Дата: Понедельник, 06.10.2014, 23:02 | Сообщение # 47
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Один за всех, и все за одного. Бурлаки на Волге — кто все эти люди?!
О чем рассказывает картина Ильи Репина «Бурлаки на Волге» и почему важна каждая деталь.
1. Бечевник Истоптанная прибрежная полоса, по которой ходили бурлаки. Император Павел запретил здесь строить заборы и здания, но этим и ограничился. Ни кусты, ни камни, ни топкие места с пути бурлаков не устраняли, так что написанное Репиным место можно считать идеальным участком дороги.
2. Шишка — бригадир бурлаков Им становился ловкий, сильный и опытный человек, знавший много песен. В артели, которую запечатлел Репин, шишкой был поп-расстрига Канин (сохранились наброски, где художник указал имена некоторых персонажей). Бригадир чалился, то есть крепил свою лямку, впереди всех и задавал ритм движения. Каждый шаг бурлаки делали синхронно с правой ноги, затем подтягивая левую. От этого вся артель на ходу покачивалась. Если кто-то сбивался с шага, люди сталкивались плечами, и шишка давал команду «сено — солома», возобновляя движение в ногу. Чтобы поддерживать ритм на узких тропинках над обрывами, от бригадира требовалось большое умение.
3. Подшишельные — ближайшие помощники шишки, чалившиеся справа и слева от него. По левую руку от Канина идет Илька-моряк — артельный староста, закупавший провиант и выдававший бурлакам их жалованье. Во времена Репина оно было небольшое — 30 копеек в день. Столько, например, стоило пересечь на извозчике всю Москву, проехав со Знаменки в Лефортово. За спинами подшишельных чалились нуждавшиеся в особом контроле.
4. «Кабальные», как человек с трубкой, еще в начале пути успевали промотать жалованье за весь рейс. Будучи в долгу перед артелью, они работали за харчи и не особо старались.
5. Кашеваром и сокольным старостой (то есть ответственным за чистоту гальюна на корабле) был самый молодой из бурлаков — деревенский парень Ларька, испытывавший на себе настоящую дедовщину. Считая свои обязанности более чем достаточными, Ларька порой скандалил и демонстративно отказывался тянуть лямку.
6. «Халтурщики» В каждой артели попадались и просто нерадивые, как этот человек с кисетом. При случае они были не прочь переложить часть ноши на плечи других.
7. «Надзиратель» Сзади шли самые добросовестные бурлаки, понукавшие халтурщиков.
8. Косный или косной Косный или косной — так назывался бурлак, замыкавший движение. Он следил, чтобы бечева не цеплялась за камни и кусты на берегу. Косный обычно глядел под ноги и чалился особняком, чтобы иметь возможность идти в собственном ритме. В косные выбирали опытных, но больных или слабых.
9-10. Расшива и флаг Вид барки. На таких возили вверх по Волге эльтонскую соль, каспийскую рыбу и тюлений жир, уральское железо и персидские товары (хлопок, шелк, рис, сухофрукты). Артель набиралась по весу груженого судна из расчета примерно 250 пудов на человека. Груз, который тянут вверх по реке 11 бурлаков, весит не менее 40 тонн. К порядку полос на флаге относились не силшком внимательно, и часто поднимали вверх ногами, как здесь.
11 и 13. Лоцман и водолив Лоцман — человек на руле, фактически капитан корабля. Он зарабатывает больше всей артели, вместе взятой, дает указания бурлакам и производит маневры как рулем, так и блоками, регулирующими длину бечевы. Сейчас расшива делает поворот, обходя мель. Водолив — плотник, который конопатит и ремонтирует судно, следит за сохранностью товара, несет за него материальную ответственность при погрузке и разгрузке. По договору он не имеет права покидать расшиву во время рейса и замещает хозяина, руководя от его имени.
15. Резьба на расшиве С XVI века волжские расшивы было принято украшать затейливой резьбой. Считалось, что она помогает кораблю подняться против течения. Лучшие в стране специалисты по топорной работе занимались именно расшивами. Когда в 1870-е годы пароходы вытеснили с реки деревянные барки, мастера разбрелись в поисках заработка, и в деревянном зодчестве Средней России наступила тридцатилетняя эпоха великолепных резных наличников. Позднее резьба, требующая высокой квалификации, уступила место более примитивному выпиливанию по трафарету.
Учитель жизни. Рерих был не только художником, но и талантливым ученым
Знаменитый художник, археолог, философ, писатель, сценограф, путешественник и учитель жизни родился ровно 140 лет назад.
140 лет назад, 9 октября 1874 года, на свет появился художник, археолог, философ, писатель, сценограф, путешественник и учитель жизни, чьё имя прозвучит в Космосе. Вряд ли об этом подозревали его родители — нотариус Константин и дочь купца Мария. А маленький Николенька, в котором всё это соединилось, пока вообще не думал ни о чём.
Царя напугали
Имя Рериха по какой-то загадочной причине смешивают с мистикой, метафизикой и прочей антинаучной белибердой. Но в случае с космосом всё по-честному. Вот цитата из орбитального дневника первого космонавта Земли Юрия Гагарина: «Восход Солнца над нашей планетой своими красками напоминает картины художника Николая Рериха».
А вот что писал поэт Александр Блок: «Николай Рерих в своём художестве — отъявленный берсерк». Блок знал, как польстить другу. Берсерк в скандинавских сказаниях — одержимый бешенством воин, кусающий свой щит, не чувствующий боли и не различающий своих и чужих. Дело в том, что Рерих в начале своей карьеры был археологом — дипломированным специалистом с лицензией на раскопки. Увлекался историей Руси и Скандинавией. Сравнение с берсерком — самое то.
До сих пор археологи, занимающиеся Древней Русью, ссылаются на некоторые отчёты Николая Рериха. Довелось это и мне, когда я делал разведку на Сарском городище близ Ростова Великого, где в 1903 г. проводил работы наш герой. Удивительно, но при тогдашнем почти нулевом уровне развития археологии Николай Константинович довольно точно датировал находки — ножи, костяные гребни и керамику. X век.
Очарования хлёсткому блоковскому сравнению Рериха с берсерком добавляет и тот факт, что Николай Константинович, согласно семейной легенде, вёл свой род от самого князя Рюрика.
Всегда готов!
Мы знакомы с творчеством Рериха буквально со школьной скамьи — репродукциями его полотен «Заморские гости» и «Гонец» были проиллюстрированы школьные учебники по истории, а именно главы о становлении Древней Руси.
Гораздо менее известен Рерих-публицист. А ведь мысли, которые он высказывал в своих трудах, звучат и современно, и актуально. «Искусство принадлежит народу» — кто это сказал? Верно, Ленин. Но в том же самом 1920 г., на несколько месяцев раньше, Николай Рерих произносил в Нью-Йорке речь. Там в числе прочего звучало: «Искусство имеет много ветвей, но корень един... Дайте искусство народу, куда оно принадлежит!»
Те из нас, кто был пионером, должны помнить девиз этой организации «Всегда готов!», как известно, заимствованный у скаутов. Но задолго до развития и скаутского, и пионерского движения Николай Рерих говорил: «Я веду жизнь в ритме «всегда готов».
«По всей России идёт тихий мучительный погром всего, что было красиво, благородно, культурно... Печально, когда умирает старина. Но ещё страшнее, когда старина остаётся обезображенной, фальшивой, поддельной» — так мог бы написать академик Лихачёв или Солженицын. Но это написал Николай Рерих. Статья под названием «Тихие погромы» датирована 1911 г. А говорится в ней о «благолепной», но на самом деле губительной политике реставрации древнерусских храмов под патронажем Святейшего синода.
Премьер-министр Индии Джавахарлал Неру и Николай Рерих в долине Кулу. 1942 год. Фото: РИА Новости
«Спирит», «провидец», «махатма» — именно так привыкли описывать Рериха. На самом же деле он был неутомимый путешественник, одарённый художник, талантливый писатель, отличный археолог, прекрасный администратор и политик. Вот цитата из письма его жены: «До войны (имеется в виду Первая мировая. — Ред.) не было ни одного крупного культурного начинания, где бы он ни был избран председателем. Ибо живы были формулы: «Рерих найдёт выход из каждого положения», «Рерих видит на семь концов», «С Рерихом удача». Меньше известна его пропагандистская деятельность. И тоже зря. Плакат его работы «Кайзер Вильгельм — враг рода человеческаго» внушает трепет и по сей день. Особенно хвост кайзера, который довольно похабно торчит между ног с дьявольскими копытами и несёт на себе надпись: «Немец злой».
Приверженцы метафизики, возможно, оскорбятся, но Рерих от религии, в лоне которой был крещён, не отступал никогда. Свидетелем тому митрополит Евлогий, который публично высказался о Николае Константиновиче: «Я не знаю, насколько Рерих православный христианин. Но знаю одно — он последователь Христа».
История искусства средних веков История искусства Возрождения История искусства 17 столетия История искусства 18 столетия История искусства 19 столетия Искусство 19 и начала 20 века
Музеи мира
Академии, библиотеки, центры искусства. Виртуальные галереи живописи Краткие исторические сведения
В 2002 г. закончила Днепропетровский Национальный Университет им. О. Гончара, специальность « Изобразительное и декоративно-прикладное искусство». Живёт и работает в Киеве. В настоящее время свободный художник. Любимые жанры - портрет, пейзаж, натюрморт.
Ян Вермеер Дельфтский — жемчужина, вспышка, драма и квинтэссенция «золотого голландского века». Недолго живший, мало написавший, поздно открытый, он словно навёрстывает сейчас упущенное при жизни.
Практически ни одну из его оставшихся работ нельзя гарантированно застать на месте — они путешествуют из музея в музей, собирая тысячи зрителей даже сольным представлением.
Короткая жизнь
Вермеер родился в Делфте 31 октября 1632 года, прожил всего 43 года и умер при странных обстоятельствах. Современники полагали, что причиной быстрой и ранней смерти была нервная истощённость художника, связанная с семейными проблемами и бедностью.
Самая известная работа
Самая известная и «гастролирующая» работа Вермеера — «Девушка с жемчужной серёжкой», принадлежащая Гаагскому музею. Иногда её гастроли, например, по Японии и Америке затягиваются на годы.
Картина Яна Вермеера «Девушка с жемчужной серёжкой», около 1665 года
Два века неизвестности
До середины XIX века работы Вермеера считались третьесортными, пылились в запасниках и рядовых частных коллекциях. Художник был «переоткрыт» искусствоведами Густавом Ваагеном и Теофилом Тор-Бюргером, которые упоминали о возможных 66 произведениях. Только во второй половине двадцатого века Ян Вермеер был признан величайшим художником «Золотого голландского века».
Символы и знаки
В работах Вермеера огромную роль играют символы и знаки, часто ими он зашифровывает библейские аллегории, вопросы морали и нравственности, выбора и любви. Так, например, весы в руках у героини картины «Женщина с весами» символизируют предстоящий в конце жизни Божий Суд, на котором будут «взвешены» все помыслы и поступки.
Многодетность
Медлительность
Вермеер даже при жизни был одним из самых ярких художников «Золотого голландского века» и определённо самым талантливым в «Гильдии Святого Луки» (самом крупном объединении художников Делфта), при этом наименее «плодовитым». За всю жизнь он написал не более 40 - 45 работ ( часть из них утрачена), в то время как коллеги
зарабатывали на портретах, рисуя их по несколько штук в месяц. Купцы уважали и любили Вермеера, часто давали ему заказы, но не были довольны темпом. При этом работы Вермеера заказчиками оплачивались чрезвычайно высоко.
Работы, которые можно увидеть
Всего на сегодняшний день известно о 34 работах художника, и существует ещё как минимум три, авторство которых приписывается Вермееру: «Девушка, сидящая за вирджиналем», «Святая Праксидия», «Девушка с флейтой».
В розыске
Одна из картин — «Концерт» — была украдена 18 марта 1990 года из музея Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне. О её судьбе до сих пор ничего не известно.
Фрагмент картины Яна Вермеера «Концерт», около 1663/1666 гг.
Тёща
Тёща Вермеера — жёсткая и волевая Мария Болнес — дала согласие на брак дочери с художником только после того, как рождённый в протестантской семье Ян принял католичество. Мария настояла на том, чтобы семья дочери жила в её доме. Всю жизнь Вермеер страдал от тяжёлого напористого характера Марии, которая оказывала влияние на дочь и недолюбливала зятя за неумение зарабатывать деньги. Особое недовольство Марии вызывала «медлительность» зятя.
Дельфтская коробочка
Некоторые интерьерные работы художника изначально писались для «коробочек» — популярного способа представления картин в Делфте. Работа помещалась в специальный ящик со свечами, в ящике проделывались дырочки. Глядя на картину через них, можно было увидеть некоторую трёхмерность пространства. Одна из таких коробочек сохранилась и выставлена в Национальной галерее Лондона.
Камера-обскура
Ян Вермеер был одним из первых художников, кто воспользовался камерой-обскурой в работе над картинами. Следы использования камеры можно заметить, например, в неестественном блеске металлических предметов и неестественной белизне некоторых деталей.
Жёлтый жакет
Образ Катарины
Катарину тоже можно увидеть в работах Вермеера, хотя и не так явно и часто, как, например, Саскию Рембрандта (Вермеер был его последователем и опосредованным, через Карела Фабрициуса, учеником). Беременную Катарину мы видим на картине «Женщина с весами».
Гений света
Яна Вермеера считают непревзойдённым мастером работы со светом, больше никто и никогда не смог повторить такую тщательную, тонкую и гениальную передачу света и тени. Неизвестно, что именно позволяло художнику достигать таких результатов: талант, технические приспособления, специальные краски, которые он делал сам из очень дорогих пигментов, или, по всей видимости, уникальное сочетание всех этих факторов.
Нищета
Вермеер умер на пороге нищеты. Начавшаяся в 1672 году война изменила рынок картин. Их прекратили покупать. Художники практически перестали получать заказы. Чтобы содержать семью и сгладить недовольство тёщи, Ян вынужден был влезть в кредиты и продать почти все оставшиеся у него работы. В 1675 году Вермеер скоропостижно и без явных причин умирает. После смерти Марии вдова Вермеера Катарина вынуждена была отказаться от наследства и раздать долги кредиторам. Катарина напишет в дневниках, что «Ян умер, потому что стыдился разорения». В сохранившейся описи предметов можно найти много вещей, использованных в произведениях Яна Вермеера. В том числе знаменитый жёлтый жакет Катарины.
Кто владеет
Больше всего картин Вермеера принадлежит музеям и частным коллекционерам в США. В России нет ни одного произведения этого голландского художника.
Подделка и скандал
Работы Вермеера неоднократно пытались подделывать. Самым громким стал скандал, разразившийся в 30-х годах прошлого века, когда обнаружилось, что сразу несколько работ (одна из них — безусловно талантливая «Христос в Эммаусе») не принадлежат перу Вермеера, а написаны художником Хан ван Меегереном. К моменту разоблачения Меегерен сумел продать несколько работ на сумму около 30 миллионов долларов в перерасчёте на современный курс. При этом «подлинность» произведений признавали многие авторитетные искусствоведы и оценщики.
Илдико Нир(Ildiko Neer) - талантливая, молодая фотограф из Будапешта, Венгрия. Она создает снимки, фотографируя окружающую природу, ее красивые пейзажи и загадочные места, ретушируя их, добавляя яркие цвета или усиливая уже существующие.
"Мои фотографии выражают чувства и настроение, которые я испытывала во время своих поездок в последние несколько лет. Я чувствую себя как дома только в сказочной стране, которую создаю. Я принадлежу лесу. Я нахожусь под большими деревьями, ожидая чуда, которое вот-вот должно произойти. Я приглашаю вас отправиться в путешествие со мной. Просто расслабьтесь и летите вслед за своими мыслями".
Дата: Воскресенье, 16.11.2014, 15:07 | Сообщение # 53
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Сергей Николаевич Андрияка родился в 1958 году в Москве в семье художника. Рисовать Сергей начал в шесть лет. Потом была школа при институте Сурикова и, непосредственно, учеба в самом институте на факультете станковой живописи. Член Союза художников СССР с 1983 года.
Художник начинал своё творчество с работ масляными красками, темперой и гуашью. А затем сконцентрировал свои усилия на акварели. В 1999 году организовал Школу акварели.
Александр Ходюков родился в славном белорусском городе Витебске, где до сих пор успешно живет и творит. Его творчество, буквально, безгранично, если говорить о стилях, техниках и сюжетах. Складывается такое впечатление, что не он выбирает способ написания каждого полотна, а сюжет, который он изображает. К примеру, картину, изображающую девушку на летнем, цветущем лугу, до краев наполненную ее красотой, румянцем и красными маками, Александр Ходюков создаст в стиле импрессионизм. Для тихого осеннего пейзажа, отражающего осенний лес, идеально подойдет реализм. А все краски раннего, весеннего утра, которое только что расцвело, потому что взошло солнце, он найдет в модерне. Если рассказать отдельно о сюжетах, то они более чем разнообразны: натюрморты, морские виды, пейзажи, портреты, волшебные и сюрреалистические миры, непредсказуемые фэнтези и сверхоткровенны ню. Используемые краски также в широкой палитре: и масло, и акварель, и акрил.
Насыщенность и богатство цветовой гаммы присутствует во всех его работах, и ярко передают оптимизм и энергию художника. Современные художественные критики усматривают в его работах, созданных в реалистической манере, много общего с произведениями легендарного Тома Хэнкса. Речь идет о том самом стиле, который в современном искусстве уже назван «эмоциональным реализмом». Это то самое искусство исходит из четкого внутреннего чувства и ощущения правильного направления. Данный стиль рождается благодаря переосмыслению собственной жизни, с нахождением источников ее импульсов и разгадки ее тайн. Вот и все причины сходства – только в используемом методе, не более того.
3 декабря 1941 года в блокадном Ленинграде от голода умер Павел Филонов, знаменитый русский художник, изобретатель аналитического метода в живописи. АиФ.ru рассказывает о жизни и творчестве одного из самых загадочных творцов XX века.
Его называли гением и шарлатаном, бунтарём и пророком, гипнотизёром и сумасшедшим. Он всю жизнь жил в нищете и умер от голода, зная, что его картины стоят огромных денег. Его творчество повлияло на развитие отечественного и мирового искусства и долгие годы было сокрыто.
Сын кучера и прачки
Павел Филонов родился в 1883 году в крестьянской семье, которая перебралась в Москву тремя годами ранее. О родителях художника известно очень мало: отец, Николай Иванов, крестьянин села Реневка в Тульской губернии, до августа 1880 года был «бесфамильным», а фамилию Филонов он получил по приезде в столицу, где работал кучером. О матери художник позже вспоминал только то, что она брала стирать на дом чужое бельё за гроши.
Филонов неохотно рассказывал о детстве. После смерти отца маленький Паша как мог помогал матери зарабатывать на хлеб: вышивал скатерти и полотенца крестиком, продавал их на Сухаревской площади. В 1897 году мать художника умерла от туберкулёза. В тот же год Филонов переезжает в Петербург, где поступает в живописно-малярные мастерские и работает «по малярно-живописному делу», учится на рисовальных классах Общества поощрения художеств, а с 1903 года — в частной мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского.
Три раза он пытался поступить в академию художеств, но приняли его в конце концов только в качестве вольного слушателя «за прекрасное знание анатомии». В академии Филонов вёл себя странно. Он садился у самых ног модели и, стараясь не смотреть на неё, начинал зарисовку со ступней. Удивительно, но, когда рисунок был закончен, все пропорции модели оказывались идеально соблюдены.
Однако окончить полный курс ему так и не удалось. На одном из занятий преподаватель поставил натурщика в позу Аполлона Бельведерского и воскликнул: «Посмотрите, какой цвет кожи! Ему позавидовала бы любая женщина!». Через несколько занятий Филонов покрыл холст зеленью и прописал по нарисованному телу сетку синих вен. «Да он сдирает кожу с натурщика! — вскричал профессор. — Вы с ума сошли, что вы делаете?» Филонов, не повышая голоса, сказал, глядя профессору в глаза: «Дурак». Потом взял холст и покинул класс.
Каждый атом
Продав одну из своих самых удачных картин «Головы», в 1913 году Филонов отправился в путешествие по Италии и Франции, по которым скитался, изучая европейское и античное искусство. Вскоре он формирует теоретическую основу своего творчества. «Нужно идти не от общего к частному, а от частного — к общему», — провозглашает он. Он говорит о том, что всё в мире строится именно по этому правилу — начиная с кристаллов льда и заканчивая деревьями, животными и людьми. Он считал, что картины нужно «делать», и больше всего ценил хорошо сделанные вещи, чем не сделанные. Позже своим ученикам он говорил: «Упорно и точно вводи выявленный цвет в каждый атом, чтобы он туда въедался, как тепло в тело, или органически был связан с формой, как в природе клетчатка цветка с цветом».
В 1916 году он был мобилизован и воевал на фронтах Первой мировой. Своему другу, поэту Велимиру Хлебникову, он говорил: «Я воюю не за пространство, а за время. Я сижу в окопе и отымаю у прошлого клочок времени». После революции Филонову новой властью была доверена ответственная должность. У него был шанс сделать карьеру: он обладал прекрасными деловыми качествами, талантом, его многие уважали, а его происхождение было идеальным для того времени. Но он отказался. Через некоторое время Филонов возвращается в Петербург, чтобы стать, как он любил говорить, «чернорабочим от искусства».
После долгих скитаний в 1919 году ему удаётся получить небольшую комнату в доме литераторов, на задворках Ленинграда, в которой из мебели был только стол, кровать да пара стульев. По воспоминаниям современников, большую часть пространства комнатки занимали картины: они висели на стенах, стояли по углам. Здесь Филонов прожил до самой смерти.
Первая и последняя выставка
В 1929 году Русский музей собирался сделать персональную выставку художника. После того как картины были развешаны,
был напечатан буклет с комплиментарной статьёй, разъясняющей аналитический метод, перед самым открытием на дверях зала с экспозицией появился замок. Тираж буклета был уничтожен, и вместо него появилось гораздо более дорогое издание с репродукциями картин Филонова и идеологически «правильная» статья, в которой доходчиво разъяснялось, почему такое искусство чуждо молодой Стране Советов. Было устроено несколько закрытых просмотров, на один из которых пригласили представителей рабочих организаций.
Предполагалось, что простые, малообразованные люди, ничего не поняв в искусстве Филонова, выскажутся категорически против открытия выставки. Однако происходит обратное. Все рабочие высказываются за открытие экспозиции. Они говорят: «К картинам Филонова надо подойти и постараться понять. Кто был на германской войне, тот поймёт картину „Германская война“».
Тем не менее выставка открыта так и не была, и Филонов до конца своих дней оставался в «подполье». Он был известен только в узком кругу профессионально занимавшихся искусством людей, а широкой публике его творчество было представлено только во времена перестройки.
Дочка
Однажды в дверь Филонова постучали. У женщины в соседней комнате скончался муж, и она просила написать его посмертный портрет. Он согласился, не взяв за работу денег. Спустя три года Екатерина Серебрякова стала его женой. На момент свадьбы ей исполнилось 58 лет. Филонов был на 20 лет моложе.
Павел Филонов с женой. Фото: Кадр youtube.com
Покойный муж Серебряковой был известным революционером, и она получала довольно большую по тем временам пенсию, пыталась помочь Филонову, который постоянно голодал. Однако он отказывался от её денег, а если и брал в долг, то обязательно отдавал, записывая каждую копейку в своём дневнике.
Он называл свою жену «дочкой» и писал ей пронзительные письма, страдал от того, что не мог дарить дорогие вещи. Как-то Филонов целый месяц расписывал для неё шарф, получившийся удивительно красивым и ярким. Соседки говорили, что носить такой шарф — преступление, ведь он один такой в мире, а она с гордостью надевала его.
Несмотря на то, что у Филонова не было в СССР ни одной выставки, он был одной из ключевых фигур в художественном процессе 20-х и 30-х годов. К нему часто приезжали художники со всего СССР и из других стран, но за свои уроки он никогда не брал денег. На предложения продать хотя бы одну из своих многочисленных картин за рубеж говорил: «Мои картины принадлежат народу. Я покажу всё, что у меня есть, только как представитель своей страны или не покажу вовсе».
После начала блокады Ленинграда Филонов дежурил на чердаке, сбрасывая с крыши зажигательные бомбы: он очень боялся, что картины погибнут в огне — это было всё, что он создал за всю свою жизнь. По воспоминаниям очевидцев, Филонов, закутанный в лохмотья, часами стоял на продуваемом всеми ветрами чердаке и всматривался в летящий в квадрате окна снег. Он говорил: «Пока я стою здесь, дом и картины останутся в целости. Но я не трачу время даром. У меня столько замыслов в голове».
Смерть
Филонов умер от истощения в самом начале блокады. Это была одна из первых смертей в осаждённом городе, что, в общем-то, не удивительно: он недоедал и до начала войны, и поэтому голод забрал его первым.
Долгое время в осаждённом городе не удавалось достать доски для гроба. Несколько дней тело Филонова лежало в его комнате, накрытое картиной «Пир королей». Ещё труднее было договориться о том, чтобы вырыли могилу: были суровые морозы, и земля промёрзла. «Придя на Серафимовское кладбище, я нашла человека, который за хлеб и какую-то сумму денег согласился приготовить место, — вспоминала сестра художника. — Какой это был нечеловеческий труд! Стояли сильные морозы, земля была как камень. <…>. И, как я помню, и забыть это невозможно, он больше рубил корни топором, чем работал лопатой. Наконец я не выдержала и сказала, что буду ему помогать, но минут через пять он взял лопату от меня и сказал: «Вам не под силу». Как я боялась, что он бросит работу или, продолжая работу, станет ругаться! Но он только сказал: «За это время я вырыл бы три могилы». Добавить что-то к сумме, о которой мы договорились, я не могла, с собой у меня было только то, что я должна была отдать ему за работу, и я сказала ему: «Если бы вы знали, для какого человека вы трудитесь!» И на его вопрос: «А кто он такой?» — рассказала ему о жизни брата, как он трудился для других, учил людей, ничего не получая за свой очень большой труд. Продолжая работать, он очень внимательно слушал меня». Сестра художника Е. Н. Глебова (Филонова) так вспоминала об этом: «…он лежал в куртке, тёплой шапке, на левой руке была белая шерстяная варежка, на правой варежки не было, она была зажата в кулак. Он был как будто без сознания, глаза полузакрыты, ни на что не реагировал. Лицо его, до неузнаваемости изменившееся, было спокойно. Около брата была его жена Екатерина Александровна и её невестка М. Н. Серебрякова. Мне трудно объяснить, почему, но эта правая рука с зажатой в ней варежкой так поразила меня, что я и сейчас, более чем через тридцать лет, вижу её. <…> Рука немного откинута в сторону и вверх, эта варежка казалась не варежкой… Нет, это непередаваемо. Рука большого мастера, не знавшая при жизни покоя, теперь успокоилась. Дыхания его не было слышно. Плакали мы или нет — не помню, кажется, так и остались сидеть в каком-то оцепенении, не в силах осознать, что произошло, что его нет! Что всё, созданное им, осталось — стоит его мольберт, лежит палитра, краски, висят на стенах его картины, висят его часы-ходики, а его нет».
Женский подвиг
Все картины Филонова, которые сегодня стоят миллионы долларов, оставались в его комнате, под присмотром вдовы. Через пять месяцев блокады она поняла, что может вскоре умереть, и перебралась вместе с ними к сёстрам художника. Филонова вспоминала: «Голод всё больше давал о себе знать. Уехать из Ленинграда мы не могли, имея у себя все картины, все рукописи брата и не имея сил отдать их на хранение. <…> Неожиданно с фронта приехал Виктор Васильевич — муж нашей племянницы. Семья его была уже эвакуирована, и он зашёл узнать, живы ли мы. Увидев нас, он сразу же спросил: «Почему же вы не уехали, почему до сих пор в Ленинграде?» Мы сказали, что уехать не можем, так как у нас на руках картины и рукописи брата. Когда же из дальнейшего разговора он узнал, что у нас нет сил донести картины до музея и нет никого, кто бы помог нам, и в этом весь вопрос, он сказал, что может помочь нам. Он приехал с фронта в командировку, и сделать это надо тотчас же. Работы упакованы были так: один пакет с 379-ю работами и рукописями и второй — вал, на нём накатано 21 полотно. Когда мы поняли, что это может быть отнесено в музей и сейчас же, счастью нашему, радости не было границ. Он взял и понёс вал, а я, оказывается, пакет, в котором лежало 379 работ! Узнала я о том, что несла пакет, через двадцать пять лет. А в течение этих лет я была уверена, что пакет нёс кто-то, а я только шла с ними.
…До сих пор я не могу представить себя той поры, несущую эту тяжесть… Что же произошло? Неужели радость, что всё сделанное будет спасено, будет в музее, и мы можем наконец эвакуироваться, так как сестре становилось всё хуже, дала мне силы, но отняла память?..»
Первая выставка Павла Филонова в России состоялась в 1988 году.
5 декабря 1861 года в Москве едва сводившей концы с концами семье родился Константин Коровин. С детства он развлекал себя тем, что рисовал всё, что видит и писал пейзажи. В последствии картины художника, его эскизы для театральных постановок и балетов сделали его одним из самых авторитетных мастеров своего времени, выдающимся представителем русского импрессионизма конца XIX-начала XX века.
Константин Коровин родился в состоятельной старообрядческой семье. По настоянию родителей – окончившего университет отца и матери, происходившей из дворянского рода - Коровин в 14 лет поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
Вместо академического образования Коровин начинает путешествовать. Поначалу художника увлёк символизм, что подтолкнуло его на посещение лекций художника-эстета Модеста Дурнова, Коровин также общается с поэтами, в том числе Константином Бальмонтом.
Коровин начинает всё больше путешествовать и во время одной из поездок в Париж в конце 80-х годов XIX века знакомится с импрессионизмом. Позже он вместе с Валентином Серовым отправляется на север, где создаёт ряд пейзажей под влиянием импрессионизма.
В начале 1900-х художник переключился на театр и создавал эскизы костюмов и декорации к постановкам, операм и балетам. Коровин работал в Большом и Мариинском театрах, а также сотрудничал с миланским театром «Ла Скала».
В то же время Коровин возобновляет путешествия по Европе, но особенным местом для него остаётся Париж, где художник увлёкся импрессионизмом. В то время Ренуар и Моне продолжали активно писать, и под их влиянием Коровин создаёт целый ряд городских пейзажей.
К началу XX века Константин Коровин становится авторитетным художником, его репутация подкреплена работой с крупнейшими театрами мира. В этот период он преподаёт в МУЖВЗ, где учился в юности.
С наступлением Первой мировой войны Константин Коровин начал работать в штабе русской армии. Художник выполнял роль консультанта по маскировке.
По окончании войны и октябрьской революции Коровин активно работает над сохранением памятников искусства, организует выставки и аукционы в пользу политзаключённых, а также возобновляет сотрудничество с театром.
В Париже Коровин возвращается к городским пейзажам – он рисует Виши, Бастилию, Монмартр, однако со временем в нём просыпается ностальгия по родине и параллельно художник пишет несколько исконно русских сюжетов.
Под конец жизни Коровин потерял зрение, однако занятий искусством не бросил и вернулся к своему литературному творчеству. Он написал ряд рассказов, а в 1939 году во Франции были опубликованы его воспоминания о Шаляпине.
Дата: Воскресенье, 21.12.2014, 17:45 | Сообщение # 57
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Jinnie May— открыть искусство в себе и себя в искусстве никогда не поздно
В США, в северо-восточном прибрежном штате Нью-Джерси живет человек с особым, в чём-то необычным и даже новаторским взглядом на окружающий мир. Мало того что живет – Джинни Мэй активно делится своим восприятием с окружающими, а помогает ей в этом – живопись акварелью.
Вот что говорит художница сама о себе: “Искусство является частью моей жизни с детства, однако, было “задвинуто в сторону”, когда я начала карьеру в фармацевтической отрасли. После выхода на пенсию в 2000-м году всего одного занятия с чудесным художником и преподавателем живописи Брайаном Атьэо оказалось достаточно, чтобы вновь пробудить мой интерес. Я попалась, как рыба на приманку.”
С тех пор прошло 13 лет. В прошлом – занятия со многими преподавателями, в настоящем – Jinnie May черпает вдохновение в работах акварелистов Калифорнии, как современных, так и живших столетия назад. Под их влиянием и в результате глубокой внутренней работы созданы циклы картин, посвящённых странам, в которых побывала художница – Испания, Италия, Франция.
Джинни Мэй перепробовала много разных техник – масляные краски, акрил, смешанные техники. Но ровно так же, как оказалась её душа верна искусству, настолько же художница верна любимой технике – акварели и после всех экспериментов всегда возвращается к ней.
“Занятия акварельной живописью – мой основной способ самовыражения”- подытоживает Джинни Мэй в своих кратких презентациях и интервью, а пыльные улочки южных городов танцуют танец и каждый, глядя на картины Джинни, может к ним хоть и мысленно, присоединиться.
Искусство на экспорт: 10 картин Карла Брюллова в музеях мира
23 декабря 1799 года в Санкт-Петербурге родился один из классиков русской живописи Карл Брюллов. За годы карьеры Брюллов своими работами заслужил авторитет по всей Европе, он стал членом Миланской и Пармской академий, Академии Святого Луки в Риме, а также получил титулы профессора Флорентийской академии художеств и почетного вольного сообщника Парижской академии искусств. Большинство работ Брюллова сейчас находится в Третьяковской галерее или Государственном Русском музее, однако ряд его работ хранится в различных музеях по всей планете. АиФ.ru вспоминает 10 знаменитых картин художника, находящихся за пределами России.
Картину «Итальянское утро» Брюллов написал после приезда в Италию в 1823 году – именно она принесла ему известность среди местной публики. Она хранится в немецком «Кунстхалле» в городе Киль.
В 1828 году Брюллов написал портрет Матвея Виельгорского, камергера императорского двора, одного из величайших русских виолончелистов и знатоков классической музыки. Сейчас эта работа находится в Национальном художественном музее Республики Беларусь.
В начале 30-х годов художник нарисовал портрет действительного статского советника, князя Сан-Донато Анатолия Демидова, известного русского мецената. Работа хранится в Галерее нового искусства во Флоренции.
В миланском театральном музее «Ла Скала» хранится портрет Джудиты Пастыв образе Анны Болейн. Брюллов написал эту картину в 1834 году.
Написанный художником в 1835 году портрет Георга Клеберга теперь хранится в Художественном музее в Риге, одном из старейших музеев Латвии, основанном спустя немногим более 30 лет после создания картины.
Двумя годами позже Брюллов написал портрет одного из основоположников романтизма в русской поэзии Василия Жуковского. Картина хранится в Музее Т. Г. Шевченко в Киеве.
В 1840 году Брюллов создал портрет княгини Марии Вяземской, двоюродной тётки Михаила Лермонтова. В то время Вяземская была замужем за помещиком Иваном Беком и носила его фамилию. Сейчас работа находится в Национальной картинной галерее Армении в Ереване.
В Киевском национальном музее русского искусства сейчас хранится портрет С. Г. Лихонина, написанный художником в 1841 году.
В 1850 году Брюллов создал портрет Александра Абазы– российского государственного деятеля XIX века. Картина была написана, когда Абазе было 29 лет, а спустя ещё 30 лет он стал министром финансов России. Хранится в Художественном музее Риги.
На протяжении двух лет Брюллов работал над портретом Екатерины Титтони, матери известного итальянского негоцианта Анджело Титтони. Сейчас картина находится в коллекции Титтони и периодически выставляется в Риме.
Маргарита Карева – российский фотограф, специализирующийся на съемках в стиле фэнтези. На ее снимках изображены женщины в образе сказочных принцесс, ведьм и других фантастических персонажей. Маргарита добавляет в свои фото сюрреалистические элементы, чтобы ее работы поистине выделялись на фоне того обилия материалов, которые каждый день появляются в сети. Для этого она сочетает обработку в Photoshop с использованием настоящих декораций и разнообразного реквизита во время съемок. Источником вдохновения для фотосессиий Маргариты являются, естественно, книги в стиле фэнтези.