцев он проработал в залах музея и отлично знал схему здания, расположение постов охраны и конструкцию картинных рам.
Что сподвигло его на преступление? Сам Перуджиа, не отрицая своей вины, смело заявил, что хотел вернуть шедевр на родину. Он якобы не мог простить Наполеону, что тот во время Итальянской кампании вывез с Апеннинского полуострова десятки тысяч работ. Однако патриотические стремления в дребезги разбиваются о тот факт, что Перуджиа не планировал безвозмездно передать трофей государству и ранее преследовался полицией за попытку воровства. Конечно же, больше всего его интересовали деньги.
Кстати, к счастью (или к сожалению), Перуджиа плохо знал историю живописи. Леонардо да Винчи сам привёз картину во Францию, где провёл последние годы жизни, и продал французскому королю Франциску I. «Джоконда» долгое время украшала Золотой кабинет королевского замка в Фонтенбло, при Людовике XIVона была перенесена в Версаль, а позже передана в Лувр.
Решение суда и другие последствия
Итальянский суд был до глубины души тронут патриотизмом Перуджиа, его приговор был довольно снисходителен: один год и пятнадцать дней тюрьмы с уплатой судебных издержек. Во время Первой мировой войны он храбро воевал, однако после службы горе-патриот не стремился вернуться на родину: он окончательно перебрался во Францию, где прожил жизнь мелкого лавочника — торговца красками.
Гораздо ощутимее последствия произошедшего были для жертвы преступления. «Мона Лиза» после турне по Италии народной героиней вернулась во Францию в отдельном купе экспресса Милан – Париж. Криминальные сводки сделали её знаменитостью мирового масштаба. Сегодня в ней осталось очень мало от искусства, гораздо больше — от сенсации. Люди, которые стоят в гигантских очередях, чтобы взглянуть на шедевр Леонардо, не стремятся получить наслаждение от гармонии форм и цветов, им важно увидеть Её. Быть причастными к великому стало гораздо важнее анализа замысла художника.
Как украсть шедевр и остаться незамеченным? Очень просто, если кража уготована ему свыше.
Дата: Воскресенье, 06.11.2016, 10:41 | Сообщение # 102
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Стили искусства в картинках
Стили искусства в картинках. Где предлагаем вам определения нескольких известных и неизвестных современных и не очень стилей, а также проиллюстрируем их как можно более понятно.
Стили искусства в картинках нужны, в частности, для того, чтобы вы смогли узнать, в каком стиле вы рисуете (или рукоделите в общем), или какой интересный стиль вам подходит больше всего для рисования.
1. Начнём мы со стиля, который называется «реализм». Реализм — это эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. Существует множество подстилей реализма — критический реализм, социалистический реализм, гиперреализм, натурализм и множество других. В более широком смысле слова реализм — это способность искусства правдиво, неприкрашенно изображать человека и окружающий его мир в жизнеподобных, узнаваемых образах, при этом не копируя пассивно и бесстрастно натуру, а отбирая в ней главное и стремясь передать в видимых формах сущностные качества предметов и явлений.
2. Теперь перейдём к стилю под названием «импрессионизм».Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — стиль, где художники старались наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.
Пример: Дж. Уильям Тёрнер.
3. Далее по списку у нас намного менее известный, чем импрессионизм и реализм, стиль под названием «фовизм». Фовизм (от фр. fauve — дикий) — название образовалось, так как картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание
закрепилось как название всего течения. Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы.
Пример:
4. Следующий стиль — модерн. Модерн — (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, где основой был отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.
5. Затем перейдём далее. Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — выражение эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. В экспрессионизме идея эмоционального воздействия, аффектации была поставлена в противовес натурализму и эстетизму. Подчеркивалась субъективность творческого акта.
Пример: Ван Гог. «Звёздная ночь над Роной».
6. Следующее течение, которого мы коснёмся — это кубизм. Кубизм (фр. Cubisme) — направление в изобразительном искусстве, характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
7. Далее стиль под названием «футуризм». Название стиля футуризм произошло от латинского futurum — будущее. Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. Свои картины футуристы посвящали поезду, автомобилю, самолётам — словом, внимание было на все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы.
Пример:
8. И теперь переходим к стилю под названием «абстракционизм».Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
9. Далее у нас по списку течение «дадаизм». Дадаизм, или дада — название течения происходит от нескольких источников: на языке негритянского племени Кру оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае дадаизм — это нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения.
Пример:
10. И теперь мы переходим к супрематизму. Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.
11. Следующее течение, которое мы вкратце рассмотрим — это течение со странным названием «метафизическая живопись». Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica) — здесь метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.
Пример — Джорджо Моранди. Натюрморт с манекеном:
12. И теперь мы переходим к очень интересному течению по имени «сюрреализм». Сюрреализм (фр. surréalisme — сверхреализм) в основе имеет совмещение сна и реальности. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одним из величайших представителей сюрреализма в живописи стал Сальвадор Дали.
13. Далее мы переходим к такому течению, как активная живопись. Активная живопись (живопись по интуиции, ташизм, от французского Tachisme, от Tache — пятно) — течение, которое представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
Пример:
14. Предпоследний на сегодня стиль — это поп-арт. Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) порождает произведения искусства, для которых были использованы элементы „народной культуры“. То есть, Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст (например, изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и так далее).
Пример:
15. Соответственно, последнее на сегодня направление — минимализм. Минимал арт (англ. Minimal art), также Минимализм (англ. Minimalism), Иску́сство ABC (англ. ABC Art) — это течение, которое включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.
Пример:
Таким образом, существует огромное количество стилей искусства — которые преследуют свои собственные цели.
Дата: Четверг, 05.01.2017, 23:39 | Сообщение # 103
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
9 музеев мира, которые можно посетить, не выходя из дома. Виртуальные осмотры.
Чтобы Берлин, Нью-Йорк и Париж, не обязательно тратить деньги и время. По лучшим музеям, расположенным в городах по всему миру, сегодня можно бродить, не выходя из дома. Приглашаем в виртуальное путешествие по самым интересным сокровищницам искусства.
1. Старая национальная галерея в Берлине
Здесь хранятся картины XIX века – шедевры романтизма, импрессионизма, раннего модернизма из коллекции Фонда прусского культурного наследия. По всем залам галереи можно совершить виртуальный тур, причем большинство картин подписано и хорошо оцифровано: их можно приблизить, чтобы разглядеть все детали. Наибольшего внимания заслуживают полотна «Монах у моря» Каспара Давида и «В консерватории» Эдуарда Мане.
2. Сент-Шапель в Париже
Часовня Сент-Шапель – не совсем музей, но один из самых известных и удивительных памятников готической архитектуры. Ее невероятно красивые витражи рассказывают об истории человечества: всего здесь изображено 1113 сцен. Удивительно, что многие из витражей, которые можно увидеть в Сент-Шапель сейчас, сохранились еще с XIII века, пережив даже Французскую революцию (в то время как многие христианские реликвии, хранившиеся в часовне, были уничтожены). Онлайн-экскурсия позволяет получить представление о красоте этого места, однако, если вы хотите повнимательнее рассмотреть витражи, часовню лучше посетить лично.
3. Галерея Уффици во Флоренции
Один из самых посещаемых музеев Италии. Ежегодно сюда, чтобы увидеть картину Боттичелли «Рождение Венеры», съезжаются сотни тысяч людей со всего мира. Благодаря онлайн-туру у каждого пользователя Сети есть возможность рассмотреть шедевры мирового искусства в мельчайших деталях: многие из картин оцифрованы. По галерее можно ходить часами!
4. Британский музей в Лондоне
В рамках виртуальной экскурсии посетить можно только несколько залов главного историко-археологического музея Британии – те, что расположены на его первом этаже. Зато очень многие экспонаты удастся рассмотреть в большом формате. Особого внимания здесь заслуживает собрание графики и гравюр Микеланджело.
5. Театр-музей Сальвадора Дали в Фигерасе
Это место номер один для всех почитателей творчества художника-сюрреалиста Сальвадора Дали. Виртуальный тур доступен на сайте музея. Пройтись можно только по некоторым выставочным залам, но не спешите расстраиваться: в виртуальной экспозиции представлены такие знаменитые работы Дали, как «Комната с лицом Мэй Уэст» и «Дождливое такси».
6. Сикстинская капелла в Ватикане.
Невероятный памятник эпохи Возрождения. Над фресками, украшающими стены капеллы, работали Боттичелли, Перуджино, Гирландайо. Поистине легендарная – фреска «Страшный суд» Микеланджело. Обычно в Сикстинской капелле очень много народу, и рассмотреть всю поражающую воображение живопись довольно сложно. Поэтому виртуальный тур – это настоящее спасение. Наслаждайтесь!
7. Лувр в Париже.
Мекка всех ценителей искусства. Именно здесь хранится знаменитая «Мона Лиза» Леонардо да Винчи, Венера Милосская, «Плот «Медузы» Теодора Жерико и многие другие произведения. Чтобы обойти все 58 с лишним тысяч квадратных метров, которые занимает музей, потребуется не один день. Зато начать знакомство с Лувром можно на сайте музея: здесь удастся совершить несколько виртуальных экскурсий – например, посмотреть экспозицию, посвященную древнему Египту.
8. Музей Михаила Булгакова в Москве.
Музей, посвященный великому писателю, стоит посетить каждому! Погулять по «нехорошей квартире» №50 (по сюжету «Мастера и Маргариты», Воланд жил именно в ней) можно и виртуально. Вам доведется заглянуть в кабинет Булгакова, побывать в гостиной, увидеть экспозицию «коммунальная кухня». Экспонаты, представленные в музее, оцифрованы, так что их можно неспешно и детально рассмотреть.
9. Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке.
Рассказывает практически все о современном искусстве. Музей известен не только своей экспозицией, но и необычным зданием в виде перевернутой башни. Посетители сначала поднимаются на верхний этаж, а затем по спирали осматривают экспозицию и спускаются вниз. Благодаря онлайн-туру у каждого есть возможность повторить маршрут! Кроме того, экспонаты, представленные в виртуальной коллекции, можно внимательно разглядеть во всех деталях.
Забавные миниатюрные диорамы японского художника Татсуя Танака
Когда человек взрослеет, у него в душе умирает ребёнок. Но к счастью, такое случается не с каждым.
Японский художник Танака Тацуя (Tanaka Tatsuya) – исключение из правил. Он не утратил детское воображение. Каждый день, начиная с 2011 года, он создаёт миниатюрные диорамы из еды и обычных предметов.
НЕВЕРОЯТНО КРАСИВЫЕ ЗИМНИЕ ПЕЙЗАЖИ ЕВГЕНИЯ КАРЛОВИЧА
Евгений Карлович родился 9 августа 1967 года в г. Кривом Роге. Живописью начал увлекаться с раннего детства. Любимыми были и остаются русские художники Левитан, Шишкин, Айвазовский, Нестеров, Васнецов. Любимый жанр – пейзаж. Направление – классический реализм. Техника исполнения – масляная живопись. В работах автор ценит композиционную завершенность, точность тональных отношений, стремиться передать ощущение света и воздуха в картине, донести зрителю красоту окружающего мира, тончайших изменений в природе. Среди ценителей работ художника не только жители Украины. Его работы также находятся в частных коллекциях на территории США, Германии, Словакии, Австралии, России.
