Дата: Понедельник, 17.04.2017, 10:37 | Сообщение # 106
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Портреты из Фаюма - чудо, дошедшее до нас.
Фаюмские портреты – древнеримские провинциальные портреты, названные в честь египетского оазиса Фаюм, где они были найдены.
Эллины, обосновавшиеся в Египте в период 1 века до н.э. - 3 века н.э., использовали такие портреты в своём погребальном культе, располагая их на саванах примерно так, как сегодня на памятниках выполняют фото.
Первое описание погребальных портретов датируется 1615 годом, когда итальянский исследователь Пьетро делла Валле привёз в Европу из оазиса Саккара-Мемфиса два портрета. Они и сегодня хранятся в коллекции Государственного художественного собрания Дрездена.
И хотя интерес к культуре Египта был весьма высок, следующий раз о погребальных портретах заговорили только в 19-ом веке. В 1827 году появилось ещё два портрета, правда, информация о том, откуда они были привезены, до сегодняшнего дня не дошла. Не исключено, что это были Фивы или опять Саккара.
В 1820 году по заказу правительства Германии барон Минутоли приобрёл несколько погребальных портретов, но они погибли вместе с другими древними артефактами при кораблекрушении. Несколько портретов были привезены в Лондон и во Флоренцию. Людей, изображённых на портретах, считали членами семьи архонта Поллиоса Зотера из Фив, который многократно упоминается в письменных источниках, но это мнение оказалось ошибочным.
Когда в 1885 году Хант и Гренфелл начали раскопки в Файюме, им даже в голову не приходило, что эта кампания сделает их всемирно известными. Во время своей экспедиции археологи обнаружили в греко-римских захоронениях Фаюма мумии, завёрнутые в куски использованного папируса.
Во время раскопок и были обнаружены так называемые "портреты из Файюма". Находили погребальные портреты и позже.
В отличие от коренных жителей, вместо традиционных масок, римские колонисты делали портреты умерших.
На некоторых портретах краски выглядят ещё свежими. Главная особенность фаюмских портретов заключается в том, что при их создании использовалась сусальное золото.
Выполнялись портреты на древесине различных пород как местных (тис, смоква, липа, платан), так и импортированных (сосна, кедр, кипарис, кедр, дуб).
На сегодняшний день известно 800 фаюмских портретов. Кстати, в музее им. Пушкина в Москве имеются несколько отличных образчиков фаюмской живописи.
«Искусство, которое согревает душу», - так говорят о творчестве петербургского художника Галины Чувиляевой. Её работы, словно солнечные лучи в ненастный день: мягкие, наивные, немного грустные и задумчивые, а персонажи, будто сотканы из света и тепла. Каждая картина этой художницы - солнечное послание послание, которое несёт людям только положительные эмоции и позитивное настроение.
Ангелы в работах Галины – настоящее чудо. Маленькие, наивные, с цветами или игрушками в руках... Им не чужды чувства людей, эмоции и переживания. Они словно беззаботные дети, которые не подстраиваются под чужое мнение, ибо умеют просто радоваться жизни, тем самым, показывая нам всем пример, протягивают руку, чтобы вместе найти тот путь, что принесёт счастье. И чем дольше смотришь на эти очаровательные картины, тем ярче сияет улыбка.
Для одних ангелочки Галины – воспоминания о собственных детях, когда каждая эмоция отражалась на милом личике. Открытый взгляд, удивление, горящие от любопытства глаза, искренняя улыбка, радость и звонкий смех. Для других – это возвращение в своё беззаботное детство, затерявшееся среди сотен воспоминаний, когда в мире не было проблем, и каждый прожитый день был полон приключений. Для третьих – словно встреча собственным «Я»: хрупким, растерянным, недопонятым, но всегда настоящим и искренним. И в такие моменты хочется верить в то, что ангел с картины всегда подставит своё плечо....
Маленькие, чистые, невинные, но при этом у каждого из них в глазах горит озорство и пляшет чертёнок. Такими перед зрителем предстают дети-ангелы в работах Нэнси Ноэль.
Дата: Понедельник, 24.04.2017, 23:09 | Сообщение # 108
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
«Принц среди нищих»: бурная жизнь художника Амедео Модильяни, не признанного при жизни гения
Амедео Модельяни сегодня считается одним из самых дорогих художников ХХ века: его картины продаются на аукционах за десятки и сотни миллионов долларов. Однако при жизни художник жил не просто бедно - его бы по сегодняшним меркам назвали бы крайне асоциальным и неблагополучным типом.
Амедео Модильяни (Amedeo Modigliani) родился в 1884 году в семье некогда богатых евреев-сефардов. К моменту его рождения, а Амедео был уже четвертым ребенком , финансовые дела семьи оставляли желать лучшего, хотя его родители и старались заработать деньги изо всех сил. Родители считали, что самое важное для детей - получить хорошее образование, поэтому увлечение ребенка рисованием мать воспринимала как нечто временное и несерьезное.
Только когда в 11-летнем возрасте Амедео заболел тифом, который на тот момент считался неизлечимым, приоритеты изменились. В горячечном бреду Амедео все время говорил только об искусстве, о шедеврах итальянских мастеров, о том, что он тоже хочет и будет одним из них. После того, как мальчику удалось пережить этот тяжелый приступ болезни, родители согласились позволить Амедео бросить школу и начать брать уроки рисования.
Амедео начал посещать частную художественную студию Гульельмо Микели, и был самым младшим учеником в своем классе. Почти сразу парень определился с интересовавшей его темой - портретами людей и изображением обнаженной натуры. В какой-то момент ему пришлось оставить на целый год свое обучение из-за развившегося у него туберкулеза, а потом он поступает в новую школу искусст в Венеции. Именно там, как считается, молодой Амедео пристрастился к употреблению гашиша.
В 1906 году мама Амедео дает сыну сэкономленные деньги на переезд в Париж. На тот момент весь мир искусства был сосредоточен именно там. Казалось, стоит только приехать в этот город, как слава уже поджидает тебя. Амедео грезилось, что он уже является именитым и достойным признания художником, поэтому сразу после переезда он поселился в дорогом отеле. Однако публика не спешила покупать его картины. Они не вписывались в модное на то время течение кубизм, и итальянец все чаще рисовал не на заказ, а просто потому что не мог не рисовать.
Вскорости Амедео переехал из особняка с скромную квартирку, потом
в еще более дешевое жилье, и снова, и снова. Единственным источником денег у него была его мать, которая исправно посылала ему деньги, но Амедео не был в состоянии распорядиться этими деньгами адекватно, и потому нередко ему приходилось буквально убегать из своих съемных квартир, оставляя там свои работы, так как он не мог оплатить свое проживание. В богемной среде он был за своего, его даже называли "последним истинным представителем богемы," однако это никак не отражалось на его популярности как художника.
В какой-то момент, отчаявшись продать свои картины, Амедео стал заниматься скульптурой. Ходили слухи, что для своих работ он крал каменные блоки и деревянные шпалы с местра строительства метро в Париже. Амедео не отрицал подобных обвинений.
в 1914 году разразилась Первая мировая война, и не найдя славы в области искусств, Амедео захотелось найти ее на поле битвы, но его не взяли в армию из-за плохого здоровья. Так никогда не вылеченный до конца туберкулез делал художника слишком слабым. Амедео остался в Париже вместе с самыми именитыми людьми искусства того времени. У художника появились покровители, он стал чаще рисовать портреты известных людей, организовал свою выставку. Но при этом физическое и моральное состояние Амедео ухудшалось. Его все сильнее порабощала зависимость от наркотиков и прибавившийся к этому алкоголизм.
Амедео постоянно разрушал свое здоровье неуемными дозами гашиша и алкоголя. Художник стал вести себя грубо, неадекватно, мог разразиться гневными и оскорбительными речами на светских вечерах, а иногда и раздеться до гола. Несмотря на пагубную зависимость, многие критики сходятся во мнении, что именно благодаря ей Амедео смог выработать свой уникальный стиль. Считается, что без этих саморазрушительных наклонностей, он так бы и остался посредствнностью, а под влиянием наркотиков и алкоголя он смог сотворить свои лучшие - и непревзайденные - работы.
К тому же Амедео всегда списывал свое плохое самочувствие на алкоголизм. Увлечение алкоголем не поощрялось обществом, но это было лучше, чем сознаться, что у тебя туберкулез - в таком случае Амедео бы ждала полная изоляция. В итоге, именно эта болезнь и свела художника в могилу. Он умер в возрасте всего 35 лет от туберкулезного менингита. На тот момент он собирался обручиться со своей невестой, которая ждала их второго ребенка. Не в силах справиться с горем, она покончила жизнь самоубийством на следующий же день, после смерти Амедео.
Амедео Модильяни скончался 24 января 1920 года. На тот момент его работы продвались как "работы подающего надежды художника." Уже в 1922 году Портреты Модильяни продавались как "работы великого мастера." Искуствоведы всего мира стали писать хвалебные оды работам художника, признавая их уникальный стиль, непохожий ни на одного его современника. В 2010 году на аукционе "Сотбис" были проданы две его картины за 60,6 и 68,9 млн долларов США, а через пять лет его работа «Лежащая обнажённая» была продана за целых 170,4 млн долларов США.
о время своих первых лет в Париже Амедео Модильяни встретил Анну Ахматовуи провел с ней несколько недель в Париже. Об их встрече ни один из них не рассказывал, пока Анна не призналась об этом эпизоде своей жизни уже на склоне лет. Амедео написал несколько ее портретов, один из которых оставался с Анной всю ее жизнь.
Акварели Елены Базановой могут растопить любое сердце. Её натюрморты отличаются насыщенными красками, глубиной и необычайным реализмом
Елена Базанова — замечательная русская художница, акварелист. Является членом Союза Художников России, а также членом Сообщества Акварелистов Санкт-Петербурга.
Елена Базанова родилась в 1968 году в Ленинградской области, городе Сланцы. Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В.Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина. За свою творческую карьеру художница буквально прославилась на весь мир. Превосходные картины, небольшую подборку которых мы предоставили для вашего внимания далее, находятся в частных коллекциях не только России, но и многих других странах, среди которых Германия, США, Франция, Англия, Нидерланды, Швеция и др. Выставки картин художницы-акварелистки проходили в Санкт-Петербурге, Германии, Великобритании, Казахстане. Больше того, Елена Базанова является обладательницей престижных наград и призов, которые заслужила своими работами на выставках и Биеннале.
Акварели Елены Базановой могут растопить любое сердце. Её натюрморты отличаются насыщенными красками, глубиной и необычайным реализмом. На зрителя они производят неизгладимое впечатление. Если вы любите изобразительное искусство, цените мастерство акварельной живописи, то работы Елены Базановой смогут наглядно рассказать вам о том, что и в наше время существуют художники, которые своим творчеством могут удивлять, радовать, поражать и даже вдохновлять.
Дата: Пятница, 26.05.2017, 19:05 | Сообщение # 113
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
«Праздничный» живописец. Как инвалид Кустодиев рисовал русских красавиц.
90 лет назад, 26 мая 1927 г., умер художник. Умер, перечитывая книгу Оскара Уайльда «Портрет Дориана Грея» и работая над эскизом триптиха «Радость труда и отдыха».
Пришедших проститься поразил внешний вид покойного: «Лицо спокойное, светлое, озарено доброй улыбкой». Звали художника Борисом Кустодиевым.
Говорят, что мужчины делятся на тех, кто предпочитает худых барышень, и на тех, кто с ума сходит по женщинам в теле. Самое беглое знакомство с полотнами Бориса Кустодиева способно перетянуть в лагерь вторых даже отъявленных поклонников манекенщиц. Маститые искусствоведы признавались, что после его выставок нестерпимо хочется огненной водки, горячих блинов с икрой и общения с жаркими пышными блондинками. Скажем, утончённый эстет Александр Бенуа в 1911 г. писал: «Счастливый, щедрый, праздничный талант! Настоящий Кустодиев - это русский посад и русское село с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями».
В общем, настоящий праздник жизни. Но есть один нюанс, знакомство с которым вызывает безмерное уважение: самые известные свои полотна, брызжущие жизненной силой, Борис Кустодиев написал, будучи прикованным к инвалидному креслу.
Чем он болел?
Художник Борис Кустодиев за работой. 1926 год.
Поначалу, впрочем, случалось лишь лёгкое недомогание. Вот Борису 19 лет, он пишет матери: «Опять что-то ноет то в правой руке, то в шее, как это у меня часто бывает». Но вот ему уже 31 год. И - запись в дневнике: «Страдаю очень, особенно по утрам. Подлая рука моя болит вовсю, и вместо улучшения с каждым днём чувствую себя всё хуже и хуже. Боль адская, доводящая до крика».
Боли усиливались, художник почти не мог спать. Врачи ставят страшный диагноз: костный туберкулёз позвоночника. Корсет, лечение за границей, санатории. Всё тщетно. И только спустя 2 года в Германии уточняют диагноз. Он не просто страшный, а безысходный: «Снимите корсет. Никакого туберкулёза нет. У вас заболевание спинного мозга, скорее всего опухоль. Нужна операция».
Впоследствии выяснилось, что нужна не одна, а целых три - в 1913, 1916 и 1923 гг. После первой операции боли уменьшились, но
появилась слабость в ногах. Вторую описала дочь Кустодиева: «Нужно решать, что сохранить больному - руки или ноги. «Руки оставьте, руки, - умоляла мама. - Художник - без рук! Он жить не сможет…» Третью делали под мест¬ным наркозом, и действовал он плохо. «Четыре с половиной часа нечеловеческих страданий. Врачи говорили, что каждую минуту ждали болевого шока, и тогда - конец».
Но Кустодиев не желал и не ждал никакого конца. Более того - даже в унизительном, казалось бы, положении, находил плюсы. Тогдашние вагоны не были предназначены для людей в креслах-каталках. Единственный вариант - оформить инвалида как багаж и разместить в вагоне для перевозки животных. Не беда: «Отец ехал с пуделем, бульдогом и терьером. Всю дорогу он их рисовал, а потом говорил: «Очень хорошо! Делай, что хочешь, - никто не мешает!»
Как он работал?
Летом Кустодиев вставал в 6-7 часов утра и работал весь день, запоем. По утрам сердился только зимой и только на массажистку: «Опять Матильда спать не даёт!» Но понимал, что без полуторачасового сеанса массажа не будет никакой работы - рука попросту откажется двигаться.
«По ночам он кричит от боли, снится ему один и тот же кошмар - чёрные кошки впиваются в спину и раздирают позвонки», - вспоминала актриса Елена Полевицкая. А на самой известной его картине, «Купчиха за чаем», кошка не страшная - ласковая. И писана с натуры, как и всё остальное: «Только так будет настоящая жизнь, а иначе и работать незачем!»
Жизнь и любовь к жизни диктуют свои правила. О каждой из известных его работ можно написать длинную историю, но все они будут связаны с тем, что обездвиженный художник изводил своих ассистентов странными на первый взгляд фантазиями. Так, работая над «Красавицей», он настоял, чтобы сын отыскал и принёс непременно то самое атласное пуховое одеяло, что давным-давно было подарено художнику женой к дню рождения: «Я помню - в нём ласка, лёгкость и нега!» Когда писал «Русскую Венеру», заставлял дочь ежедневно взбивать мыло, добиваясь особенно пышных пузырей: «Их Венера-Афродита родилась из дикой пены морской, а наша - из чистой, здоровой, банной пены!»
Кстати, позировала сама Ирина Кустодиева - полненькая дочь художника идеально соответствовала образу: «Распускала волосы, выходила после ванны - для картины нужно было тело, разгорячённое после мытья». Домочадцы ладно, но Кустодиев был непреклонен даже с Фёдором Шаляпиным - всякий раз требовал надеть тяжёлую шубу. Мастерская была маленькая, душная, Шаляпин изнывал от жары. А холст был огромен, и Кустодиев писал портрет по частям, не видя целого, не имея возможности оценить свою работу. Её оценил сам Шаляпин - с этим портретом он не расставался до самой смерти.
Смотрите инфографику о творчестве художника по ссылке:
Только три русских живописца удостоились чести разместить свои прижизненные автопортреты в знаменитой итальянской галерее Уффици: Орест Кипренский, Иван Айвазовский и Борис Кустодиев. В 1910 г. к нему с этой просьбой обратился министр народного просвещения Италии Луиджи Кредаро: «Мы желаем пополнить нашу галерею произведением ныне живущего большого художника». Так что за границей Кустодиева не просто знали - почти боготворили. И, разумеется, после революции предлагали уехать. Дескать, что вам делить с этими большевиками, которые не понимают искусства. По воспоминаниям дочери, реакция Кустодиева была яростной: «Папа даже побледнел от возмущения. «Я русский, и, как бы трудно нам всем здесь сейчас ни было, я никогда не покину свою Родину!» Предлагавшему отъезд руки папа больше не подавал и всегда волновался, вспоминая этот разговор».
«Делить с большевиками» и впрямь было нечего. Революцию Кустодиев приветствовал не только словом, но и делом - свою усадьбу «Терем» под Кинешмой он подарил местному исполкому для устройства школы. И даже матросы, пришедшие в 1918 г. к нему в квартиру со словами «Сразу видно, здесь живёт буржуй», были сражены силой искусства: «Оглядев картины, матрос сказал: «Хорошее дело! Такие художники нужны пролетариату! Вот теперь какая начнётся прекрасная жизнь!»
Дата: Вторник, 06.06.2017, 19:56 | Сообщение # 114
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Монументальные картины Ильи Глазунова: гениальные полотна или неуемный пафос
Вокруг Ильи Глазунова всегда кипела буря страстей, а это только усиливало интерес к уникальному творчеству. Выставки его грандиозных работ собирали почти километровые очереди. На посетителей производили неизгладимое впечатление гигантские полотна, размером от 6 до 8 метров в ширину и 3 метра в высоту, на которых они узнавали множество знаменитых лиц.
Илья Сергеевич Глазунов - советский и российский художник-живописец.
Мировая общественность, еще не знавшая примера монументальной живописи, подобной картинам Глазунова, как по своему содержанию, так и по своей сложности, была потрясена величием и гениальностью работ художника.
Но в России ценители искусства разделилась на два лагеря: одни доказывали, что Глазунов – лучший художник земли русской ХХ века, другие, в основном официальные критики – указывали на неуемный пафос произведений, исторические косяки и неординарную плоскую технику письма. Художник почти весь свой творческий путь прошел в атмосфере травли за «пропаганду достоевщины и религиозного мистицизма», за увлеченность «проклятым прошлым» России.
«Вечная Россия» (1988 г.)- посвящение 1000-летию Крещения Руси
Путь России в сто веков - нескончаемое народное шествие, крестный ход, берущий свое начало из глубины веков.
«Боже мой, сколько силы у этой картины! Я ощущаю гордость, что я родился русским!», - восхищенная фраза одного из посетителей выставки, возле полотна «Вечная Россия», в которой и гордость за Отчизну, и восторг, и неоспоримое признание. Это титанический труд, отразивший исторический путь России, все его взлёты и падения, а также триумф и поражение, воистину всех великих ее сынов.
Присмотревшись, видим мастерски прописанные образы, архитектурные сооружения, иконы, которые не только узнаваемы, но и «звучат» как единое целое. Их на полотне около 180-ти.
Образ девочки с ясными голубыми глазами олицетворяет непорочное начало, что возродит и пробудит народ великой России.
За образом каждого из православных святых, великих князей, царей, полководцев, писателей, живописцев, ученых, композиторов, политических деятелей, творивших историю могучего государства, стоит человеческая судьба.
Как преемственность поколений запечатлел Илья Глазунов и своих родных в этой уникальной летописи. В юноше со свечой, и рядом стоящей с ним девочкой, в центре полотна, можно узнать черты родителей художника, и в левом углу картины, черты его деда, в образе государственного сановника.
«Мистерия ХХ века» (1978г.) - протест поклонению вождям всех народов за последние 100 лет
В конце 70-х прошлого века западные журналы пестрели заголовками: "Картина, которую никогда не увидят русские". В действительности, лишь по прошествии многих лет, сотни тысяч зрителей увидели в Московском Доме молодежи картину «Мистерия ХХ века».
«Мистерия ХХ века» (1978 г). Фрагмент. Апокалипсис, к которому человечество привело планету за последние 100 лет.
Масштабы полотна «Мистерия ХХ века» просто потрясают своей грандиозностью: на холсте размером 8х3 метра изображено 2342 персонажа. В целом же картина смотрится как застывший фильм-катастрофа, который демонстрирует, сколько ужаса и несправедливости натворило человечество на земле за минувшие сто лет.
Интересна и сама история создания картины: написанная в 1978 году, в конце 90-х она стала намного больше размерами, в буквальном смысле. Глазунов дописал к ней эпоху перестройки, развал Союза, приватизацию и всех деятелей, приложивших к этому руку.
На картине изображен и сам художник, притом, дважды: в левом нижнем углу – молодым, как в 70 годы, и в правом - уже в преклонном возрасте, чем показал и свою ответственность за апокалипсис, разворачивающийся на планете. А в зеркале, которое он поддерживает рукой, каждый должен был увидеть себя.
И какие бы полярные мнения ни были по поводу творчества художника, залы картинной галереи в Москве на Волхонке, 13 всегда полны посетителей. Там можно увидеть живопись и графику художника во всех возможных стилях и жанрах, и что самое удивительное: антикоммунистические полотна мирно соседствуют с портретами коммунистических лидеров, лирические сцены русской природы с идеологическими картинами, религиозно-духовная живопись с этюдами в стиле "ню". Здесь каждый найдёт себе что-нибудь по душе.
Имя Альфонса Мухи известно далеко не всем, однако картины этого художника, пожалуй, видел каждый. На них изображены прекрасные девушки славянской внешности, окруженные цветочными ореолами.
Чувственность полотен завораживает, а созданные образы настолько выразительны, что «стилю Мухи» пытаются подражать и сегодня.
В конце XIX века приобрел популярность стиль «ар-нуво» («модерн»). Представители этого направления намерено отказывались от прямых резких линий, заменяя их плавными очертаниями, тяготея к изображению «естественных» форм. Чешский иллюстратор и художник Альфонс Муха, благодаря своему уникальному творчеству, занял почетное место рядом с Густавом Климтом, Антонио Гауди, Анри Тулуз-Лотреком
Альфонс Муха родился в Моравии в городе Иванчице (сегодня это регион, вошедший в состав Чехии). Когда будущий художник был еще ребенком, на него произвела неизгладимое впечатление церковь, построенная в стиле барокко. Именно тогда у Альфонса проснулась любовь к живописи.
В юности Муха рисовал декорации к театральным постановкам. На этом все могло и закончиться, если бы художнику не поступил заказ от графа Карла Куэна Беласси на роспись стен его родового замка Эммахоф в Грушовани. Результат настолько понравился графу, что тот отправил Альфонса Муху учиться в Академию изящных искусств в Мюнхене, взяв на себя все заботы о финансовом обеспечении юного дарования. Далее последовало обучение в других престижных заведениях.
Реклама товаров, оформленная Альфонсом Мухой.
Наибольшую популярность и признание Альфонсу Мухе принесли изображения девушек на рекламных плакатах, этикетках, открытках, театральных афишах, иллюстрациях книг, ювелирных изделиях. На рубеже XIX-XX вв. каждый знал, что такое «стиль Мухи».
Утро. День. Вечер. Ночь. А. Муха, 1889 год.
Художник изображал очаровательных нимф славянской внешности с копной длинных волос в легких струящихся одеяниях в цветочном обрамлении. Красочные узоры становились
прекрасным фоном для картин.
В начале ХХ века в Париже появилось понятие «La Femme Muchas». Француженки стремились подражать чувственным, роскошным девушкам, изображениями которых они украшали свои будуары. Сам живописец настаивал, что на создание подобных образов его вдохновлял чешский фольклор.
Популярность художника позволила ему сотрудничать с самыми знаменитыми актрисами того времени, среди которых была и Сара Бернар. Муха рисовал ее портреты на протяжении шести лет.
Ярослава Муха - дочь художника
В 1906 году Альфонс Муха переезжает с молодой супругой в США. Там его ждет слава, но художнику тяжело воспринимать все сквозь призму коммерциализма, присущему американцам. Он мечтает об обратном возвращении в Чехию.
В 1910 году художник возвратился на родину. Он понял, что прежнее творчество уже изжило себя, и начал работу над серией монументальных картин, получивших название «Славянская эпопея».
Дизайн денежной купюры номиналом в 100 крон от Альфонса Мухи, 1920 год.
В 1920-е популярность стиля ар-нуво сошла на нет. У работ Альфонса Мухи уже давно не наблюдалось того успеха, какой был в конце XIX века. Художники-авангардисты вовсю потешались над картинами художника, считая ар-нуво пережитком прошлого.
Интерьер ювелирного дома Жоржа Фуке, оформленный Альфонсом Мухой..
Тем не менее, когда в 1939 году нацисты оккупировали Прагу, одним из первых, кого забрали на допросы сотрудники гестапо, стал Альфонс Муха. Оказывается, прославление славянской культуры в его творчестве стояло поперек горла немецким оккупантам. Вскоре художника отпустили, но пребывание в нацистских казематах имело самые плачевные последствия. 79-летний престарелый живописец сильно простыл и скончался от воспаления легких.
Дата: Четверг, 22.06.2017, 23:35 | Сообщение # 116
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Феномен русского авангарда. Будущее 100 лет назад
«Чёрный квадрат» в «красном углу» выставки «0,10». 1915 г.
Русский авангард вышел далеко за рамки живописи, объединив все виды искусства первой половины XX века, в том числе архитектуру, скульптуру, кинематограф, дизайн, литературу. Он повлиял на развитие художественной культуры Европы и всего западного мира. Но самое важное — он первым отважился бросить вызов всему традиционному искусству.
Художественная революция
Хронологию русского авангарда принято отсчитывать с 1907 года, когда была образована творческая группа «Голубая роза». Несмотря на то, что Виктор Борисов-Мусатов, Павел Кузнецов и другие входившие в неё художники-символисты, не были авангардистами, именно их идеи положили начало революции в искусстве.
В своё время Пушкину, Гоголю, Достоевскому и другим величайшим русским авторам XIX века удалось освободить литературу от подчинённой роли — они сделали её трибуной для выражения общечеловеческих ценностей. Но не всем видам искусства так же повезло: вплоть до XX века многие считались вторичными, были вписаны в традиции и ограничены правилами.... Художники, скульпторы, музыканты чаще всего обслуживали интересы богатых лиц, выражали интересы государства или религиозных организаций.
Василий Кандинский. В белом II, 1923 год
Подобное положение дел уже давно не устраивало деятелей искусства, но переломить ситуацию удалось лишь авангардистам, а фоном для этого послужила Революция 1905-1907 годов.
Авангардисты бросили вызов всему традиционному, при этом вдохновляясь
народным творчеством и опытами западных авторов. Например, Поль Сезанн научил русских художников пониманию значения цвета и абстракции, Пабло Пикассопоказал новые способы работы с пространством, а итальянские футуристы предложили обоснование новой эстетики: красота — в скорости, в движении, в прогрессе.
Начав с западных образцов, в первые пять-семь лет русское авангардное искусство прошло путь, на который европейцам потребовалось несколько десятилетий. Так русский авангард, объединивший самые разные течения искусства ХХ века (конструктивизм, кубизм, орфизм, поп-арт, сюрреализм, фовизм) оказался флагманом мирового творчества, за что и получил своё название. Термин «русский авангард», объединяющий явление русского искусства начала XX века, появился «задним числом». Он был позаимствован в 1950-е годы из военной лексики — так называли отряд войска, находящийся впереди главных сил.
Пароход современности
Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат, 1915 год
Иконой всего мирового авангардизма принято считать «Чёрный квадрат»Казимира Малевича, первое появление которого произошло на выставкехудожника Ивана Пуни в 1915 году. Малевич повесил свою картину в так называемом красном углу (месте, где в деревенских домах висели иконы). Но он не подразумевал никакого оскорбления традиционной религии, а создавал новую в искусстве, считая, что отныне художнику не нужна история, главное — сама композиция, мазок кисти, яркое пятно посреди абстрактных форм.
Авангардисты отказывались от подражания действительности, «сбрасывали с парохода современности» классиков и создавали «новую реальность». Их преобразования охватывали все виды творчества и даже стирали между ними границы. На театр влияла модернистская литература, на литературу живопись, а архитектура вторгалась в поле скульптуры, живописи, театра...
Владимир Татлин. Модель памятника III Интернационалу, 1919-1920 годы
«Мы пришли переклеить обои вашего вкуса; мы хотим перекрасить полы, побелить стены душ», — гласил эпатажный лозунг на страницах первого и единственного выпуска «Газеты футуристов», вышедшего под редакцией Владимира Маяковского.
Главное же отличие русских авангардистов заключалось в том, что они стремились изменить мир, а не решать одни лишь художественные проблемы. Подобно техническому прогрессу, художники повлияли на массу вещей, которые сегодня нам кажутся естественными: искусство фотографии, дизайн печати, интерьера, одежды. А если присмотреться к их «утопическим» архитектурным проектам, кажется, будто авангардисты и вовсе умели предсказывать будущее.
Открытый финал
Как замечают искусствоведы, особенно охотно авангардисты создавали «новую реальность» в голодные послереволюционные годы, когда нуждались в лишнем заработке. Казимир Малевич вместе с учениками раскрашивал в Витебске дома супрематическими граффити, художники-конструктивисты во главе с Александром Родченко разрабатывали проекты уличных киосков, а в это время его жена Варвара Степнова придумывала геометрические узоры для тканей Московской ситценабивной фабрики. В итоге к середине 1920-х годов многие авангардисты не только преуспели в создании «новой реальности», но и стали успешными коммерческими художниками. Однако свободное искусство в СССР было обречено.
Аристарх Лентулов. Колокольня Ивана Великого, 1915 год
Концом русского авангарда принято считать 23 апреля 1932 года, когда Политбюро ЦК ВКП(б) выпустило постановление «О перестройке литературно-художественных организаций». Согласно документу, все художественные организации, объединения и группы были ликвидированы или согнаны в Союз художников (куда набирали всех подряд, независимо от взглядов и направлений в работе).
Александр Родченко. Рекламный плакат для Резинотреста, 1923 год
Главным направлением в искусстве официально провозгласили соцреализм, но русский авангард не исчез вместе со своими создателями. Выйдя за пределы страны, он оказал влияние на всю мировую художественную культуру. А в конце XX века получил новую волну интереса, притом, что в России массовый зритель часто обходит музейный залы русского авангарда стороной и продолжает споры, является ли «Чёрный квадрат» искусством.
Разорванные полотна картин и сломанные фрагменты скульптур редко являются частью авторского замысла. Узнайте, какие произведения искусства были случайно повреждены или даже уничтожены.
Желание всерьёз прикоснуться к прекрасному, попытка сделать захватывающее селфи или следствие человеческой неосторожности — у каждой инцидента были свои причины. И далеко не все шедевры «отделались лёгким испугом». Причём от случайностей шедевры страдают ничуть не реже, чем от сознательных действий злоумышленников.
Вазы династии Цин в английском музее
Десять лет назад посетителю Кембриджского музея искусств и истории вручили Всемирную премию за глупость (в 2003–2008 годы ею награждали в Канаде за «наиболее выдающиеся достижения в области тупости и невежества»).
42-летний Ник Флинн победил в номинации «Превращение глупой ситуации в наиглупейшую»: он наступил на шнурок собственного ботинка и разбил три китайские вазы времён династии Цин. Их общая стоимость оценивалась более чем в полмиллиона долларов. Посетитель спускался по лестнице, но внезапно запутался в шнурках и стал падать прямо на трёхсотлетние экспонаты. Формально Флинн сбил только одну вазу, но дальше всё произошло, как в кино: первая ваза опрокинула вторую, и все вместе они упали на третью.
Мужчина не растерялся и заявил, что сотрудники музея сами виноваты в случившемся, потому что не предусмотрели никакой защиты для этих предметов, да и вообще вазы стояли на подоконнике. Правда, они спокойно простояли там более 40 лет — до шнурков Флинна. Позднее Ник уверял, что музей должен быть ему благодарен за возросшее количество посетителей — многие приходили посмотреть именно на место инцидента.
Что же касается судьбы ваз, то они разлетелись на тысячи мелких осколков. Их даже собирали по музею несколько дней, а уж в возможность восстановления вообще никто не верил. Но спустя год экспонаты были отреставрированы. Флинн ограничился запретом на приближение к музею, и то лишь на несколько недель. Сам виновник инцидента заявил, что и этот запрет не соблюдал, приходил в музей и будет приходить в него ещё.
Статуя Девы Марии эпохи Возрождения
Три года назад в музее Флорентийского собора возник страшный переполох. Кто-то отломал палец у 600-летней статуи Девы Марии работы Джованни Д’Амброджо. «Вредителем» оказался 55-летний американец Патрик Бродерик, работающий в Коннектикуте хирургом: казалось бы, человек такой профессии должен быть особо острожным с чужим организмом.
Как впоследствии выяснилось, незадачливый турист
во время экскурсии захотел «дать пять» памятнику эпохи Возрождения или, как утверждают другие источники, оценить размер ладони скульптуры. В результате мизинец каменной Девы Марии остался у него в руках. Что произошло дальше, доподлинно не известно. По одной версии, сотрудники музея заметили, что Бродерик чересчур приблизился к статуе, и они пытались его остановить, но было уже поздно. Согласно другому мнению, хирург оставил палец рядом с изваянием, а сам сделал вид, что ничего не произошло, и с равнодушным лицом медленно направился к выходу — и только там его остановила музейная охрана.
Бродерика арестовали на глазах у жены и двоих детей и заключили под стражу. После допроса он был освобождён. Музей не потребовал даже уплаты штрафа. Бродерику повезло — отломанный мизинец не был оригинальным, скульптура ранее была на реставрации, и её пальцы были уже не мраморными, а гипсовыми.
Переносной стул Наполеона
А в феврале 2014 года конфузный случай произошёл на выставке «Наполеон в лагере», что проходила на Корсике, родине великого императора. Земляки легендарного Наполеона к его памяти отнеслись утилитарно: охранник сел в походное складное кресло Бонапарта и порвал его.
Чем руководствовался музейный работник, как никто другой знающий, что к экспонатам стоит относиться бережно, — неизвестно: то ли хотел проверить стул на прочность, то ли почувствовать себя Наполеоном, императором. Так или иначе, кожа на кресле разорвалась, а дерево треснуло. Двести лет назад это кресло выдерживало «маленького капрала» при его росте около 170 см и весе примерно 80 кг, однако сначала его не пожалело время, а затем и охранник-земляк.
Виновник подвергся дисциплинарному взысканию. А повреждённый экспонат был немедленно отдан на реставрацию и восстановлен всего за несколько дней — быстрее, чем новость о случившемся распространилась по всему миру.
Статуя португальского короля XVI века
Совсем недавно, весной 2016 года, в Лиссабоне серьёзно пострадала статуя португальского короля Себастьяна I, о личности которого в народе ходят необычные легенды. Дело в том, что король погиб в возрасте 24 лет во время крестового похода в Марокко, но его тело найдено не было. Именно поэтому существует поверье, будто бы в трудный для страны период Себастьян I вернётся и спасет её.
А в апреле этого года некий юноша, по всей видимости, любитель селфи, взобрался на постамент памятника и собирался сфотографироваться вместе с ним. Внезапно фигура короля упала и разбилась вдребезги. Молодой человек предпринял попытку бегства, но был задержан сотрудниками полиции.
Статуя была установлена у входа на лиссабонский вокзал Росиу 126 лет назад и находилась под защитой государства. Защита оказалась не слишком эффективной. идирует.
Картина Пикассо
В 2006 году американский миллиардер Стив Винн намеревался продать картину Пабло Пикассо «Мечта», но сделка была сорвана — на полотне зияла дыра.
За пару дней до продажи коллекционер устроил встречу с друзьями и решил «напоследок» показать им полотно — не смог отказать их настойчивым просьбам. Он подвёл всех к «Мечте», остановился неподалёку и стал рассказывать о творчестве Пикассо. Внезапно он совершил неловкое движение рукой и продырявил шедевр локтем. «Что ж, хорошо, что это сделал я, а не вы», — сказал миллиардер.
Есть мнение, что инцидент произошёл из-за глазной болезни Винна — пигментного ретинита: он приводит к сильному ухудшению периферийного зрения и его нечёткости. Миллиардер мог просто не оценить дистанцию до картины и не рассчитать масштабов своих движений.
Правда, существует версия о намеренных действиях Винна. Спустя семь лет «Мечта» была отреставрирована и всё-таки продана за 155 миллионов долларов — даже по ещё большей цене, чем была установлена при первой сделке.
Многострадальный Пикассо
Шесть лет назад в нью-йоркском музее «Метрополитен» была продырявлена ещё одна картина Пикассо — «Актёр». Вероятно, гостья была до того впечатлена почти двухметровым полотном, что не смогла сдержать своих чувств. Она потеряла равновесие и упала на полотно, оставив в нём 15-сантиметровую дыру. По словам реставраторов, ущерб не был настолько значительным, и восстановление заняло три месяца.
Фреска XIX века
Фреска испанского художника Элиаса Мартинеса «Се человек» в ряду повреждённых шедевров стоит особняком — в 2012 её испортили, пытаясь реставрировать.
«Се человек» — частое название (цитата библейских слов Понтия Пилата) картин и скульптур, на которых изображён страдающий Иисус в терновом венце. Фреска была частью росписи храма в городе Борха и со временем медленно разрушалась. С разрешения настоятеля храма местная 80-летняя прихожанка Сесилия Хименес вызвалась отреставрировать произведение. Занималась она этим два года, а когда вернула — фреску было не узнать. Изображение Спасителя стало похожим на что-то мохнатое, фреску мгновенно прозвали «Пушистый Иисус» и «Се обезьяна».
Фреске захотели вернуть истинный вид — нанесённые пенсионеркой слои планировалось счистить. Но внезапно возникло целое движение поклонников «нового образа». Они подали петицию в защиту «Пушистого Иисуса», сравнивая это случайное во многом произведение с картинами художников-примитивистов (их полотна похожи на детские рисунки или наскальную живопись). В конце концов, руководство храма приняло решение оставить фреску «отреставрированной» — возможно, потому, что благодаря ей городок прославился, а «Пушистый Иисус» стал привлекать туристов.
Руки Венеры Милосской
Ни один из ныне живущих людей не видел скульптуру Венеры Милосской целой: недаром она известна как «безрукая богиня».
Скульптура, созданная примерно за сто лет до нашей эры, была найдена в 1820 году на острове Милос в Эгейском море. Её обнаружил французский моряк на месте античного театра. Тогда ещё у статуи были руки. Остров Милос тогда принадлежал туркам, а моряк, конечно же, захотел вывезти шедевр во Францию. Но местные турки тоже поняли ценность находки и начали за неё натуральную драку, в том числе дёргая и статую. В итоге выиграли французы, а проиграли турки, скульптура и весь мир — в процессе драки руки у статуи были оторваны.
Концептуальная работа постмодерниста
Случай с картиной одного из основных художников постмодернизма Йозефа Бойса «Олень» напоминает анекдот. В 1986 году в немецкой Академии изобразительных искусств Дюссельдорфа была организована выставка, где «Олень» и предстал перед публикой. Однажды после закрытия экспозиции, в процессе уборки, сотрудник музея принял изображение на полотне за жирное пятно. Как ответственный работник, он тщательно оттёр его шваброй и не оставил от произведения современного искусства и следа.
Дата: Пятница, 20.10.2017, 10:49 | Сообщение # 118
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
История одного шедевра: «Карта Ада» Боттичелли
Великому флорентийцу Данте от великого флорентийца Боттичелли по заказу богатого флорентийца Лоренцо Медичи. «Божественная комедия» первого вдохновила второго на деньги третьего создать десятки манускриптов, подробнейшим образом иллюстрирующих литературный шедевр XIV века.
Наибольший интерес вызывает своего рода инфографика Ада - карта, следуя по которой за героями «Божественной комедии» можно в деталях рассмотреть мучения, которым подвергаются грешники. Зрелище не для слабонервных.
Сюжет
Боттичелли изобразил Ад в виде воронки. Некрещеные младенцы и добродетельные нехристиане в лимбе преданы безболезненной скорби; сладострастники, попавшие во второй круг за похоть, терпят кручение и истязание ураганом; чревоугодники в третьем круге гниют под дождём и градом; скупцы и расточители перетаскивают тяжести с места на место в четвертом круге; гневливые и ленивые вечно дерутся в болотах пятого круга; еретики и лжепророки лежат в раскалённых могилах шестого; всевозможные насильники, в зависимости от предмета надругательства, мучаются в разных поясах седьмого круга — кипят во рву из раскаленной крови, терзаемы гарпиями или изнывают в пустыне под огненным дождем; обманщики не доверившихся томятся в щелях восьмого круга: кто влип в кал зловонный, кто кипит в смоле, кто в цепи закован, кто мучим гадами, кто выпотрошен; и девятый круг уготовлен тем, кто обманул. В числе последних и вмёрзший в лед Люцифер, который терзает в трёх своих пастях предателей величества земного и небесного (Иуду, Марка Юния Брута и Кассия — предателей Иисуса и Цезаря соответственно).
Увеличив карту, можно в подробностях разглядеть мучения грешников. Эмоции и чувства каждого из персонажей подробно выписаны
Карта Ада была частью большого заказа — иллюстрирования «Божественной комедии» Данте. Неизвестны точные даты создания манускриптов. Исследователи сходятся, что Боттичелли начал работу над ними в середине 1480-х и с некоторыми перерывами был занят ими до смерти заказчика — Лоренцо Великолепного Медичи.
Сохранились не все страницы. Предположительно, их должно быть около 100, до нас дошло 92 манускрипта, из них полностью раскрашено четыре. Несколько страниц с текстом или цифрами пусты, что говорит о том, что Боттичелли не завершил работу. Большинство же — это эскизы. В то время бумага была дорогой, и художник не мог просто взять и выбросить лист с неудавшимся наброском. Поэтому Боттичелли сначала работал серебряной иглой, выдавливая рисунок. На некоторых манускриптах видно, как менялся замысел: от композиции в целом до положения отдельных фигур. Только когда художник был удовлетворен эскизом, он обводил контуры чернилами.
На оборотной стороне каждой иллюстрации Боттичелли указал текст Данте, который пояснял рисунок.
Контекст
«Божественная комедия» — это своего рода ответ Данте
на события его собственной жизни. Потерпев фиаско в политической борьбе во Флоренции и будучи изгнанным из родного города, он посвятил себя просвещению и самообразованию, в том числе изучению античных авторов. Неслучайно в «Божественной комедии» проводником является Вергилий, древнеримский поэт.
Темный лес, в котором герой заблудился, — это метафора грехов и исканий поэта. Вергилий (разум) спасает героя (Данте) от страшных зверей (смертные грехи) и проводит через Ад в Чистилище, после которого на пороге рая уступает место Беатриче (божественная благодать).
Судьба художника
Боттичелли был из семьи ювелиров и должен был заниматься золотом и другими драгоценными металлами. Однако выполнять эскизы, рисовать мальчику нравилось гораздо больше. Погружаясь в мир фантазий, Сандро забывал об окружающем. Он превращал жизнь в искусство, и искусство становилось для него жизнью.
«Весна» Боттичелли, 1482
Среди своих современников Боттичелли не воспринимался как гениальный мастер. Да, хороший художник. Но то был период, когда творили многие, ставшие впоследствии известными мастера. Для XV века Сандро Боттичелли был надежным мастером, которому можно было доверить роспись фресок или иллюстрацию книг, но никак не гений.
«Рождение Венеры» Боттичелли, 1484−1486
Боттичелли покровительствовали Медичи, известные ценители искусства. Считается, что пока живописец последние годы жизни провел чуть ли не в нищете. однако есть сведения, что Боттичелли был не таким бедным, каким хотел казаться. Тем не менее ни своего дома, ни семьи у него не было. Сама идея брака его пугала.
В после знакомства с монахом Джироламо Савонаролой, который в своих проповедях убедительно призывал покаяться и отказаться от прелестей земной жизни, Боттичелли и вовсе впал в аскезу.
Скончался художник на 66-м году жизни во Флоренции, где и сегодня покоится его прах на кладбище церкви Всех Святых.
Дата: Суббота, 28.10.2017, 19:43 | Сообщение # 119
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Как понимать русскую живопись. «Апофеоз войны» Василия Верещагина
26 октября исполняется 175 лет со дня рождения всемирно известного русского художника-баталиста Василия Васильевича Верещагина. Одной из самых узнаваемых работ мастера считается картина «Апофеоз войны».
Существует несколько версий, как у Верещагина появилась идея создания этого полотна. По одной из них замысел художника был связан с полководцем Тамерланом и его судом над неверными супругами.
Согласно легенде, однажды к Тамерлану обратились женщины Багдада и Дамаска, которые жаловались на своих мужей, погрязших в грехах. Тогда великий полководец приказал всем солдатам своей армии принести по одной отрубленной голове развратника, а в назидание остальным сложить их в пирамиды.
Другая версия ссылается на историю о деспоте Кашгаре, который казнил европейского путешественника и приказал положить его голову на вершину пирамиды, сложенную из черепов других казнённых людей.
Однако искусствовед Светлана Капырина утверждает, что эти легенды не имеют отношения к творчеству Верещагина. На самом деле художник-баталист работал над «Апофеозом войны» в 1871 году после своей поездки в Туркестан, где состоял прапорщиком при туркестанском генерал-губернаторе Константине Кауфмане. Во время опасного путешествия Верещагин кардинально изменил своё отношение к самой идее войны: он не раз сталкивался с разрушительными последствиями военных действий, смертью и в составе небольшого русского гарнизона даже принимал участие в обороне Самаркандской крепости от войск бухарского эмира.
Всего в своей «Туркестанской серии» баталист написал свыше полутора сотен работ с боевыми действиями, природой и сценами быта Средней Азии. На этом же полотне художник задумал показать суть всех войн: страдание и смерть.
На современников Верещагина картина «Апофеоз войны» произвела ошеломляющее впечатление, хотя не все пришли в восторг от её гнетущей атмосферы. Одним из тех, кто сразу понял, что художник создал шедевр, был Павел Михайлович Третьяков, который решил приобрести полотно для своей галереи.
Подробнее о картине Верещагина и о том, чем она хороша, можно узнать в интерактивной инфографике.
Необычные деревни России. Деревня Никола-Ленивец - поселение художников.
Необычна и многолика русская деревня. Вот покосившиеся домики, кривые грядочки, да тощая бурёнка, а вот красоты природные, от которых глаз не оторвать. Здесь - тихо и все 30 жителей знают друг друга, как добрые соседи, а тут - деревенька-эталон, созданная меценатом для турбизнеса.
Арт-колхоз художника Полисского
К необычным деревням смело можно отнести поселение творческих людей - деревню Никола-Ленивец. К концу 80-х здесь была полная разруха - три жителя на всю деревню. Но на счастье молодой архитектор и просто творческий человек Василий Щетинин увидел это место и понял, что именно здесь он хочет остановиться и создать нечто необыкновенное.
Борьба за выживание деревни и превращение её в арт-объект была непростой - приходилось выкручиваться всеми силами, чтобы создать здесь привлекательное место для творческого люда. Щетинин непрестанно звал в Никола-Ленивец художников, скульпторов и прочих "ваятелей" новой волны. В какой-то момент, не без участия художника Полисского (единственного москвича из состава митьков), лёд тронулся.Всё началось со снеговиков. Зачем писать картины, решил известный бунтарь, если можно преображать само пространство? И явилась армия снеговиков из более, чем сотни отборных экземпляров. лепили не только деятели искусства - было приплачено местным, живущим неподалёку. Те решили, что только сумасшедший может платить за снеговиков, но от работы не отказались и вскоре орды снеговиков заполонили окрестности.
Дальше больше - скульптуры, арт-мероприятия, и прочие странные действа.
Сегодня деревню можно считать местом силы для творческих людей. Среди широких кругов оно малоизвестно, но не лишено особенной привлекательности, поэтому заглянуть на огонёк в деревню художников стоит - хотя бы для того, чтобы составить представление о ней.
