12 российских фильмов, которые перевернули киноиндустрию
Давай окунёмся в волшебный мир кинематографа. Да-да, как ты понял – любимого отечественного кинематографа! Не спеши закидывать камнями автора за выбор темы! Да, отечественный кинематограф полон изъянов. Но есть среди плевел комедий вроде "Беременный" жемчужины, признанные во всём мире. Единственный минус: сняты они были очень давно. Давай рассмотрим фильмы, которые не только вызвали бурный восторг у западной публики, но и были новаторскими для своего времени, и повлияли на заграничных "киноделов".
1. "Броненосец „Потёмкин“"
Реж. Сергей Эйзенштейн, 1925 г.
Как говорится, это классика, это знать надо. Эйзенштейна за рубежом вообще очень любили, кое-кто из фанатов жив до сих пор, а сам фильм долгое время считался вершиной кинематографа и неоднократно признавался лучшим фильмом всех времён и народов. Причем по версии киноакадемии США. А всё потому, что у Сергея Михайловича получилось создать ту историю, от которой даже у современного искушенного зрителя до сих пор бегут мурашки. А представь, что было в 1925-м... Это был своего рода "Титаник": люди плакали над ставшей легендарной Одесской Лестницей не меньше, чем над гибелью Джека. А злосчастный министр пропаганды Геббельс даже сказал, что после просмотра фильма хочется стать большевиком. А ведь фильм всего-то про бунт на корабле. Но как впечатляет! Ну, а про влияние на американских кинорежиссёров говорить, думаю, будет излишне. Как минимум сцену с коляской, катящейся вниз по лестнице, обыгрывали потом в сотне фильмов и мультсериалов.
А знаешь в чем секрет? В том, что Эйзенштейн постоянно доводил фильм до совершенства. В ночь накануне премьеры он собственноручно раскрашивал на больше сотни черно-белых кадров флаг над броненосным крейсером в красный цвет. Зато когда эти кадры показали, зрители устроили бурную овацию. Впечатлила, фигня!
2. "Александр Невский"
Реж. Сергей Эйзенштейн, 1938 г.
Ещё одна вещь от маэстро. При этом уровень её эпичности даже выше, чем у "Броненосца". А про влияние даже говорить не нужно, посмотрите сами, как американский кинематограф безжалостно слизывал приёмы из фильма: – в "Конан-варваре" доспехи злодеев созданы по мотивам доспехов рыцарей из "Александра Невского"; – в сериале "Клинок ведьм" ведьма видит во сне историю браслета; при этом создатели не постеснялись использовать нарезку кадров из битвы на Чудском озере; – знатные британские металлюги из Iron Maiden использовали кадры в качестве видеоряда к композиции "Hallowed Be Thy Name", при этом никого не спросили, можно или нет. Ну, а про битву сил Света и Тьмы в "Ночном Дозоре" и говорить нечего.
Можно сколько угодно восхищаться дотошностью Питера Джексона, но даже в те времена, когда киноиндустрия не была заточена под промышленность, для пущего натурализма даже доспехи делали из стали. Вообще Эйзенштейн старался всё сделать так, как будто это не фильм, а съемки настоящей битвы. Правда, сцену битвы на озере снимали летом во дворе "Мосфильма", и вместо льдин использовали крашеные доски. Но при просмотре кажется, что это настоящие льдины. Вот она, гениальная операторская работа и магия киноэкрана! Без хромокеев, товарищ! Все натурально.
Фильм вызывал огромную волну патриотизма и восхищения не только в Союзе, но и в Европе. Стоит ли говорить, как вдохновляла фраза во время Великой Отечественной: "Кто к нам с мечом пойдет, тот от меча и погибнет". Именно тогда фильм крутили во всех кинотеатрах, а Эйзенштейн получил крупнейшую в стране Сталинскую премию – 100000 рублей!
3. "Летят Журавли"
Реж. Михаил Колотозов 1957 г.
Фильм Михаила Колотозова в своё время поразил многих своей искренностью и трагичностью и заставил посмотреть на советских граждан, как на людей. И это в разгар Холодной Войны. А ещё этот фильм был полон операторских и режиссёрских новинок. Например, до этого никто не работал с камерой, которая едет по круговым рельсам. А здесь ключевая сцена, когда главный герой погибает и перед его глазами хаотично кружатся березы, снята именно так. Или повторение ключевых образов тех самых журавлей. В самом начале они пролетают в мирном небе над влюбленными, а в конце – уже как души погибших солдат. Один и тот же кадр, наполненный разным смыслом, вызывал эмоции, что называется, на разрыв.
Сюжет у фильма вроде бы простой: половина героев погибает, а половина переживает личные несчастья. Но каждая история была по-настоящему пережита актёрами и сыграна на высочайшем уровне, из-за чего получилась глубочайшая трагедия, которая и не снилась античным авторам. А крупные планы здесь такие сильные, чёткие и эмоциональные, что некоторые фотографы не могли добиться подобного и с завистью смотрели на оператора.
Фильм завоевал Золотую пальмовую ветвь в Каннах – крупнейший успех отечественного кинематографа. Ни до него, ни после такого успеха на этом фестивале наши картины не удостаивались. Правда, там его знают под названием "Когда прилетают аисты". Всё сделано в целях адекватного восприятия картины зрителем. Просто на французском жаргоне "журавлик" означает "проститутку". А то ещё чего подумают про главную героиню...
4. "Баллада о солдате"
Реж. Григорий Чухрай, 1958 г.
Действительно баллада. Молодой солдат совершает на полях войны подвиг и получает отпуск на шесть дней. Разумеется, он едет к маме! Но это благородный русский солдат, и по пути он останавливается, чтобы помочь людям, спасти детей и найти свою любовь. А что с мамой? К ней он успевает лишь на несколько минут, но и этого хватает. Он возвращается обратно с твёрдым обещанием вернуться, но фашистская пуля не позволила его сдержать. Очень сильная и эмоциональная сцена.
Исполнитель главной роли Владимир Ивашов стал одним из первых секс-символов поколения. Хотя такого понятия тогда не было, как и секса, потому ограничивались скромным, но не менее значимым "кумиром поколения".
Фильм собрал рекордный урожай наград на фестивалях по всему миру: 101 приз, включая специальный приз жюри в Каннах. А за лучший оригинальный сценарий фильм был даже номинирован на "Оскар".
5. "Андрей Рублёв"
Реж. Андрей Тарковский, 1966 г.
А вот и Тарковский! Ну куда ж без него, до сих пор это самый обсуждаемый и популярный русский режиссёр на западе. Грязное, холодное, тёмное русское средневековье, кругом говнище и грязище, слева – подлые князья, справа – татары. В общем, очень грустно и невесело. Ни одной приличной рожи на всю бескрайнюю Русь, все думают не о чистоте души, а о том, как выжить. Но был один умник по имени Андрей Рублёв, художник, который в поисках луча света в тёмном царстве нашёл этот самый луч внутри себя.
В атеистическом СССР такую картину снять было крайне сложно. Поэтому Тарковский прошёл через
все прелести бюрократизма. Его картину смешивали с грязью, которой в фильме очень много, а его самого как только не называли. Всех раздражало стремление режисера к натурализму, который был его идеей фикс. Если по сценарию вонь, значит, зритель её должен почувствовать. Если кому-то больно, зритель должен эту боль ощутить. Поговаривали, что ради натурализма он сжёг живую корову, однако корова давать какие-либо комментарии отказалась.
Но несмотря на то, что зрители, мягко говоря, охренели от увиденного, фильм вошёл в историю. А западному зрителю было интересно и странно наблюдать за тем, какой убогой выставляет свою страну великий режиссёр.
6. "Война и мир" Реж. Сергей Бондарчук, 1967 г.
За всю историю кинематографа было свыше 10 экранизаций популярного романа Льва Николаевича. Однако эту можно по праву считать лучшей. Отец Фёдора Бондарчука до того момента больше воспринимался как актёр, получивший мировое признание за "Судьбу человека", хотя сам исполнил далеко не второстепенную роль Пьера Безухова. Но к экранизации эпопеи Толстого он подошёл капитально. Целых 6 лет длились съемки! А в плане приёмов и режиссерских находок фильм опережал время. Даже славный новозеландский новатор Питер Джексон сказал, мол, каюсь, слизал у Бондарчука. А батальные сцены настолько опередили своё время, что в Голливуде до сих пор изучают по этому фильму баталии и панорамную съёмку.
Однако прекрасной вышла не только та часть, которая про войну, но и та, которая про мир. Спасибо актёрам, но все выглядели в своих костюмах, мундирах и отплясывали в неудобных сапогах так, будто сами из 19 века. А всё потому, что Бондарчук не утверждал тех, кто не умел фехтовать или держаться в седле. Хочешь быть Николенькой Ростовым? Иди бери уроки фехтования! Привыкшие к пафосу западные зрители были очень впечатлены. Ну, а широкой зарубежной и отечественной публике понравилось отсутствие философских рассуждений, которыми было полно это чтиво, не было всяких разговоров с дубом и тому подобного. А в результате за все свои мытарства киноакадемики вручили фильму "Оскар" за лучший фильм на иностранном языке.
7. "Цвет Граната" Реж. Сергей Параджанов, 1968 г.
У Сергея Параджанова была куда более тяжелая судьба, чем у его картин. Слишком самобытный и раздражающий советскую власть, он был обвинен в гомосексуализме и отправлен в тюрьму. А ты знаешь, что делают в тюрьме? Ладно, не будем, спросите у Джея и молчаливого Боба. Итак, к фильму. Уникальная картина! Советский сюрреализм, даже в чем-то арт-хаус.
Сюжет посвящен средневековому поэту Саят-Нове. Жил сей персонаж на Кавказе, пел песенки, сочинял стихи, развлекал царевен. Но никто не знал, кто он и откуда. Поэтому народ от нечего делать начал пускать про него слухи и легенды. И вот фильм Параджанова – это как бы биография реальной исторической личности, но собранная из осколков этих легенд и преданий, как зерна граната, формирующие один плод. Фильм буквально кишит сюрреалистическими сценами на уровне Сальвадора Дали. Поэтому кино так хорошо приняли на Западе, даже несмотря на то, что никто слыхом не слыхивал про этого вашего Саят-Нову.
Кстати, если посмотреть клип Мадонны на песню "Bedtime Story", то можно увидеть заметное сходство. Единственное различие: клип был снят за 5 миллионов долларов, а Параджанов создал картину за куда более скромные деньги. Фрагменты из фильма также использованы в клипе "God Is God" группы "Juno Reactor". Ну и на здоровье!
8. "Обыкновенный фашизм" Реж. Михаил Ромм, 1965 г.
А вот и документалка! Режиссер пересмотрел тысячи метров архивных пленок Министерства пропаганды Третьего рейха, которые советская армия позаимствовала у немцев в 1945 году, нарезал из них самые яркие сцены, чтобы показать миру звериную морду фашизма.
Кроме того, приемы, которыми был наполнен фильм, были новаторскими для того времени. Например, замедленные повторы важных моментов. Сейчас без них невозможно представить ни одну футбольную трансляцию, а тогда это было что-то на уровне полёта Юры Гагарина в космос.
Или вот ещё. Выступает какой-нибудь Геббельс с трибуны, рассказывает, сколько миллионов врагов надо уничтожить, и тут раз! – стоп-кадр: искривленная физиономия фашиста, а голос продолжает призывать к массовым убийствам... Если честно, становится жутко даже привыкшим ко всему фанатам Леди Гаги. Сейчас вы можете увидеть этот приём в любом фильме, снятом в 70-80-х. В фильме много кадров, от которых встают волосы дыбом. Без преувеличения, даже спустя столько времени и множества снятых шокирующих фильмов, эта лента смотрится очень впечатляющей.
А что самое главное, Ромм не снимал постановочных кадров – всё на основе полученных материалов. Никаких подтасовок – всё предельно честно. За что ему огромное спасибо!
9. "Русский ковчег" Реж. Сергей Сокуров, 2002 г.
Удивительный фильм одного из лучших современных российских режиссёров – Александра Сокурова. Фильм, снятый без единой склейки. Представляешь, 87 минут в Эрмитаже, который представлен не как современный музей, а как место, где больше двух веков проходила жизнь русских царей и цариц. Вот они все и показаны в фильме. В домашней обстановке, так сказать.
По сути, это киноспектакль, во время которого актёры несутся по коридорам прекрасного дворца, проводят церемонии и просто живут. Прежде чем снять одним залпом все 87 минут, репетировали полгода. Снять удалось только с третьего раза – первые два артисты ошибались.
В Америке фильм был встречен очень тепло и собрал рекордные для русского арт-хауса 7 миллионов долларов, а также множество наград фестивалей всех мастей. Кроме того, "Русский ковчег" – единственный постсоветский фильм, который значится в списке лучших фильмов в истории, составляемом раз в 10 лет на основании опроса 846 самых известных кинокритиков мира. Даже маститые режиссёры были впечатлены подобной идеей – одним дыханьем вобрать поток времени.
10. "Сталкер" Реж. Андрей Тарковский, 1979 г.
И снова Тарковский – а куда без него! Фильмы Тарковского всегда оставляли след у зарубежного зрителя, во многом куда более глубокий, чем у отечественного. Слишком уж советский зритель был прост: ему бы "Любовь и голуби" посмотреть, а не экзистенциальные метания.
Картина, снятая по роману Стругацких, всегда вызовет много споров, потому что книги сами по себе такие. Действие фильма происходит в вымышленном времени и пространстве, так называемой зоне. У героев нет имён – только прозвища. Сам Тарковский говорил про эту картину, что с его помощью легально коснулся трансцендентного.
Во многом благодаря всё той же грязной, унылой атмосфере и замечательной актёрской игре, фильм оставил свой след в мировом кинематографе. В частности, старина Фон Триер, будучи впечатлённым сим творением, снял "Элемент преступления". А известный британский музыкант Брайан Уильямсом из эмбиент-проекта "Lustmord", вдохновлённый картиной Тарковского, в 1995 году записал совместно с Робертом Ричем альбом "Сталкер".
Из наград стоит отметить только лишь специальный приз жюри в Каннах. В Союзе фильм не приняли. Помимо острой критики, картину ждало ещё одно испытание: при проявке плёнки практически полностью погиб первый вариант, и картину переснимали трижды, с тремя разными операторами и художниками-постановщиками. Неизвестно, является ли конечный результат лучшим, но культурная европейская публика была под впечатлением от увиденного.
11. "Человек с киноаппаратом" Реж. Дзига Вертов, 1929 г.
Человек с таким своеобразным псевдонимом (в миру Давид Кауфман) снимает экспериментальный фильм, который, по опросам тысячи кинокритиков по всему миру, занял 8 место в списке лучших фильмов всех времён и народов, а также признан лучшим документальным фильмом в истории по версии британского "Sight & Sound". Совпадение? не думаю!
Дзига и его брат, оператор данного шедевра Михаил Кауфман, очень любили эксперименты с пленкой. Один раз полгода гуляли по улице с камерой, отдали полученный материал жене Вертова, чтобы она смонтировала фильм, как ей нравится. Так получился фильм "Киноглаз-2". А "Человек с киноаппаратом" – один сплошной эксперимент, который, как ни странно, можно смотреть. Если фильм Сакурова снят без монтажа, то этот фильм – сплошной монтаж, иногда претендующий на почётное звание психоделического. А что, удобно – актёры не понадобились. Авторы снимали всё, что им интересно: улицы, дома, людей, траву – применяя всевозможные монтажные техники.
Главный монтажный ход: каждая сцена длится ровно столько, чтоб выдержать ее, не моргая. Зритель моргнул – все, на экране новое действо. Неожиданно и очень авангардно, как и всё в 20-х годах. Эксперты отмечают, что здесь впервые в кино использована съемка сюжета в отражении. Прием этот впоследствии перекочевал в триллеры, когда показывают, как кто-то подкрадывается к герою, и это видно в зеркале.
Режиссёр жутко не любил сценарии, снимал фильм интуитивно. Зритель оценил. Во всяком случае посыпались восхищённые речи о том, что автор приглашает воспринимать киноизображение с точки зрения режиссёра и что сам таинственный человек с кинокамерой наподобие Джойсовскго "Уллиса" находится невольным свидетелем и участником жизни. А может, гражданин Кауфман ничего не думал, а просто баловался? Кто знает. Посмотри и реши сам. Фильм найти не проблема на просторах сети. Сейчас приёмами монтажа не удивишь даже полоумного ребёнка, но картина всё равно чем-то завораживает.
12. "Ёжик в тумане" Реж. Михаил Норштейн, 1975 г.
Согласись, у нас в стране его помнят преимущественно за отчаянный ежовый крик: "Лошадкаааа!" А некоторые проводят аналогию между туманом и дымом трав степных, объясняя этим своеобразность мультфильма. Но нравится вам этот шедевр или нет, а 140 критиков со всего мира признали его лучшим в истории. Классик японской анимации Хаяо Миядзаки называл "Ёжика в тумане" среди своих самых любимых работ, даже признавшись Норштейну, как художник художнику, что отечественный мастер круче. Даже беспощадные "Гриффины" сделали на мультфильм пародию в эпизоде "Spies Reminiscent of Us".
Некоторые скажут, что это самый волшебный и необычный мультфильм как минимум на постсоветском пространстве. И мы с ними согласимся. Многих западных мультипликаторов поражают приёмы, использованные в "Еже". А сам Норштейн, хитро улыбаясь, показывает, как регулировал густоту тумана, приближая или отдаляя обычную кальку.
Народная артистка СССР Любовь Петровна Орлова и ее муж кинорежиссер Григорий Васильевич Александров, 1950 год. Фото: РИА Новости/ Анатолий Гаранин
Показ сериала о легендах советского кино - Любови Орловой и Григории Александрове («Орлова и Александров») - вызвал широкий интерес зрителя и породил массу вопросов.
Что неудивительно - жизнь Орловой и Александрова окутана массой мифов и тайн. «Разобраться, что в биографиях этих звёзд было правдой, а что вымыслом, оказалось крайне непросто», - рассказала «АиФ» Татьяна Сотникова, соавтор сценария фильма.
«Звёздный свет»
Сергей Грачёв, «АиФ»: Орлова стала, пожалуй, первым секс-символом советского кино. Считается, что исключительно благодаря её супругу...
Татьяна Сотникова: Она изначально выглядела сексапильно на экране. Но секс-символом мирового уровня её действительно сделал именно Александров. До встречи с ним Орлова выглядела несколько иначе.
Например, она была брюнеткой. Александров разглядел в ней потенциал секс-звезды (если такое определение по тем временам было уместно), заставил её перекраситься в блондинку, сменил ей имидж и т. д. Он очень чувствовал все эти вещи. Грубо говоря, он придал Орловой форму. Кроме того, Александров как большой профессионал очень хорошо понимал, что значит свет в кадре. Освещение на Орлову - «звёздный свет» - он выставлял всегда с особой тщательностью. На экране это выглядит непринуждённо, но режиссёр отлично знал, насколько свет способен придать сексуальность актрисе, усилить её природные качества. Александров работал в Голливуде и понимал, как, зачем и почему актёр или актриса должны выглядеть на экране не просто красиво, но и сексуально. Из Орловой он, по сути, сделал секс-символ мирового масштаба, опираясь как раз на свой голливудский опыт.
- Когда вы изучали историю жизни Орловой, какие факты её биографии поразили вас особо?
- Многое. Например, история поездки Орловой и Александрова в Иран. Эта командировка случилась накануне Тегеранской конференции 1943 года. У Орловой и Александрова тогда явно было какое-то задание, связанное с разведкой. Но, поскольку эта история и тема до сих пор очень закрытые, каких-то прямых документальных свидетельств нам найти не удалось. Известно, что Орловой был очарован молодой шах Ирана. Возможно, понимая, что он наверняка ею увлечётся, её и отправили в ту поездку в качестве агента влияния. Но как и что там было на самом деле, до конца никто не знает. И таких историй в биографии Орловой немало…
Ядовитые шипы
- Говорят, Орлова пользовалась особым расположением Сталина. А брак с Александровым был не первым в её биографии…
- Действительно, первый муж Орловой работал в Наркомземе. Высокопоставленный чиновник первых лет советской власти. Он предложил ей выйти замуж. Она согласилась. Любви с её стороны, вероятно, не было. Но он был порядочный человек. Он не мог не знать, что Орлова по происхождению дворянка (её род был в родстве с семейством Л. Толстого), живёт в полной нищете и в любой момент может погибнуть от голода. Этот брак её спас. Потом её мужа арестовали. Орлову допрашивали. Она пыталась как-то спасти супруга, но всё оказалось бесполезно. Ей сказали: «Забудь о нём, или отправишься следом за ним в тюрьму». В тюрьму она не хотела. На этом всё и закончилось…
Прошли годы, Орлова была уже замужем за Александровым. И однажды на приёме в Кремле Сталин спросил Орлову: «А чего бы вы хотели?» Она могла пожелать всё что угодно - квартиры, шикарные машины, роли, поездки… А она вдруг говорит Сталину: «Я бы хотела узнать, где мой первый муж и что с ним». Те, кто услышал этот вопрос, чуть не попадали в обморок. По тем временам это был неслыханной смелости поступок. Орлову после вызвали на Лубянку и сказали: «Ваш бывший муж сейчас выслан в Казахстан. Есть ли ещё вопросы?»
По-моему, этот поступок говорит о многом. Как минимум - о достойной, смелой личности. Может быть, кому-то сейчас покажется - а, пустяк. А тогда за такое могли
просто уничтожить. В то время, если кого-то арестовывали, в порядке вещей было, что люди, близко знавшие арестованного, переходили на другую сторону улицы, завидев его жену, дочь, сына или просто друга.
И тут мне вспоминается другая история: жену одного из деятелей «Мосфильма» выпустили из лагерей. Насколько я помню, её актировали по состоянию здоровья. От неё шарахался чуть ли не весь «Мосфильм»! С ней не разговаривали, не здоровались. А Орлова каждый раз бросалась с объятиями. Она помогала морально, помогала лекарствами. И не скрывая давала всем понять, что опекает эту несчастную женщину. По-моему, это тоже о многом говорит. Не каждый на такое был способен в те времена, да и сегодня.
- Так Сталин всё-таки опекал Орлову, питал к ней любовные чувства или это больше миф?
- Каких-то прямых указаний на особые чувства со стороны Сталина к Орловой нет. Есть некие свидетельства, но они неочевидны. В сценарии эта тема есть, но мы с супругом прописали её вовсе не для того, чтобы хоть как-то попытаться очеловечить фигуру Сталина. В том сценарии, который мы писали, Сталин - это исчадие ада. А вот что происходит, когда исчадие ада влюбляется, - это всегда интересно с точки зрения драматургии. Понятно, что Сталин щелчком пальцев мог добиться, чтобы ему принадлежала любая женщина. Но в данном случае, как мы это поняли, ему важно было добиться ответных чувств со стороны Орловой. Насколько можно понять из существующих свидетельств, никаких ответных чувств с её стороны он так и не добился. Но при этом внимательно относился к тому, что происходит в её жизни. - А какие этому есть свидетельства?
- По воспоминаниям племянницы Орловой, а они мне кажутся весьма достоверными, актрису однажды пытались отравить. Да и другие современники об этом вспоминали. Ей преподнесли букет роз с отравленными шипами. Нам кажется, это было дело рук Берии или ещё кого-то из НКВД. Ну кто в те времена мог решиться на убийство советской кинозвезды такого масштаба? О причинах можно только гадать. Как бы там ни было, Орлова укололась отравленными шипами, тяжело заболела, была при смерти. И Сталин посылал самолёт в Англию специально для того, чтобы доставить ей необходимые лекарства. Мы написали об этом в сценарии. Но ещё раз повторюсь - не для того чтобы очеловечить «вождя народов», а для того чтобы показать, как ведёт себя женщина, когда монстр подступает к ней со своими чувствами.
Дата: Понедельник, 04.05.2015, 22:13 | Сообщение # 93
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Одри Хепберн. Особые приметы
4 мая 1929 года родилась легендарная актриса Одри Хепберн. «Я не красавица. Моя мама однажды назвала меня гадким утёнком. Но если мои черты рассматривать отдельно, можно найти кое-что хорошее», — призналась однажды Одри в одном из интервью. Такой самокритичный подход вкупе с врождённым чувством вкуса позволили ей ещё при жизни стать настоящей иконой стиля. Впрочем, если говорить о фигуре, то ей действительно было, что скрывать…
Смотрите в инфографике подборку особых примет Одри Хепберн.
АиФ.ru вспоминает о том, как проходили съёмки фильма Григория Александрова «Весна».
2 июля 1947 года на экраны советских кинотеатров вышел фильм «Весна» режиссёра Григория Александрова с Любовью Орловой и Николаем Черкасовым в главных ролях. Первый вариант сценария, по рассказам самого Александрова, был готов 20 июня 1941 года — за два дня до начала войны — и за 6 лет, которые прошли с того момента до премьеры картины, претерпел немало изменений. Касались они, например, области деятельности Ирины Никитиной — одной из двух героинь, сыгранных в фильме Орловой. Изначально она занималась условными рефлексами в институте физиологии, позднее превратилась в физика и специалиста по взрывчатым веществам, а в итоге стала добывать энергию Солнца. Всего на бумаге Никитина сменила профессию восемь раз.
По сюжету, другая героиня, также сыгранная Любовью Орловой, — артистка оперетты Вера Шатрова — готовится к первой кинороли. В биографическом фильме ей придётся сыграть роль Никитиной — всё потому, что две девушки похожи друг на друга как две капли воды. Естественно, не удается избежать путаницы: героини то и дело попадают в комичные ситуации, но в конце-концов каждая находит свою любовь. Сами персонажи называют случившееся с ними историей о пробуждении весны в душе человека. Даже суровый режиссёр Громов в исполнении Черкасова признаёт в какой-то момент, что изначальная идея его фильма о Никитиной — поверхностна и лишена жизни, а на актёров, как и на людей в целом, нельзя смотреть свысока. Те же изменения происходят и с надменной Ириной Никитиной, которую увлекает общее настроение.
Снимали фильм в то время, когда страна ещё не оправилась от последствий войны: в Москве чернели обгоревшие здания, разрушенные вокзалы, ещё не отменена была карточная система. Даже сами съёмки «Весны» пришлось проводить в павильонах киностудии в Праге, так как «Мосфильм» ещё не был восстановлен к тому моменту. И мир, который удалось создать Александрову в «Весне», не лишён этих примет времени, как и деталей, которые указывают на то, что действие происходит в послевоенном Советском Союзе. Опыты Никитиной, к примеру, только с одной стороны можно считать фантастическими. С другой, работа с солнечной энергией — явный ответ на американские атомные испытания. Недаром звучит в фильме диалог:
— И так будет со всяким, кто вздумает шутить с ядерной энергией!
— Не с ядерной, с солнечной!
К слову о пародийности: Николай Черкасов, долго не соглашавшийся на роль в фильме и поддавшийся уговорам только самой Орловой, в итоге «списал» своего режиссёра Громова с коллеги Сергея Эйзенштейна.
Героиня Фаины Раневской, экономка Никитиной по имени Маргарита Львовна. «Весна» Григория Александрова. Фото: Кадр из фильма
Григорий Александров использовал голливудские кинематографические находки — в том числе и сюжетные, тем более что действие происходит на киностудии. Учёный Ирина Никитина совершает путешествие по сказочному и ненастоящему миру, «фабрике грёз», где всё возможно, где вечная весна. Камера снимает героев через полупрозрачные занавеси, они то и дело встречаются на фоне декораций — Александрову удалось снять фильм не только о кинематографическом процессе, но и о самой природе этого вида искусства.
За комедийную часть в этом мелодраматической истории отвечает в основном героиня Фаины Раневской, экономка Никитиной по имени Маргарита Львовна. Именно она произносит большинство фраз, ставших впоследствии крылатыми, например «Красота — это страшная сила!». Другую классическую реплику произносит в картине завхоз института Солнца Бубенцов (Ростислав Плятт): «Где бы ни работать, только бы не работать!» или «Пифагоровы штаны на все стороны равны».
В 1947 году «Весна», в заставке к которой, к слову, впервые появился логотип «Мосфильма» со скульптурой «Рабочий и колхозница», участвовала в основном конкурсе Венецианского кинофестиваля — картина была удостоена Международной премии за оригинальный сюжет и режиссуру.
8 мастеров боевых искусств, изменивших кинематограф
8. Джеки Чан Комедийный мастер Кунг фу
Джеки Чан был каскадером в нескольких фильмов Брюса Ли. Когда он начал сниматься в своих собственных фильмах как актер, можно было предположить, что он просто следующий Брюс Ли. Но Чан был достаточно умен, чтобы понимать, что любой актер в качестве “следующего Брюса Ли” обречен на провал, поэтому он решил стать оригинальным, а по сути, просто быть самим собой. Он забавен от природы и никогда не принимает себя всерьез. “Пьяный мастер” Джеки Чана, вышедший на экраны в 1978 году, по праву можно назвать шедевром его кино-карьеры. Там он играет шута, боевые навыки которого становятся наиболее профессиональными, после изрядной порции алкоголя. Чан не играет крутого парня, он играет симпатичного комика, за которого зритель искренне болеет. Таким образом, он показал, чтобы быть настоящей звездой боевого искусства, совсем не обязательно быть крутым.
7. Джет Ли Мастер ушу для неудачников
Джет Ли не выглядит как классическая кинозвезда. Он 5 футов 6 дюймов в высоту, у него не очень хорошая кожа и вид маленького проказника. Но его навыки и способности делают из него звезду, которая способна ободрить слабых. Будучи ребенком, он уже показал свои выдающиеся способности в ушу, выиграв 15 золотых медалей в Китае. И это в стране с сотнями миллионов бойцов ушу. Секрет в том, что Джет Ли очень и очень быстрый. Его сверхскоростные пинки и удары можно увидеть практически в каждом его фильме, которые, отнюдь, не ускоряются в результате монтажа, а выполнены реально в процессе съемок. В самом деле, он двигается настолько быстро, что камеры не успевают заснять его движения. Джет Ли известен в Америке по таким фильмам, как “Смертельное оружие 4″, “Ромео должен умереть” и “Мумия: гробница императора драконов”. Однако истинные поклонники дорожат его работами в фильмах на китайском языке, таких, как “Храм Шаолинь 1, 2 и 3″, “Однажды в Китае”, “Герой”, и “Кулак легенды”. Эти фильмы демонстрируют талант Джета Ли и как актера, и как мастера боевых искусств. Вдохновляющие истории о победе над превосходящими силами противника, подбадривают и вселяют надежду в маленького человека, в буквальном смысле этого слова.
6 и 5 . Мишель Йео и Чжан Цзыи Мастера Кунг фу – кошачьи драки
Женщины в фильмах о боевых искусствах были чем-то вроде нереальности до выхода “Крадущийся тигр, затаившийся дракон” в 2000 году. Увидев Мишель Йео и Чжан Цзыи, никто уже больше никогда не сомневался, что женщины способны мастерски владеть боевыми навыками и дать достойный отпор своим врагам, не уступая мужчинам. Боевые поединки в сочетании с хореографией Йен Ву Пинга делают движения женщин сильными и в то же время изящными, точными, шокирующими и удивительно гармоничными. Несколько кадров с боевым участием этих актрис, заставляют поверить, что они действительно смогут справиться и с Вами, и со всеми Вашими друзьям одновременно, сколько бы их у Вас ни было. Мишель Йео снялась в фильме о Джеймсе Бонде “Завтра не наступит никогда” и “Мумия: гробница императора драконов”. Чжан Цзыи играет в фильме “Герой”, “Час пик 2, и “Дом летающих кинжалов”. Эти актрисы создали прекрасные и в то же время боевые образы на экране.
4. Гордон Лю Мастер переснятого Шаолиня
Гордон Лю был одной из первых экшен-звезд Гонконга, раскрутив свои классические кунг-фу фильмы 1970-х и 1980-х. Его самая известная роль — Сан Те в “36 ступеней Шаолиня” и в его продолжении. Это такого рода фильмы, которые обычно смотрят на независимых телеканалах по выходным дням. Они были плохо перезаписаны и переиграны, ну, знаете,
когда слышно жужжание камеры и нелепые звуковые эффекты. Однако именно эти старые фильмы Лю заложили основу для всех последующих кунг-фу фильмов. В самом деле, они вдохновили Квентина Тарантино, чтобы “Убить Билла”. Тарантино даже снял Лю в роли сумасшедшего, 88 лидера Джонни Мо, в “Убить Билла: Часть 1″ и учителя Умы Турман, Пай Май, в “Убить Билла: Часть 2″. Слава Лю также распространилась и на Индию, где он снялся в Болливуде. Так что, он поистине мегазвезда всемирного масштаба.
3. Стивен Чоу Мастер Кунг фу – микс
Если вы когда-нибудь видели шаолиньский футбол или толкотню с применением кунг-фу — значит, вы знакомы с работой Стивена Чоу. Чоу — это смесь комика, звезды боевого искусства и мультипликационного персонажа. Его фильмы сделаны с китайским чувством юмора, но покажутся смешными для любой культуры. Чоу был первым, кто использовал большие объемы цифровой анимации, чтобы его фильмы про боевые искусства выглядели супер-пупер. Его девиз: “Спецэффекты не должны смотреться реально, они должны выглядеть смешно и сюрреалистично, как комиксы“. Чоу наступает на палец плохому парню, и палец плющится, как блин. Ногой пинает парня в голову, а вы это заметите по ряби, проходящей через кожу на его лице. Он бросает сто плохих парней в воздух, и они рассыпаются в небе, как конфетти. Представьте себе смесь “Кулака ярости”, “Голого пистолета” и “Матрицы”.
2. Донни Йен Мастер Крутого Кунг фу
Донни Йен может быть самой яркой звездой фильмов о боевых искусствах, которого вы когда-либо видели, но никогда не слышали. Йен снялся в фильмах: “Однажды в Китае II”, “Герой” с Джетом Ли, а также “Шанхайские рыцари” с Джеки Чаном, но играл второстепенных персонажей. Он до сих пор не прорвался на американский кинорынок как звезда большой величины. Йен имеет свой отличительный стиль. Он хладнокровно сражается в комнате с нападающими, явно скучая, едва двигается, чтобы враги могли его неоднократно схватить. И только после этого обрушивает на них ослепительный шквал ударов. В отличие от большинства других в этом списке, Йен находится почти в самом его начале, потому что все больше заявляет о себе со спокойной уверенностью. Он обещает быть следующей большой звездой боевых искусств, которая пересечет Тихий океан.
1. Брюс Ли Мастер Кунг-фу фильмов номер один
Брюс Ли — гроссмейстер всех современных боевых искусств в кино. Он в одиночку изменил отношение американцев к азиатам. После просмотра фильмов, азиаты уже были не только злодеи, хулиганы или мальчики из прачечных. Он был первой “небелой” звездой боевиков. Возможности в кино для афроамериканских, латиноамериканских и азиатских актеров открылись именно после Брюса Ли. Он был первой звездой боевых искусств, которой не нужны были каскадеры или спецэффекты, чтобы впечатлить публику. Брюс Ли был не только превосходен в боевых искусствах, он основал свое собственное направление, так называемое Джит Кун. Он сделал только пять фильмов: “Большой Босс” в 1971 году, “Кулак ярости” в 1972 году, “Образ дракона” в 1972 г, “Выход дракона” в 1973 году, и “Игра смерти” в 1978 году. Последние два были выпущены уже после его смерти. Все фильмы являются классикой и все еще популярны и сегодня. Загадочная смерть Ли в возрасте 32 лет только укрепила его легендарный статус и вдохновила целое поколение имитаторов. И хотя многие подражают Брюсу Ли, никто никогда не способен его затмить.
23 июля в российских кинотеатрах выходит фантастическая комедия «Пиксели». АиФ.ru рассказывает о главных злодеях голливудского фильма — видеоиграх 80-х годов.
Кадр из фильма «Пиксели».
23 июля на российские экраны выходит фильм «Пиксели» — главный летний блокбастер голливудского режиссёра Криса Коламбуса. Разрушительная фантастическая комедия от создателя легендарных картин «Один дома» и «Гарри Поттер» призвана вызвать ностальгию по 80-м годам прошлого столетия, когда только зарождался век компьютерных игр. Геймеры всех возрастов убивали своё свободное время на «Донки Конга», «Пакмэна», «Тетрис» и другие популярные видеопроекты, а теперь они впервые смогут насладиться любимыми героями на большом экране. Вот только выступать знакомые персонажи будут в роли страшных разрушителей… По сюжету кинокартины, на Землю напали пришельцы, принявшие облик героев видеоигр, и никто не сможет справиться с угрозой, кроме самых заядлых геймеров (Адам Сэндлер, Питер Динклэйдж, Джош Гэд).
Опасным для всего человечества воплощением пришельцев в фильме «Пиксели» стала вымышленная горилла Донки Конг из одноимённой японской игры, выпущенной в 1981 году. Этот проект стал одним из первых, где пользователю нужно прыгать по платформам, лазить по лестницам и собирать предметы. Важно, что именно создатели «Донки Конга» впервые использовали сценарий «спасти девушку из беды», который позже стал шаблонным для видеоигр. А главным героем японского проекта сделали
персонажа по имени Прыгун, который пытается спасти свою подружку от злодея-гориллы.
Пакмэн — это вымышленное круглое жёлтое существо, которое занимает почётное 6 место в списке пятидесяти лучших персонажей компьютерных игр по версии Книги рекордов Гиннесса. Немудрено, что создатели фильма «Пискели» не прошли мимо такого популярного героя. Видеопроект с одноимённым названием впервые вышел в 1980 году в Японии. Во многих играх того времени главной сюжетной линией было насилие, эта же выгодно отличалась тем, что подходила и для мальчиков, и для девочек. Перед игроком стояла задача собрать (съесть) все белые точки, избегая столкновений с привидениями. Так создатели «Pac-Man» развили новый жанр — погоня в лабиринте.
Ещё одной игрой, представляющей серьёзную опасность для человечества в летнем блокбастере, стала «Galaga», выпущенная в 1981 году. В этом популярном видеопроекте пользователь управляет космическим кораблём, который может перемещаться только по горизонтальной оси. Главная задача — уничтожить все корабли противника, которыми заполняется игровое поле в начале каждого уровня.
Следующая игра была выпущена одной из первых женщин-программистов. В «Centipede» игрок должен защищаться от нападающих на него стай насекомых, завершая каждый раунд уничтожением сороконожки. В 80-х годах «Centipede» смогла привлечь существенное количество игроков-женщин.
«Dig Dug» был разработан в Японии в начале 80-х. Цель игрока — уничтожить живущих под землёй монстров. На протяжении 256 уровней пользователь роет тоннели, добывает бонусы и убивает врагов, которые с каждым этапом начинают двигаться всё быстрее. Главная отличительная черта персонажа игрока «Dig Dug» — это бело-синяя одежда.
Игра «Спейс Инвейдерс» выпущена японским программистом ещё в 1978 году. В этом видеоразвлечении пользователь управляет лазерной пушкой, отстреливаясь от инопланетян, надвигающихся сверху экрана. «Спейс Инвейдерс» часто становятся мишенью для пародий, а пиксельное изображение пришельца часто используется как обобщённое обозначение видеоигр.
В голливудском блокбастере можно увидеть игру, имеющую русские корни. «Тетрис» был изобретён советским программистом Алексеем Пажитновым в далёком 1984 году. Видеопроект быстро разошёлся по всему миру, заинтересовав пользователей всех возрастов. Спустя много лет суть «Тетриса» остаётся неизменной: игроку нужно сложить в одну стройную линию случайные фигурки, падающие сверху экрана.
«Когда меня спрашивают о том времени, я честно говорю: не помню… Я стараюсь ничего не помнить из той жизни, особенно что касается старых бытовых и семейных коллизий», - признался «АиФ» легенда отечественного кино.
«Жек, играй!»
- Я появился на свет в Благовещенске в 1929 г., когда отец гонялся за белокитайскими бандитами на Китайско-Восточной железной дороге. Отец был профессиональным военным - воевал с 15 лет, у него два «Георгия» за германскую. Потом, почти юноша, красным полком командовал. Мама - выпускница знаменитой петербургской Мариинской гимназии. В семье нас было три брата. Старший - Борис, военный лётчик, в 1942-м погиб смертью храбрых под Сталинградом. Глеб Стриженов - тоже известный артист кино.
В 1935 г. мы переехали жить в Замоскворечье. Как и все, я играл в Чапаева, носился по улицам, бегал купаться на Москву-реку, дрался с ребятами из чужих дворов. Чаще - из-за голубей. Зимой - всегда лыжи на Воробьёвке и в Нескучном саду и обязательно коньки. На валенки прикручиваешь полозья-гаги, крюком ухватишься за грузовик - и вот по переулкам за машиной вьются «колбасой» пять - десять пацанов с криками и свистом. Война мне врезалась в память бомбёжками. С первых дней войны «зажигалки» падали на дома целыми кассетами. Мы, мальчишки, красили негорючей извёсткой чердаки, посыпали пол песком, ставили бочки с водой... Помню, я настолько привык к взрывам, что просыпаюсь и ловлю себя на мысли: «А-а, не пойду в бомбоубежище - лень…» Что у нас ещё было в детстве? Конечно, кино. Фильмы мы смотрели по многу раз и знали наизусть. Голуби, спорт, вечные драки да кино - вот моё московское детство!
Я всегда был очень способный, подвижный, спортивный. Любил игру. И был страшным максималистом. Я по знаку зодиака Лев - первач, форвард. Быть только первым - в классе, во дворе, в драке…
Годам к 15 у меня прорезались творческие таланты - я очень прилично рисовал. Играл на семиструнной гитаре, пел, плясал. Тогда это называлось словом «бацать». Наши ребята - с Коровячьего, с Мытной, с Даниловки - считались «первачами» в районе, и весь парк Горького был наш «парчок». Вы представляете, что это такое - быть «первачами» и бацать чечётку в парке Горького?! Кстати, когда я пришёл в Вахтанговскую школу, мне всё это очень пригодилось. Этим ещё прекрасно владел покойный Ролик Быков, Роланчик! Он ведь тоже наш был, замоскворецкий. Бывало, мы с ним на пару такой перепляс устраивали!.. Посмотрите: в «Мексиканце» я чечётку бью, как профессионал. А потом пришло время, когда весь этот «арсенал» мне надоел. Приходишь в компанию - выпьем: «Давай пой!» Ещё через десять минут опять: «Бери гитару, пой!» Дошло до того, что я свою гитару подарил другу с надписью: «Жек, играй. Я - закончил!»
…Летом 1949 г. меня вызвал военком, заглянул в анкету и обрадовался: «Какая семья - все военные! Я из тебя настоящего офицера сделаю!» А я для себя уже всё решил - иду только в артисты. По закону студентов вузов тогда в армию не брали. Вот я и поступил в Вахтанговскую школу.
Голые у костра
...На главную роль в «Оводе» меня рекомендовал Николай Акимов, худрук Театра им. Ленсовета. Когда режиссёр Файнциммер пожаловался, что не может найти актёра на роль Артура, Акимов сказал: «В таллинском театре (меня туда распределили после диплома) - вот такой Овод! Записывай адрес...» Тогда на Артура пробовались все лучшие актёры - Дружников, Евгений Самойлов, Бондарчук, даже замечательный Гоша Вицин. Бондарчука не стали утверждать, сказали: «Какой он Овод - это же Стенька Разин!»
В фильме «Овод», 1955 г.
Меня привезли на «Ленфильм». Все ожидали, что сейчас к ним выйдет чернокудрый такой Артур, а тут захожу я - светловолосый, худой, на вид сопляк сопляком… И тут Андрей Москвин - великий оператор, он «Ивана Грозного» снимал, говорит:
«Что вы парня разглядываете?! Ведите его на грим». Когда меня вывели в гриме и костюме, с завитыми чёрными кудрями, Файнциммер «упал».
Редкий случай: картину ещё только снимали, а я уже купался в лучах славы. В Ялте на съёмках собирались огромные толпы. Но я довольно быстро оценил «прелести» народной любви. Помню, в Одессе Фима Копелян мне говорит: «Пойдём пообедаем - ты увидишь любовь народа!» Сидим. Вдруг подходит парочка: «Алик, потанцуй с моей невестой…» Потанцуй - и баста! Копелян чуть под стол не скатился от смеха… Или кто-нибудь из подвыпивших военных считал своим долгом подойти: «Это в-вы игр-р-рали белорусского офиц-це-ера?» Отвечаю: «Ни белорусского, ни таджикского офицера я не играл. А вот белого играл!» «К-к-какая разница? Давай выпьем!» А когда я отказывал, говорили: «Брезгуешь? Де-р-р-рьмо!»
А фильм Григория Чухрая «Сорок первый», где я сыграл главную роль, перевернул отношение к советскому кино на Западе. Советское кино ведь было целомудренное, иногда на фильм не допускали подростков до шестнадцати лет даже из-за двух-трёх эпизодов с любовными поцелуями. И вдруг - трогательная история любви белогвардейского офицера и красной партизанки. До сих пор перед глазами картина: после показа фильма в Марселе белоэмигранты со слезами на глазах завалили нас цветами, кричали вдогонку: «Целуйте Родину, целуйте нашу землю!»
В фильме «Сорок первый», 1956 год
Потом в течение многих лет я часто слышал вопрос: был ли у меня роман с Изольдой Извицкой? Была у нас в фильме сцена, где мы сидим голые у костра. Романа не было! Были дружеские, чуть ли не братские отношения. И с её мужем Эдиком тоже. Мы жили в одном доме, ходили друг к другу в гости, вместе ездили по стране и виделись почти ежедневно.
Однолюб
Со своей первой женой я познакомился на съёмках «Овода». Марианна была тогда известной актрисой Театра им. Моссовета. Начала она сниматься в роли Джеммы под девичьей фамилией Бебутова, а в титрах уже была Стриженова. Мы поженились в конце фильма. Но когда меня спрашивают о том времени, я честно говорю: не помню… Я стараюсь ничего не помнить из той жизни, особенно что касается старых бытовых и семейных коллизий. Всех интересует: с кем жил, с кем романы крутил, с кем спал… Поэтому я отвечаю: у меня никаких романов не было, у меня единственный роман - с моим творчеством. А увлечение самое крупное и яркое одно вот на всю жизнь - моя нынешняя супруга. Хотя я со всеми своими жёнами общался, да и с сыном Сашей (от второго брака. - Прим. ред.) мы очень дружны, он вырос в этом доме. Наверное, я однолюб. Даже не «наверное», а, как результат, - несомненно «да»! Другое дело - увлечения. Можно же увлекаться сколько угодно, особенно по юности… Честно говоря, я люблю красивых людей. А женщин - тем более! В их кругу чувствуешь себя приятней.
Наш роман с Линой, моей нынешней супругой, получился невероятно красивым. 1955 г. Шли съёмки «Мексиканца», в котором я играл боксёра Риверу. Оставалась последняя съёмка возле Оперного театра. Я увидел её сразу. Она скромно стояла за верёвочным оцеплением в толпе любопытствующих. На вид лет 16-17, с огромной копной волос, с лучезарными карими глазами и тонкой осиной талией. «Вы не Джина Лоллобриджида?» - не зная, что сказать, спросил я. «Меня зовут Лионелла». «А можно просто Ли?» Наш разговор прервали, меня чуть не силой утащили на съёмку. А вечером вся наша съёмочная группа уехала в Ялту.
Мы встретились снова в 1962-м. Оба «вспыхнули». Но у меня была жена, маленький ребёнок… А ещё 13 лет спустя мы встретились на съёмках «Последней жертвы» у Тодоровского и с тех пор практически уже не расставались.
Меня часто спрашивали: «Олег, ты в партию вступать отказался, играл кого хотел. Как же ты вообще выжил при советском режиме?» Могу сказать одно: я - бесконечный патриот из очень хорошей русской патриотичной семьи. У меня отец командовал полками, брат - советский офицер, лёг за Сталинград в 23 года. Я мальчиком работал в войну… Сыграл Овода - любимый образ молодёжи… Какие ко мне могут быть претензии?
Семья Стриженовых: Александр Стриженов, Екатерина Стриженова, Олег Стриженов с супругой Лионеллой Пырьевой и Александра Стриженова (на первом плане). Фото: РИА Новости/ Екатерина Чеснокова
Сегодня главное в моей жизни - семья, внучки Настенька и Сашенька. Пишу картины маслом… Ни на что не жалуюсь. Не отказываюсь ни от одного своего фильма, ни от одной своей работы в Художественном театре, который боготворил и боготворю. И почти сорок лет семейной жизни с любимой женщиной - это большая радость и счастье. Вроде бы хрупкое создание - женщина, а какое у неё может быть сильное и надёжное плечо!
К юбилею Хичкока АиФ.ru вспоминает самые известные сцены из его фильмов.
115 лет исполняется со дня рождения Альфреда Хичкока. Британец, перебравшийся в Голливуд в начале 40-х, научил весь мир бояться птиц, маньяков за занавесками и тревожной музыки за кадром, превратив триллер в высокое искусство. Хичкока прозвали «мастером саспенса», умевшим вызвать у зрителей не столько ужас, сколько чувство беспокойства в ожидании страшной развязки. Сам режиссёр был убеждён, что атмосферу страха можно создать лишь кинематографическими средствами — монтажом, звуком, правильно выставленными светом — и что взаимоотношения персонажей и их психологическое воздействие друг на друга производят на зрителя впечатление сильнее, чем любая сцена убийства. Поэтому даже в тех фильмах Хичкока, которые можно назвать «хоррорами», почти нет крови — а сердце отчего-то всё равно уходит в пятки. АиФ.ru вспоминает самые напряжённые моменты из фильмов Хичкока.
Верёвка (1948)
Пьеса «Верёвка», сюжет которой частично был основан на реальном убийстве, — двое чикагских студентов задушили третьего, чтобы проверить, смогут ли они остаться безнаказанными, — была поставлена в одном из лондонских театров, а позже и на Бродвее. Хичкок и сам рассказывал, что смотрел записи театральной постановки, готовясь снимать свой фильм. Он и выглядит скорее как спектакль — замкнутое пространство, длинные диалоги и долгие планы. Известно, что в картине всего 9 монтажных склеек, а было бы, возможно, ещё меньше, если бы плёнки в камере хватало больше, чем на 10 минут непрерывной записи. По ходу действия практически ничего не происходит, а герои — убийцы и их гости, приглашённые на вечеринку и не подозревающие, что в комоде посреди комнаты спрятан труп, — ведут бесконечные философские беседы. Тем не менее, и содержание этих разговоров, которые неизбежно сводятся к теме «тварь ли я дрожащая или право имею?», и неспешность действия создают ту самую напряжённую атмосферу. Тем более, что зрители с самого начала знают, что произошло, и с очевидным нетерпением ждут развязки, которую режиссёр оттягивает, как может. Мастерство Хичкока, впрочем, видно в полной мере уже в первых кадрах фильма: безмятежный солнечный день, по улице снуют прохожие, камера медленно двигается по стене одного из домов, приближаясь к наглухо зашторенному окну, звучащая за кадром мрачная музыка внезапно обрывается.
В случае убийства набирайте «М» (1954)
Первый из трёх фильмов Хичкока с одной из его любимых блондинок Грейс Келли, которая здесь исполнила роль нетипичной жертвы. Её экранный супруг Тони Вендис, почуявший, что жена может уйти от него к другому и забрать с собой все свои миллионы, замышляет её убийство. Продумывает всё до мелочей, от своего алиби до кандидатуры исполнителя, который не может подвести, и предвкушает долгую и счастливую жизнь. Но что-то идёт не так: оказывается, что героиня Грейс Келли не такая уж «блондинка» и вполне способна за себя постоять, а ко всему прочему её новый возлюбленный — автор детективных романов, который точно знает, когда кто-то ведёт себя подозрительно. Градус напряжения зашкаливает, а самой щекочущей нервы сценой
мы обязаны именно Грейс Келли: она берёт телефонную трубку, пытаясь расслышать, кто звонит. Камера совершает оборот, выхватывая из темноты за спиной девушки руки убийцы — мы видим его раньше жертвы, которой так и хочется крикнуть «Обернись».
Окно во двор (1954)
Следующий фильм Хичкока с Грейс Келли вышел почти одновременно с предыдущим и был в итоге номинирован на «Оскар» сразу в четырёх номинациях. Ни одной статуэтки фильму, который впоследствии был внесён в Национальный регистр и признан культурным достоянием Америки, не досталось, однако на любви зрителей это не сказалось. А что говорить о влиянии на кинематограф: фильм Хичкока не только был несколько раз переснят — есть и советская версия 1991 года, и американская 1998 с Кристофером Ривом в главной роли — но и бесчисленное множество раз процитирован в фильмах Коэнов и Копполы, в «Бриллиантовой руке», в различных сериалах и, конечно, в «Симпсонах». Такой сюжет грех не использовать: фотограф со сломанной ногой (актёр Джеймс Стюарт) от нечего делать наблюдает в бинокль и в объектив за жильцами дома напротив, становится свидетелем убийства и на протяжении всего фильма доказывает своим друзьям, среди которых и героиня Грейс Келли, и полиции, что знает, кто убийца. Преступник тоже оказывается не промах, ему удаётся вычислить доморощенных детективов — в ответственный момент героиня Келли совершает оплошность, да и гигантский объектив отбрасывает блики, которые трудно не заметить.
Головокружение (1958)
Новая блондинка Ким Новак и уже знакомый по «Окну» Джеймс Стюарт играют девушку, мечтающую покончить с собой, и сыщика, нанятого её мужем для предотвращения трагедии. Всё. Конечно, не так просто, и девушка оказывается вовсе не той, за кого себя выдаёт, и сыщик страдает боязнью высоты, из-за чего становится идеальным подставным свидетелем в запутанном деле с участием душевнобольной женщины, её коварного мужа и решившей подзаработать девушки. Страхи главного героя Хичкок демонстрирует наглядно и даже объясняет их происхождение: в первой сцене трагически гибнет, упав с крыши, напарник главного героя, из-за чего у последнего и развивается панический страх высоты. Несколько раз по ходу фильма ему приходится взбираться на одну и ту же колокольню, которая становится основным местом действия — камера следует за героем, периодически «заглядывая» вместе с ним в лестничный пролёт. У тех из зрителей, у кого в эти моменты не начинает вслед за героем кружиться голова, просто нет сердца.
На север через северо-запад (1959)
Кэри Грант в роли служащего рекламного агентства, которого по ошибке приняли за шпиона и который вынужден почти в одиночку выпутываться из этой ситуации. За ним охотится полиция, да ещё и любимая девушка оказывается вовсе не той, за кого себя выдаёт. Абсурдная, трагикомичная ситуация и одновременно триллер в лучших хичкоковских традициях — картина начинается «с места в карьер», когда героя похищают, допрашивают, пытают и оставляют висеть над обрывом в покачивающейся машине, а зрителям остаётся ждать объяснения случившегося вместе с несчастным героем. Обычный человек невольно становится героем, рыцарем, искателем приключений, «Джеймсом Бондом» — только не таким серьёзным. Самая известная сцена фильма одновременно и самая напряжённая — в том числе в силу своей несуразности. Посреди пустыни на героя Гранта в прямом смысле охотится самолёт-кукурузник, то исчезая на горизонте, давая мужчине пару секунд передышки, то появляясь вновь, пикируя и заставляя вжиматься в песок — спрятаться негде, а бежать быстрее самолёта, пусть и кукурузника, не может даже Кэри Грант.
Психо (1960)
В биографическом фильме 2012 года «Хичкок», главную роль в котором сыграл Энтони Хопкинс, есть прекрасная сцена: режиссёр на премьере фильма «Психо» стоит у дверей зрительного зала и взмахами рук показывает, на каких моментах будут кричать — не глядя на экран. Кричат, конечно, на сцене с убийством Джанет Ли, которая стала визитной карточкой и самой картины, и вообще всей фильмографии Хичкока. На этот раз свою очередную блондинку режиссёр «убивает» чуть ли не в самом начале фильма, и оказывается, что история вовсе не про неё. Однако, по хрестоматийной сцене в душе — с занавесками, тенями и криком — можно изучать теорию триллера и хоррора. Существует легенда, что на съёмках нож в руки взял сам Хичкок, что напугало актрису как раз в необходимой ему степени.
Не стоит забывать и про маньяка Нормана Бэйтса, которому посвящён фильм «Психо». А исполнителю этой роли, актёру Энтони Перкинсу, мы обязаны зловещими финальными кадрами, на которых миловидный актёр смотрит в камеру и улыбается так, что мурашки бегут по коже.
Птицы (1963)
По большому счёту последний из самых известных фильмов мастера — и один из самых страшных, на этот раз уже не только психологически, но и визуально. Мелани переезжает из Сан-Франциско в маленький город, где живёт симпатичный ей молодой человек. Одновременно с этим начинает твориться какая-то чертовщина — на людей нападают целые стаи птиц. Пугает это в большей степени тем, что режиссёр никак не объясняет случившееся, пернатые нападают без причины, а потому предугадать их поведение и предотвратить нападения нет возможности. Тревога нарастает вместе с хлопаньем крыльев — это, наряду с разговорами, является единственным звуком, который можно услышать в фильме, где нет ни саундтрека, ни вообще какой-либо закадровой музыки. В этой гнетущей тишине осаждённого агрессивными стаями птиц города герои впадают в крайнюю степень паранойи, а любой человек, посмотревший фильм впервые, пару дней после этого точно будет с опаской поглядывать на каждого встречного голубя.
Дата: Воскресенье, 16.08.2015, 15:38 | Сообщение # 99
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Как снять самый кассовый фильм в истории: правила Джеймса Кэмерона
Джеймс Кэмерон на съемках «Аватара».
Автор «Терминатора», «Титаника» и «Аватара» Джеймс Кэмерон празднует 60-летие. Секреты успеха режиссёра — в этом материале.
Режиссёру Джеймсу Кэмерону исполняется 60 лет. Он родился в Канаде, но ещё в раннем детстве перебрался с родителями в США, где окончил школу и поступил на физический факультет Калифорнийского университета. Желание делать кино, похожее на «Космическую Одиссею 2001» Кубрика, оказалось сильнее тяги к знаниям, и Кэмерон бросил учёбу, занял денег, купил камеру и снял вместе с друзьями фантастическую короткометражку «Ксеногенезис» — про космонавтов, киборгов и поиски внеземной жизни. Этот дебют, с бюджетом в $20000 и сделанными вручную спецэффектами, предопределил будущее режиссёра: его взял на работу в свою студию Роджер Кормак, уважаемый автор бесчисленного множества второсортных ужастиков — один из них, «Пираньи 2», пришлось снять и самому Кэмерону. Спустя всего 6 лет после «Ксеногенезиса» в прокат вышел «Терминатор», прославивший своего автора. По состоянию на 2014 году фильмография Джеймса Кэмерона насчитывает два десятка фильмов — казалось бы, скромный результат, если не брать в расчёт, что именно он снял два самых кассовых фильма в истории кинематографа. Рекорд «Титаника» был побит в 2009 году «Аватаром» — мировые сборы каждой из этих картин превышают $2 млрд. Коллеги говорят о Кэмероне как о чрезвычайно требовательном режиссёре, с которым непросто поладить на съёмочной площадке. Сам он повторяет, что ключ к режиссёрскому успеху и сердцам зрителей — не в учебниках по истории и теории кино, а в ежедневном труде. О других правилах жизни Джеймса Кэмерона и о его стиле работы — в материале АиФ.ru.
Выход каждого нового фильма Кэмерона сопровождают интервью актёров и рассказы о том, каким тяжёлым и невыносимым был съёмочный процесс. Вспомнить хотя бы жалобы Кейт Уинслет и Леонардо Ди Каприо — обоим пришлось немало времени провести в холодной воде, которой были залиты декорации «Титаника». За четыре года работы над фильмом изрядно промокли и операторы, и помощники, и сам Кэмерон — впечатление сгладили 11 «Оскаров», которые унесли в 1997 году домой создатели картины. В благодарственных речах о тяготах работы с Джеймсом Кэмероном никто уже не вспоминал. Режиссёр не отрицает
собственных замашек тирана, называя свою профессию «оправданием для плохого поведения».
Справиться с командой из 3000 человек, а именно столько фамилий можно насчитать в финальных титрах «Аватара», со стороны кажется почти нереальным. Кэмерон же не только справляется, но ещё и почти никогда не увольняет провинившихся — это кажется ему слишком милосердным. Вместо этого режиссёр бесконечно испытывает подчинённых на стрессоустойчивость: работа без выходных, невыполнимые задания и критические замечания со стороны босса. «Выжившие» искренне признаются, что ничего лучше с ними в жизни не случалось.
И их можно понять. Джеймс Кэмерон — неутомимый экспериментатор. Посмотрев когда-то в детстве кубриковскую «Одиссею», он твёрдо решил, что будет двигаться только вперёд и не только максимально использовать существующие возможности кинематографа, но и постоянно придумывать что-то новое — и идти той дорогой, которая труднее. «Терминатор» предвосхитил все фильмы о разумных машинах, искусственном интеллекте. Герой Шварценеггера носил Google Glass, когда это ещё не было модным, а роль «жидкого Терминатора» так и осталась лучшей в карьере Роберта Патрика — в основном благодаря тому, как эффектно он смотрится в виде металлической текучей субстанции.
«Не думаю, что происходящее в „Терминаторе“ может случиться на самом деле. В обозримом будущем машины не восстанут. Такие истории можно скорее назвать метафорическими, именно поэтому они „цепляют“ зрителей». Джеймс Кэмерон
В 1997 году потрясением стал «Титаник», изменивший жизнь Леонардо Ди Каприо и Кейт Уинслет, впечатляющий не только романтической и трагической историей любви их героев, но и размахом видеоряда в целом. Кэмерон выстроил модель корабля в натуральную величину на одном из мексиканских пляжей — поступок, сравнимый с подвигом режиссёра Вернера Херцога, затащившего настоящее судно на гору во время съёмок «Фицкарральдо». Сотни статистов дубль за дублем падали с палубы этого «Титаника» во время его «крушения», а Кэмерон в то время снимал настоящий на дне океана — съёмочная группа совершила 12 глубоководных погружений. Сам режиссёр принимал непосредственное участие во всём происходящем и не только барахтался в воде вместе с актёрами, но даже сам нарисовал тот самый портрет героини Уинслет.
«Если бы я снимал „Титаник“ сегодня, то сделал бы все по-другому. Вместо 230-метрового павильона была бы маленькая съемочная площадка, а все остальное было бы дорисовано на компьютере. Не нужно было бы ждать неделю, чтобы снять идеальный закат. Мы бы сняли сцену на фоне „зеленого экрана“ и добавили тот закат, который нам нужен». Джеймс Кэмерон
Он продолжает работать так, как режиссёрам его уровня вроде бы не подобает: сам держит камеру, монтирует, рисует раскадровки, наносит грим — если бы мог, делал бы и всё остальное, говорят те, кому довелось побывать с ним на площадке. Он всегда первым пробует что-то новое, последним уходит в конце рабочего дня и ему, конечно, тяжелее всего угодить.
«Я занимаюсь чем-то до тех пор, пока все не будет сделано правильно». Джеймс Кэмерон
С «Аватара» в 2009 году началась мода на 3D-фильмы, однако до сих пор, несмотря на невероятное количество подобных фильмов, мало кому удалось сделать настолько же красивый и впечатляющий видеоряд. «Аватар» — история о любви в той же степени, что и «Титаник», однако сюжет здесь не является первостепенным. Кэмерон снял кино, предназначенное для больших экранов и самых современных кинотеатров, теряющее всякий смысл при просмотре дома — 5 лет назад это выглядело магией, сродни той, которую, наверное, чувствовали первые зрители «Прибытия поезда» братьев Люмьер.
Дата: Суббота, 22.08.2015, 16:39 | Сообщение # 100
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Такая вот «Ы»стория. Как создавалась любимая советская комедия
«Операция "Ы" и другие приключения Шурика»
В августе 1965 г. состоялась международная премьера «Операции «Ы». За самую популярную советскую комедию Леонида Гайдая сначала отругали, а затем похвалили.
Владик стал Шуриком
В середине августа 1965 г. в столице нашей Родины афиши зазывали кинолюбителей в кинотеатры. Критики пророчили невероятный успех чехословацкой комедии «Лимонадный Джо», некоторые из них были уверены, что она побьёт в прокате комедию «В компании Макса Линдера». О новой картине советского режиссёра Леонида Гайдая «Операция «Ы» и другие приключения Шурика» говорили скупо. Каково же было удивление не только критиков, но и самого режиссёра, когда «Операцию «Ы» посмотрели 69 миллионов 600 тысяч человек! Леонид Гайдай и его Шурик побили все советские рекорды кинопроката! Тут никакой «Лимонадный Джо» и рядом не стоял.
А началась эта комедийная «Ы»стория в 1964 г. Режиссёр Леонид Гайдай разыскивал комедийный сценарий. Однажды ему принесли на вычитку творение двух авторов, Мориса Слободского и Якова Костюковского, под названием «Несерьёзные истории». Гайдаю сразу приглянулся главный герой - студент Владик Арьков, искренний, несуразный, постоянно попадающий в смешные ситуации, совсем как он, Леонид Гайдай. Леонида Иовича так увлекла судьба Владика, что он переписал почти весь сценарий, оставив в «живых» только одну сцену, где Владик занимается воспитанием Мрачного типа, которому совсем не нравится трудиться, а очень нравится отдыхать.
Владик стал Шуриком тоже по мановению руки Леонида Иовича. Дело в том, что он никак не мог подобрать актёра, пробовал и Евгения Жарикова, и Сергея Никоненко, и Александра Збруева, и даже Олега Видова. И вот однажды Леониду Гайдаю показали фотографию ленинградского актёра Александра Демьяненко. «Вылитый Владик!» - воскликнул Гайдай и отправился в Питер знакомиться. При встрече с Демьяненко Гайдай убедился уже на 200%, что перед ним тот самый Владик, точнее уже Шурик. Говорят, Гайдай переименовал главного героя в честь Демьяненко. Кстати, в Ленинграде режиссёр повстречал и второго персонажа - того самого Мрачного типа, которого должен был перевоспитать Владик-Шурик, - актёра Алексея Смирнова. Правда, сначала планировалось снять в роли «товарища тунеядца» Михаила Пуговкина, но его кандидатуру не одобрил худсовет. Гайдаю сказали, что у Пуговкина слишком «бандитское лицо». Бандиты не понравились начальству. Фото: Кадр из фильма «Операция «Ы» и другие приключения Шурика».
Главную героиню фильма, хорошую девочку Лиду, Гайдай разыскал уже в Москве. Юная студентка Наталья Селезнёва поразила режиссёра своей непосредственностью. Во время проб он решил над ней пошутить и,
оценив её прямым взглядом с ног до головы, с грустью произнёс: «У героини будет сцена с раздеванием. А у вас, как я вижу, фигура всё-таки не очень». «Это у меня не очень?!» - удивилась и разозлилась Селезнёва и тут же, не смущаясь киногруппы, сняла с себя платье. Оценив не только фигуру, но и смелость актрисы, Гайдай утвердил её на роль Лидочки.
Только одного актёра Гайдай нашёл с первой попытки - им был пёс породы боксёр. Правда, Гайдаю пришлось потом поработать на площадке за того пса. Во время съёмок эпизода, в котором Демьяненко и Селезнёва должны были пройти мимо злобной псины, совершенно не заметив её, Гайдай скомандовал: «Мотор!» - и внезапно улёгся рядом с собакой, взял её за передние лапы и стал как бы удивлённо поднимать боксёрские плечи. Во время съёмок ни собака, ни режиссёр не пострадали, а дубль был сделан с первого раза.
Но съёмочной группе «Операции «Ы» не всегда так везло на первые дубли, точнее, на них как раз очень не везло. Виной всему была дождливая погода, которая то и дело прерывала съёмки. Но в один из дней солнце вышло из-за туч, оператор кинулся к камере, Гайдай - к режиссёрскому креслу, актёры выстроились на площадке. Работали над эпизодом на стройке, когда ноги Шурика завязли в битуме. Жара, сухо, на небе ни облачка, температура поднялась выше 30 градусов… битум загорелся. Хорошо, что в этот момент Демьяненко ещё не успел наступить в него ногой. В результате вместо съёмок вся группа тушила пожар.
Моргунова забраковали
Закончилось лето, две истории были готовы, прошла осень, пришла зима. Гайдай отправился в Ленинград доснимать новеллу с Трусом, Балбесом и Бывалым. По сценарию - мороз, заснеженный склад… А на улице слякоть и дождь. Что делать? Где-то наскребли снега, привезли на самосвалах, рассыпали возле склада. Спустя два часа вокруг были огромные лужи и ни одной снежинки. Тогда Гайдай заставил реквизиторов соорудить ему снег из ваты и нафталина. Вот по вате и нафталину и проехался Евгений Моргунов на малюсенькой машинке для инвалидов, на которую Гайдай для смеха прицепил дипломатические номера.
Удивительно, но этот момент цензура проглядела, но зато заметила другие. Сам Иван Пырьев требовал убрать Владимира Басова, который якобы не подходил на роль милиционера, урезать сцены с Пуговкиным - прорабом, с Моргуновым, Вициным. «Я считаю, что надо кончать снимать Моргунова и Пуговкина. Они неинтересны и надоели…» - раззадоривался Пырьев. Ему не понравился и эпизод, в котором Мрачный тип превращается в папуаса, история на экзамене, когда студент симулирует болезнь, а сам слушает по радиопередатчику ответы на вопросы.
Гайдай послушал худсовет, повздыхал вместе с ним, а потом вырезал пару сцен, а всё остальное оставил так, как было. В итоге советские киноначальники присвоили комедии 2-ю группу - то есть назвали её продукцией второго сорта, за которую и режиссёр, и актёры получили пониженные гонорары.
Но потом, увидев окончательный результат, даже Пырьев взял свои слова обратно.
Цитаты из фильма
«Гражданин, уступите место, встаньте». — «Если я встану — ты у меня ляжешь». * * * «Ну, граждане алкоголики, хулиганы, тунеядцы... Кто хочет сегодня поработать? А?!» Статья по теме Нина Гребешкова: «Гайдаю было неинтересно, если ничего не происходило» * * * «Есть наряд на строительство жилого дома. Цементный завод!» — «А на ликёро-водочный нет?» * * * «И недаром все континенты рукоплещут труженикам нашего большого балета». * * * «Пойми, студент, сейчас к людям надо помягше. А на вопросы смотреть ширше». * * * «Экзамен для меня — всегда праздник, профессор!» * * * «Граждане новосёлы! Внедряйте культурку! Вешайте коврики на сухую штукатурку! Никакого модернизма! Никакого абстракционизма! Сохраняет стены от сырости, вас — от ревматизма! Налетай, торопись, покупай живопись!» * * * «Всё уже украдено до нас». * * * «Почему „Ы“? Чтоб никто не догадался». * * * «Вы должны были в виде прохожего подойти к старухе и привлечь её внимание простым, естественным вопросом. А вы что спросили?» — «Как пройти в библиотеку?» * * * «Тренируйся лучше... на кошках».
Дата: Понедельник, 24.08.2015, 20:48 | Сообщение # 101
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
ТОП-15 драматических фильмов, которые невозможно смотреть без слёз.
Они совершенно разные: одни о любви, другие об отношении человека к животным, третьи о родителях. Но эти фильмы объединяет одно – их невозможно смотреть без слёз. Эти 15 кинолент способны затронуть наши тонкие нотки души. Их можно смотреть только в компании платочков.
Зеленая миля
Трагедия Джона Коффи — человека, который погиб за то, что делал людям добро, не может не тронуть до глубины души. Страшно не только то, что был казнен невиновный, ужасен тот факт, что Коффи так и не смог найти себе место в мире, всеми отторгался и был одинок.
Знакомьтесь, Джо Блэк
Грустный фильм о том, что конец неизбежен. Никто не знает, как, когда и в каком обличье за ним придет смерть. Что нужно говорить, как вести себя? И главное, будешь ли ты готов ко встрече с ней? Герой Энтони Хопкинса, мультимиллионер Уильям Пэрриш, не был готов, поэтому ему предложили сделку…
Белый Бим Черное ухо
Очень печальная история, но в то же время очень искренняя и правдивая. История, которая объединяет в судьбе одной собаки столько разных судеб. И обнажает души. Своим отношением к животному люди показывают себя такими, какие они есть. Поражает то, насколько люди могут быть злыми, жестокими, алчными.
1+1 / Неприкасаемые
Фильм рассказывает нам о двух совершенно разных персонах, они относятся к разным слоям общества, и каждый живет своей нелегкой жизнью. У Филиппа скучная размеренная жизнь, он не ждет нечего и никого, кроме следующей «няньки». Дрис пытается найти работу, но везде его ждет отказ, ему остается подписать последнюю бумажку, чтобы получать пособие по безработице. Вопрос, как эти двое могут встретиться и изменить жизнь друг друга?
Двухсотлетний человек
Начало эпохи новых глобальных технологий. «Заводить» роботов в доме — стало обычным явлением. Купленный как прибор и запрограммированный для выполнения домашней работы, Эндрю вдруг начинает испытывать нехарактерные для него ощущения. Он еще не знает, что это называется «чувствовать». С этого и начинается путь робота Эндрю к познанию сути человеческой природы…
Если только
«Если только» — пособие по тому, как надо любить. Уходя в свои заботы, не стоит забывать, что ты любишь и тебя любят. Ты знаешь, что вы дороги друг другу, но
надо уметь любить, а не просто чувствовать. Этому учит мелодрама с потрясающе сыгравшими актерами.
Заплати другому
«Ты непременно должен сделать добро трем людям, которые в свою очередь обязаны продолжить процесс» — примерно так звучит главная идея картины «Заплати другому». Замечательный фильм, который показывает, что добро делать не так уж и сложно.
Искусственный разум
Эта картина рассказывает нам историю мальчика-андроида, наделенного чувствами. Он умеет любить, а всё, чего он хочет, это просто, чтобы и его любили. Реализуя эту идею, он повстречает много разнообразных существ и побывает в самых разных местах. Его путь домой будет сплошным приключением, пусть и не всегда приятным, но очень интересным.
Мама
Почему-то никогда не пыталась найти в этом фильме что-то сверхъестественное, фильм прост и необычен одновременно. Всё здесь о Маме. Даже произносится это слово как-то очень нежно и трепетно. Этот фильм знаменателен также тем, что это последняя главная роль выдающейся актрисы Нонны Мордюковой.
Мой ангел-хранитель
Странное дело в арсенале американского адвоката: 11-летняя девочка подает в суд на своих родителей, когда узнает, что она была зачата в пробирке лишь с одной целью — чтобы стать спасением для своей больной раком сестры.
Сладкий ноябрь
Фильм — прекрасный пример того, что смысл жизни — это не наряды, не высокооплачиваемая работа и уж точно не деньги. Но люди осознают это, только когда смерть стучится в их двери. И вот тогда человек понимает настоящую суть жизни.
Спеши любить
Крутой парень вынужден отбывать наказание за некоторый проступок и просит помощи у серой мыши, девушки, над которой раньше он постоянно издевался. Но постепенно он всё больше и больше ее узнает, ему открывается ее богатый внутренний мир, красота души, и он в нее влюбляется.
Филадельфия
Успешного молодого адвоката Эндрю увольняют без объяснения причины, хотя она очевидна всем, в том числе герою. Просто-напросто успешный и молодой юрист — гей, к тому же больной ВИЧ. Эндрю решает бороться за свои права до конца, однако никто не хочет представлять его в суде. И тут случай сталкивает его с коллегой, Джо, который готов вступить в борьбу на стороне Эндрю…
Хатико: самый верный друг
В основу фильма легла реальная история. Трогательная, красивая, но вместе с тем очень печальная картина о собаке, которая была предана своему хозяину и любила его верно, больше своей жизни…
Танцующая в темноте
Сельма — блаженная чудачка, любящая мюзиклы. Она приехала из Чехословакии и работает на заводе, собирая деньги на операцию сыну. У Сельмы тоже тяжелая болезнь, вследствие чего она быстро теряет зрение и слепнет. Об этом никто не знает, да она никому и не скажет — зачем? Но она рискует не только собой, притворяясь женщиной с просто плохим зрением…
Такие фильмы нужно смотреть только в правильном настроении.
10 жутких фильмов, которые действительно основаны на реальных событиях.
Фильм основан на реальных событиях» — такую надпись можно встретить в начальных титрах довольно многих кинокартин. Чаще всего это не более, чем рекламный ход, призванный увеличить прибыль с проката фильма. Однако, в этой подборке собраны именно те фильмы, которые на самом деле были основаны на весьма жутких, страшных, но тем не менее, вполне реальных событиях.
1. Изгоняющий дьявола (1973).
Фильм: Сценарий написан по роману «Экзорцист» Уильяма Блэтти. В семью известной актрисы приходит беда — ее несовершеннолетняя дочь начинает вести себя неадекватным образом. Мать полагает, что это следствие ее личной трагедии, врачи подозревают психическое заболевание и не в силах поставить диагноз. Специально приглашенный священник подозревает, что девочка одержима дьяволом.
Реальная история: книга Блэтти была вдохновлена историей о мальчике Роланде Доу, родившемся 1 июня 1935 года и жившем в Маунт Рейнере, в которого вселилась нечистая сила после того, как с января 1949 года он вместе со своей тетушкой Тилли стал регулярно участвовать в спиритических сеансах. Лечение в клинике Джорджтаунского университета мальчику не помогло, изгнать из него беса удалось священникам-иезуитам в Сент-Луисском университете.
2. Девушка по соседству (2007).
Фильм: Подросток Дэвид Морган, во время ловли раков, знакомится со своей новой соседкой — 16-ти летней Меган, которая, со своей 10-ти летней сестрой Сьюзан, живет в семье Чендлеров. Миссис Чендлер, которую дети зовут «Руфь», не самая хорошая мать. У нее трое сыновей, которым она разрешает пить пиво, и иногда заводит с ними непристойные разговоры. Меган и Сьюзан непросто живется в доме «Тетушки Руфь». Они вынуждены терпеть побои и унижения со стороны членов семьи. Мэг не выдерживает и докладывает об этом шерифу, за что Руфь решает её проучить. Дэвид застал Руфь и её сыновей за истязаниями Мэг. Он не мог уснуть всю ночь и решил помочь ей…
Реальная история: Шокирующие события фильма были взяты из истории убийства Сильвии Лайкенс — это американская девушка, убитая в возрасте шестнадцати лет после длительных пыток. Родители Сильвии, Лестер и Бетти Лайкенс, оставили её на попечение домохозяйки Гертруды Банишевски, которой платили 20 долларов в неделю. Сильвия подвергалась жестокому обращению со стороны Банишевски, её детей Полы и Джона и живущих по соседству подростков Ричарда Хоббса и Коя Хаббарда. Спустя три месяца Лайкенс скончалась от внутримозгового кровоизлияния, шока и недоедания. Данный случай получил широкий резонанс в США. Он был назван «худшим преступлением против человека в истории Индианы».
3. Ужас Амитивилля (2005).
Фильм: 14 ноября 1974 года в полицейский участок поступил ужасный звонок: в резиденции семьи Де Фо шесть человек застрелено в своих постелях. Рональд Де Фо признался в убийстве своих родителей и братьев, объяснив, что некие «голоса» велели ему совершить убийства. Год спустя Джордж и Кейти Латс с тремя детьми переезжают в этот дом, полагая, что сбылась их заветная мечта. Они еще не знают, что их счастье под угрозой страшной демонической силы, способной
его разрушить. Ужас вновь охватывает Амитивилль…
Реальная история: Эд и Лоррейн Уоррены — знаменитые американские исследователи паранормальных явлений. Они известны, прежде всего, как участники события, известного под названием Ужас Амитивилля. Пара из Нью-Йорка Джордж и Кети Латс заявили, что их дому не дает покоя присутствие жестоких демонических сил, настолько сильное, что это вынудило их покинуть собственный дом. Авторы книги «Заговор Ужаса Амитивилля» Стивен и Роксанна Каплэн охарактеризовали случай как «мистификацию». Лоррейн Уоррен заявила репортеру «Экспресс-Таймс», что случай не был мистификацией. В ночь на 6 марта 1976 года Эд и Лоррэйн Уоррен вместе с телевизионной группой «Канал 5 в Нью-Йорке» и репортером Майклом Линдером из «WNEW-FM» исследовали дом.
4. Заклятие (2013).
Фильм: Пугающая история всемирно известных детективов, занимающихся паранормальными расследованиями. К ним за помощью обратилась семья, терроризируемая темным духом на уединенной ферме. Вынужденные сражаться с могущественной демонической сущностью детективы сталкиваются с самым пугающим случаем в своей жизни.
Реальная история: И снова Эд и Лоррейн Уоррены, которые утверждают, что в свое время исследовали более 10000 паранормальных случаев. На этот раз в основу фильма легла история семьи Перрон. В 1971 году Уоррены заявили, что дом Перронов (Род-Айленд, США), был атакован ведьмой по имени Батшеба Шерман, которая жила там в XIX веке. Проклятие, которое было наложено на эту землю, заключалось в том, что люди, обосновавшиеся на ней, умирали в результате различных случаев.
5. Шесть демонов Эмили Роуз (2005)
Фильм: Сеанс изгнания дьявола из молодой девушки закончился ее смертью. Священнику-экзорцисту, проводившему обряд, было предъявлено обвинение в убийстве, хотя процесс был официально инициирован католической церковью.
Реальна история: В 17-летнем возрасте немецкая девушка Аннелиза Михель пережила первый припадок, после чего у неё была диагностирована височная эпилепсия. Несмотря на проводимое лечение, состояние девушки ухудшалось, и она начала проявлять симптомы психического расстройства. Михель и её семья решили, что она одержима, и обратились к католическому священнику с просьбой произвести изгнание демонов. Обряды продолжались в течение 10 месяцев. В июле 1976 года Михель умерла от истощения и обезвоживания, вызванных её длительным отказом от потребления пищи и воды.
6. За гранью страха (2007).
Фильм: Три студента колледжа, Фил, Эд, и Генри отправляются в автопутешествие по Мексике, чтобы провести целую неделю в беззаботных пьянках и веселье. Но в этой латиноамериканской стране их ждет настоящий кошмар — Фил оказывается пленником группы мексиканских наркоконтрабандистов. Бандиты оказываются еще и членами сатанинского культа, и как раз подыскивают новую кандидатуру для жертвоприношения. Молодые несмышленые туристы — что может быть лучше?
Реальная история: Фильм был вдохновлён историей Адольфо «де Хесуса» Констанзо, лидера культа, в котором открыто практиковались ритуальные жертвоприношения людей. Констанзо похитил и убил членов мексиканских наркокартелей, когда ему было отказано в доле бизнеса. Его «религия» являлась смесью из нескольких разных учений, таких как кубинский сантерий, ацтекский сантисмо, гаитянских вуду и других. Эти безумцы уделывались наркотиками и приносили в жертву «сверхъестественным силам» человеческие жизни. Эти звери варили в котле человеческий мозг и сердце и ритуально поедали это варево.
7. Открытое море (2003).
Фильм: Молодая семейная пара отправляется отдыхать на Багамы. Отдых обещает быть романтичным и захватывающим. Сьюзан и Дэниел заказывают места на катере для любителей ныряния, который обещает вывезти туристов к самым красивым местам мирового океана. Но прекрасное погружение заканчивается кошмаром. Всплыв на поверхность, герои обнаруживают, что катер уплыл, оставив их в открытом море в пятнадцати километрах от берега одних. И тут появляется стая акул…
Реальная история: В январе 1998 года Томас и Айлин Лонерган по ошибке были оставлены катером (был неверно проведён подсчёт вернувшихся дайверов), только спустя 48 часов команда случайно обнаружила на борту сумку, которая, судя по лежащим в ней документам, принадлежала Лонерганам… На следующий день на поиски пары были подняты 17 самолётов, два вертолёта и несколько частных лодок, которые прочёсывали радиус в три тысячи миль. Не найдя ни самих супругов, ни их тел, 14 февраля 1998 года поиски были прекращены. Как долго Лонерганы были живы, стало ясно, когда спустя шесть месяцев в 100 милях к северу от Рифа рыбаки нашли дайверскую дощечку (предположительно Тома Лонергана), с помощью которых дайверы общаются под водой. На ней каракулями было написано: «Понедельник 26 января; 1998 8:00. Всем, кто может нам помочь: Мы были оставлены у Рифа Эйдженткурт катером «Аутэр-Эдж» 25 января 98 г. в 15:00. Пожалуйста, спасите нас, пришлите нам помощь прежде, чем мы умрём. Помогите!!!».
8. 247 градусов по Фаренгейту (2011).
Фильм: Четверо друзей отправляются в дом на берегу озера, чтобы весело провести выходные… Но уик-энд превращается в настоящий кошмар, когда трое из них оказываются запертыми в горячей сауне. Температура стремительно растёт… Каждая минута дорога в борьбе за выживание…
Реальная история: этот случай действительно имел место быть. Трое мужчин провели 10 часов в сауне в Грузии, после того как их друг, по случайности заперев всех, ушёл в туалет и забыл вернуться. К счастью тогда никто не погиб.
9. Шкатулка проклятия (2012).
Фильм: Девочка покупает винтажную шкатулку на ярмарке в одном из соседних дворов. Поначалу родители не видят повода для беспокойства, когда их младшая дочь становится одержима новой игрушкой. Со временем поведение девочки становится все более странным, а реакции неожиданными, родители пытаются раскрыть секрет шкатулки. Они не подозревают, что в деревянной коробке живет злой дух, который творит страшные вещи со своими хозяевами — их было много и владели они этим «сокровищем» очень недолго. Отец девочки объединяется с бывшей женой в попытках найти способ снять проклятие с их ребенка.
Реальная история: Режиссер Оле Борнедал рассказал историю о шкатулке Диббука, которая стала вдохновением для фильма. Еврейская легенда гласит, что Диббук — это злой дух, который может вселиться в душу живого человека. Многочисленные владельцы одной конкретной шкатулки, которая поступила в продажу на eBay сообщали о странных явлениях, происходящих вокруг неё.
10. Палач Дамер (2002).
Фильм: Палач… Животное… Монстр… Ни одно из этих определений не способно точно охарактеризовать Джеффри Дамера, обвиненного в убийстве, расчленении и поедании тел более чем 15 молодых людей в Милуоки. Может ли подобный монстр считаться человеком? Этот фильм исследует истинную природу человека, пытается найти причины, способные заставить человека утратить все сдерживающие факторы и превратиться в нечто, чему нет названия.
Реальная история: Джеффри Дамер — американский серийный убийца, жертвами которого стали 17 юношей и мужчин в период между 1978 и 1991 годами. Все преступления, кроме одного, были совершены в Милуоки с 1987 по 1991 год. Преступления Дамера отличала крайняя жестокость, трупы жертв он насиловал и употреблял в пищу. Хотя его извращения — каннибализм, некрофилия — как утверждают многие, стали следствием безумия, суд признал Дамера вменяемым и приговорил его к пятнадцати пожизненным срокам. Через два года после этого Дамер был избит до смерти своим сокамерником.
Дата: Воскресенье, 30.08.2015, 10:53 | Сообщение # 103
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Матрица: неизвестный финал
Многие кинокритики отмечают, что после концептуальной «Матрицы номер один» ее продолжения слишком сильно отдавали желанием заработать как можно больше денег на успехе предыдущей картины, чтобы считаться достойными фильма-предшественника. Возможно, все могло выглядеть совсем по-другому...
Многие считают, что братья (тогда еще) Вачовски, собственно, сотворили один-единственный фильм, на славе которого и строили всю свою последующую карьеру. Первая «Матрица» гениальна. Вторая и третья части трилогии далеко ушли в сторону чистой коммерции, и этим слегка подпортили послевкусие, но то, что оригинальная картина оказалась выше всех и всяческих похвал — это уж точно.
К сожалению, переполнив сногсшибательными спецэффектами продолжения, забив их под завязку персонажами и второстепенными событиями, авторы «Матрицы» утратили обжигающую простоту оригинала, чему своеобразный хэппи-энд с восходом солнца тоже не способствовал.
Но что вы скажете, если узнаете, каков был оригинальный замысел Вачовски? Будь он воплощен на экране должным образом — и эффект от «Матрицы» был бы усилен втрое, ведь по жестокости финального поворота событий фильм превзошел бы даже «Бойцовский клуб»!
Сценарий «Матрицы» создавался Вачовски на протяжении более чем пяти лет. Годы непрерывного труда породили целый иллюзорный мир, густо пронизанный сразу несколькими сюжетными линиями, время от времени причудливо переплетавшимися между собой. Адаптируя свой колоссальный труд для экранизации, Вачовски изменили так много, что, по их же собственному признанию, воплощение их замыслов оказалось лишь «фантазией по мотивам» той истории, что была придумана в самом начале. Хотя, конечно, основная идея всегда оставалась неизменной.
Самое интересное заключается в следующем: на определенном этапе из сценария в конечном итоге была убрана на редкость занимательная составляющая - суровый финальный твист. Дело в том, что с самого начала Вачовски задумывали свою трилогию как фильм с, пожалуй, самым печальным и безысходным концом, какой только можно себе представить. Судя по обширному фрагменту сценария, который был отвергнут весь целиком на этапе согласования производства картины с продюсером Джоэлом Сильвером, мы лишились на редкость ошеломляющего финала, который уж точно смотрелся бы лучше того «хэппи-энда», который в конце концов попал на экраны.
Прежде всего, стоит оговориться, что сценарные наброски и разные варианты одного и того же фильма, будучи отвергнутыми, далее не дорабатывались, поэтому многое осталось не увязанным в стройную систему. Так, в «грустном» варианте трилогии события второй и третьей частей довольно сильно урезаны. При этом в третьей, заключительной части начинается развертывание настолько суровой интриги, что она практически ставит с ног на голову все события, происходившие ранее по сюжету. Точно так же финал шьямалановского «Шестого чувства» полностью перетряхивает все события фильма с самого его начала. Только в «Матрице» зритель новыми глазами должен был взглянуть практически
на всю трилогию. И очень жаль, что Джоэл Сильвер настоял на реализованном варианте — этот явно лучше.
Итак, оригинальный сценарий истории:
С момента окончания событий первого фильма проходит шесть месяцев. Нео, находясь в реальном мире, обнаруживает у себя невероятную способность воздействовать на окружающее: сперва он поднимает в воздух и гнет ложку, лежащую на столе, потом определяет положение машин-Охотников за пределами Зиона, потом в бою со Спрутами уничтожает одного из них силой мысли на глазах потрясенной команды корабля.
Нео и все окружающие не могут найти объяснение данному феномену. Нео уверен, что этому есть веская причина, и что его дар как-то связан с войной против машин, и способен оказать решающее воздействие на судьбу людей (интересно отметить, что в снятом фильме эта способность тоже есть, но она вовсе не объясняется, и на ней даже не особенно заостряют внимание — может, и все тут. Хотя, по здравом размышлении, умение Нео в реальном мире вытворять чудеса не имеет абсолютно никакого смысла в свете всей концепции «Матрицы», и выглядит просто странно).
Итак, Нео отправляется к Пифии, чтобы получить ответ на свой вопрос, и узнать, что ему делать дальше. Пифия отвечает Нео, что не знает, почему он обладает сверхспособностями в реальном мире, и как они связаны с Предназначением Нео. Она говорит, что тайну Предназначения нашего героя может открыть только Архитектор — верховная программа, создавшая Матрицу. Нео ищет способ встретиться с Архитектором, проходя через неимоверные трудности (здесь участвуют уже известные нам Мастер ключей в плену у Меровингена, погоня на шоссе и прочее) .
'''И вот Нео встречается с Архитектором. Тот открывает ему, что город людей Зион уничтожался уже пять раз, и что уникальный Нео был намеренно создан машинами для того, чтобы олицетворять для людей надежду на освобождение, и таким образом сохранять спокойствие в Матрице и служить ее стабильности. Но когда Нео спрашивает у Архитектора, какую роль во всем этом играют его сверхспособности, проявляющиеся в реальном мире, Архитектор говорит, что ответ на этот вопрос никогда не может быть дан, ибо он приведет к знанию, которое уничтожит все, за что сражались друзья Нео и он сам.
To be concluded...
Третий фильм
После разговора с Архитектором Нео понимает, что здесь скрыта какая-то тайна, разгадка которой может принести долгожданный конец войны между людьми и машинами. Его способности становятся все сильнее. (В сценарии есть несколько сцен с впечатляющими боями Нео с машинами в реальном мире, в котором он развился до ультимативного супермена, и может почти то же, что и в Матрице: летать, останавливать пули и прочее)'''
В Зионе становится известно, что машины начали движение к городу людей с целью убить всех вышедших из Матрицы, и все население города видит надежду на спасение в одном только Нео, который вытворяет прямо-таки грандиозные вещи — в частности, получает умение устраивать мощные взрывы там, где он хочет.
Тем временем вышедший из-под контроля главного компьютера агент Смит, ставший свободным и получивший умение бесконечно копировать себя, начинает угрожать уже самой Матрице. Вселившись в Бэйна, Смит проникает также и в реальный мир.
Нео ищет новой встречи с Архитектором, чтобы предложить ему сделку: он уничтожает агента Смита, разрушив его код, а Архитектор открывает Нео тайну его сверхспособностей в реальном мире и останавливает движение машин на Зион. Но комната в небоскребе, где Нео встречался с Архитектором, пуста: создатель Матрицы поменял свой адрес, и теперь никто не знает, как его найти. Ближе к середине фильма происходит тотальный коллапс: агентов Смитов в Матрице становится больше, чем людей и процесс их самокопирования нарастает как лавина, в реальном мире машины проникают в Зион, и в колоссальной битве уничтожают всех людей, кроме горстки уцелевших во главе с Нео, который, несмотря на свои сверхспособности, не может остановить тысячи машин, рвущихся в город.
Морфеус и Тринити гибнут рядом с Нео, героически защищая Зион. Нео в страшном отчаянии увеличивает свою силу до совсем уж неимоверных масштабов, прорывается к единственному уцелевшему кораблю («Навуходоносор» Морфеуса), и покидает Зион, выбираясь на поверхность. Он направляется к главному компьютеру, чтобы уничтожить его, мстя за гибель жителей Зиона, и особенно — за смерть Морфеуса и Тринити.
На борту «Навуходоносора» прячется Бэйн-Смит, пытающийся помешать Нео уничтожить Матрицу, поскольку он понимает, что при этом погибнет и сам. В эпической драке с Нео Бэйн также проявляет суперспособности, выжигает Нео глаза, но в конце концов погибает. Далее следует совершенно сногсшибательная сцена, в которой ослепший, но все равно все видящий Нео сквозь мириады врагов прорывается к Центру и устраивает там грандиозный взрыв. Он буквально испепеляет не только Центральный Компьютер, но и самого себя. Миллионы капсул с людьми отключаются, свечение в них пропадает, машины замирают навсегда и взору зрителя предстает погибшая, пустынная планета.
Яркий свет. Нео, совершенно неповрежденный, без ран и с целыми глазами, приходит в себя сидящим в красном кресле Морфеуса из первой части «Матрицы» в абсолютно белом пространстве. Он видит перед собой Архитектора. Архитектор говорит Нео, что потрясен тем, на что способен человек во имя любви. Он говорит, что не учел ту силу, которая вселяется в человека, когда он готов пожертвовать своей жизнью ради других людей. Он говорит, что машины на это не способны, и поэтому они могут проиграть, даже если это кажется немыслимым. Он говорит, что Нео — единственный из всех Избранных, который «смог зайти так далеко».
Нео спрашивает, где он. В Матрице, отвечает Архитектор. Совершенство Матрицы заключается, в числе прочего, еще и в том, что она не допускает, чтобы непредвиденные события нанесли ей хоть малейший ущерб. Архитектор сообщает Нео, что они сейчас находятся в «нулевой точке» после перезагрузки Матрицы, в самом начале ее Седьмой Версии.
Нео ничего не понимает. Он говорит, что только что уничтожил Центральный Компьютер, что Матрицы больше нет, как и всего человечества. Архитектор смеется, и сообщает Нео нечто, шокирующее до глубины души не только его, но и весь зрительный зал.
Зион — это часть Матрицы. Для того, чтобы создать для людей видимость свободы, для того, чтобы дать им Выбор, без которого человек не может существовать, Архитектор придумал реальность внутри реальности. И Зион, и вся война с машинами, и агент Смит, и вообще все, что происходило с самого начала трилогии, было спланировано заранее и является не более чем сном. Война была только отвлекающим маневром, а на самом деле все, кто погиб в Зионе, боролся с машинами, и сражался внутри Матрицы, продолжают лежать в своих капсулах в розовом сиропе, они живы и ждут новой перезагрузки системы, чтобы снова начать в ней «жить», «бороться» и «освобождаться». И в этой стройной системе Нео - после его «перерождения» - будет отведена все та же самая роль, что и во всех предыдущих версиях Матрицы: вдохновлять людей на борьбу, которой нет.
Ни один человек никогда не покидал Матрицу с момента ее создания. Ни один человек никогда не умирал иначе, как согласно плану машин. Все люди — рабы, и это никогда не изменится.
Камера показывает героев фильма, лежащих в своих капсулах в разных уголках «питомников»: вот Морфеус, вот Тринити, вот капитан Мифунэ, погибщий в Зионе смертью храбрых, и многие, многие другие. Все они безволосы, дистрофичны и опутаны шлангами. Последним показывают Нео, выглядящего в точности так же, как в первом фильме в момент его «освобождения» Морфеусом. Лицо Нео безмятежно.
Вот как объясняется ваша суперсила в «реальности», говорит Архитектор. Этим же объясняется и существование Зиона, который люди «никогда не смогли бы построить таким, каким вы его видели» из-за нехватки ресурсов. И неужели, смеется Архитектор, мы позволяли бы освобожденным из Матрицы людям скрываться в Зионе, если у нас всегда была возможность либо убить их, либо подключить к Матрице снова? И неужели нам нужно было ждать десятилетия, чтобы уничтожить Зион, даже если бы он существовал? Все-таки вы нас недооцениваете, мистер Андерсон, говорит Архитектор.
Нео, с помертвевшим лицом глядящий прямо перед собой, пытается осознать происшедшее, и бросает последний взгляд на Архитектора, который говорит ему на прощание: - "В Седьмой Версии Матрицы миром будет править Любовь".
Звучит будильник. Нео просыпается, и выключает его. Последний кадр фильма: Нео в деловом костюме выходит из дома, и быстрым шагом направляется на работу, растворяясь в толпе. Под тяжелую музыку начинаются финальные титры.'''
Мало того, что этот сценарий выглядит более стройным и понятным, мало того, что в нем действительно блестяще объясняются сюжетные дыры, которые были оставлены без объяснений в экранизации — он еще и гораздо лучше вписывается в мрачный стиль киберпанка, чем исполненный «надежды» конец увиденной нами трилогии. Это не просто Антиутопия, но Антиутопия в своем самом жестоком проявлении: конец света давно позади, и ничего нельзя исправить.
Но продюсеры настояли на хэппи-энде, пусть и не особенно радостном, а еще их условием было обязательное включение в картину эпичного противостояния Нео и его антипода Смита как некого библейского аналога битвы Добра и Зла. В итоге довольно навороченная философская притча первой части досадно выродилась в набор виртуозных спецэффектов без особенно глубокой задней мысли.
Это никогда не будет снято. Остается только представлять, как это могло быть. И это могло быть очень, очень круто.
АиФ.ru подобрал четыре фильма, ставших выдающимися с точки зрения использованных спецэффектов.
Путешествие на Луну (1902), Жорж Мельес
1 сентября 1902 года Франция впервые увидела «Путешествие на Луну» Жоржа Мельеса — первый научно-фантастический фильм в истории кинематографа. Сейчас эта картина считается одной из самых известных работ режиссера, во многом благодаря его изобретательности. В «Путешествии на Луну» Мельес использовал несколько спецэффектов собственного производства, которые потом прочно вошли в киноиндустрию. Режиссера даже прозвали «киноволшебником» («cinemagician») за поразительное умение создавать новые реальности. Некоторые из его спецэффектов, с поправкой на развитие техники, распространены и сегодня. Например:
Стоп-кадр — прием, когда съемка в какой-то момент останавливается, одни вещи убирают, другие добавляют, и съемка продолжается. Так создается ощущение внезапного появления/исчезновения предметов или персонажей, а также меняется естественный ход времени. Сейчас это делается для анимации в специализированных компьютерных программах.
Путешествие на Луну / Le voyage dans la lune / A Trip to the Moon
Наплыв — переход от одного кадра к другому, когда последующая сцена наслаивается на предыдущую. Видеоряды показывают вместе, один на другом, в течение 1-3 секунд, затем первый окончательно затемняется и остается только второй.
Двойная экспозиция — способ съемки, когда сцену «собирают» по частям, записывая второе изображение поверх первого. Это позволяет соединить объекты и действия, ранее разделенные во времени и пространстве.
Замедленная и ускоренная съемка — виды съемки с меньшей (в первом случае) или с большей (во втором) частотой кадров в секунду, чем обычные 24. Поскольку потом показ идет с обычной скоростью, исходное действие получается ускоренным (в первом случае) или замедленным (во втором).
Покадровая съемка (timelapse) — разновидность замедленной съемки, при которой видеоряд составляется из последовательной серии фотографий (в среднем для 30 секунд видео используют около 750 фотографий). Во времена Мельеса с помощью покадровой съемки обычно «оживляли» неподвижные предметы. Сейчас таким способом чаще всего запечатлевают действия, происходящие медленно (например, восход солнца).
На протяжении столетия фильм «Путешествие на Луну» распространялся в коротком варианте — без торжественной встречи астрономов на Земле. Однако в 2002 году обнаружили полную версию картины. Она оказалась раскрашенной вручную, что в самом начале XX века считалось революционным.
Метрополис (1927), Фриц Ланг
Эта антиутопия Фрица Ланга (после просмотра которой Адольф Гитлер предложил режиссеру стать идейным вдохновителем режима) едва не разорила немецкую киностудию UFA (Universum Film AG). Но не потому, что фильм провалился в прокате: наоборот, картина имела огромный успех как у критиков, так и у зрителей. Дело в передовых технологиях того времени, стоивших баснословных денег. Когда режиссер значительно превысил заявленный бюджет, студии пришлось обратиться за финансовой помощью к американской кинокомпании Gunning. Последняя деньги предоставила. Но взамен взяла на вооружение эксклюзивные разработки Ланга.
Что же предложил Фриц Ланг в области спецэффектов?
Использование миниатюр. Вдохновленный поездкой в Нью-Йорк, режиссер решил создать в своем фильме похожий город. Так на съемочной площадке появились миниатюрные модели небоскребов, садов, мостов, автомобилей — вместо принятых раньше огромных декораций. Виды Новой Вавилонской башни, одного из ключевых сооружений города, изобразили на картоне размером всего 60*40 см.
Метод усиленной перспективы. Модели зданий и дорог создавали сразу с учетом перспективы: чем дальше от камеры, тем
мельче. Благодаря этому приему, город, снятый в 3,5 метрах студии, на экране кажется в 100 раз больше.
Покадровая анимация. На подготовку и съемку некоторых сцен фильма длиной несколько секунд порой уходили недели — приходилось собирать видеоряд по отдельным фотокадрам. Например, автомобили по дорогам, миллиметр за миллиметром, двигались только стараниями ассистентов. А лучи, ползущие по стенам Новой Вавилонской башни, вручную создавал художник, пошагово дорисовывая (или, наоборот, стирая) свет и тень на изображении здания.
Многократная экспозиция (мультиэкспозиция). Если Мельес придумал собирать два изображения воедино, то Ланг пошел еще дальше. Для сцены превращения робота в девушку он пропустил одну пленку через киноаппарат около 30 раз. Сначала он снял робота на черном фоне. Затем закрыл фигуру темным силуэтом и при следующих экспозициях накладывал сверху неоновые круги, сделанные из промасленной бумаги и движимые вверх-вниз специальным подъемником. Соединение всех отснятых слоев и дало окончательную картинку.
Эффект Шюффтана. Если предыдущие нововведения были в какой-то степени усовершенствованием спецэффектов Мельеса, то эффект Шюффтана — полностью заслуга «Метрополиса». Этот прием разработал оператор фильма Эжен Шюффтан, которые предложил соединять разные части сцены (чаще всего — миниатюры и актеров) с помощью зеркала. Оно стояло под углом 45 градусов к камере и отражало модели или рисунки, находившиеся возле камеры (под углом 90 градусов к ней). Часть зеркального покрытия стирали — так, чтобы там оставалось только прозрачное стекло. Через него были видны другие миниатюры или актеры на фоне декораций. Таким образом, камера снимала сразу объединенную сцену. Этот эффект активно применялся в Голливуде до 1950-х годов. Порой к нему обращаются и современные режиссеры, например, Питер Джексон в фильме «Властелин колец. Возвращение короля».
Звездные войны. Эпизод 4 — Новая надежда (1977), Джордж Лукас
Когда Джордж Лукас начал готовиться к съемкам первого фильма знаменитой саги, он понял: с помощью существовавших на тот момент технологий он свою идею воплотить не сможет. Тогда он собрал группу макетчиков, механиков, художников и даже компьютерных фанатов и основал студию цифровых визуальных эффектов и компьютерной графики Industrial Light & Magic (ILM). Тщательно изучив работы Мельеса, эти люди впоследствии создали, ни много ни мало, 365 спецэффектов для картины — рекордное количество для тех лет, когда компьютерной графики в современном понимании еще и в помине не было.
Система контроля движения камеры — одно из главных изобретений новообразованной студии. Раньше при съемке транспортных средств модели объектов перемещали относительно неподвижной камеры. У этой технологии был минус, неприемлемый для Лукаса, — миниатюры можно было снять лишь с одного ракурса. Теперь же, благодаря новой разработке, он получил возможность показать космические корабли во всей красе. Модели оставались неподвижными, а камера, кадр за кадром, следовала по заранее запрограммированной траектории. Эту траекторию можно было повторить неограниченное число раз и снять новые элементы сцены, что выводило многократную экспозицию на новый уровень.
Расскажем еще о трех характерных чертах «Новой Надежды».
Хромакей. Это однотонный фон (обычно синий или зеленый), служащий временным задним планом для объектов (потом его заменяют на нужную картинку или видеоряд). В случае «Звездных войн» вместо хромакея в кадр вставляли изображения, отрисованные в студии акриловыми красками на стекле размером 2*3 метра. Таким способом появились, к примеру, огромные ангары, глубокие шахты и лазерная пушка «Звезды Смерти».
Лазерные мечи. Во время съемок мало кто верил, что деревянные палки со светоотражающим покрытием (как на дорожных знаках) могут стать визитной карточкой фильма. Однако работники студии сумели сотворить чудо. Для каждого кадра они вручную (по линейке) нарисовали лазерное свечение и вспышки в тех моментах, где мечи соприкасались. Когда к этому добавили еще и звуковые эффекты, картинка полностью сложилась.
Финальная битва. Кульминационная сцена фильма собиралась из двух частей: отдельно снимали воздушные бои, отдельно — поверхность «Звезды Смерти».
Чтобы добиться максимально реалистичного движения кораблей, режиссер отсмотрел огромное количество записей воздушных сражений времен Второй мировой войны. Реальные примеры позволили специалистам по спецэффектам выстроить трехмерные траектории движения космических кораблей и задать программу их взаимных перемещений. На основе этих данных они смогли запрограммировать движение камер для финального сражения.
Что касается «Звезды Смерти», ее общие планы нарисовали на огромном стекле, а для детальных съемок создали огромный подробный макет, который разместили на парковке студии. Там же снимали вид на станцию из иллюминаторов пролетающих кораблей: камеру крепили на автомобиль и проезжали возле макета. Взрывы создавались с помощью сотен пиротехнических патронов, расположенных на поверхности миниатюры.
В последующих частях саги Лукас использовал все больше и больше спецэффектов. Так, во втором фильме («Империя наносит ответный удар») их было уже 763, в третьем («Возвращение джедая») — 942, а в «Атаке клонов» лишь 250 кадров обошлись без компьютерной обработки.
Аватар (2009), Джеймс Кэмерон
Как и в случае «Звездных войн», задумка Джеймса Кэмерона опережала развитие технологий того времени (середины 90-х). Но, если студия Лукаса разработала нужные программы уже через год, то Кэмерону пришлось отложить съемки аж на десятилетие. Лишь увидев на экране Голлума из «Властелина колец» (нарисованного персонажа, движение которому придал реальный актер), режиссер понял, что его проект дождался своего часа.
Motion capture. Все жители Пандоры, как и Голлум, были созданы с помощью технологии захвата движения. На тела и лица актеров ставили датчики (маркеры). Камера (а точнее, камеры — для реалистичности их использовали 120 штук одновременно) считывала информацию с этих датчиков и транслировала ее на компьютер. На компьютере на основе полученных данных выстраивалась 3D модель персонажа, повторяющая движения людей. Чтобы сделать мимику и взгляд героев максимально человечными, на актеров также надевали шлемы с микрокамерой, снимавшей их лица крупным планом.
Технологию захвата движения применяли и к летательным аппаратам. Члены съемочной группы носили по площадке миниатюрные проволочные модели с датчиками. На компьютере же эти модели превращались в вертолеты и воздушные корабли.
Симулькам. Технология, разработанная специально для фильма, стала одним из основных инструментов режиссера. Теперь он мог в режиме реального времени увидеть примерную картинку будущего кадра, совмещающего натурные съемки с упрощенными 3D моделями персонажей. И, если нужно, оперативно подправить действия операторов и актеров.
Fusion 3D camera. Это изобретение появилось на свет в результате семилетних трудов Кэмерона и главного оператора картины Винса Пейса. Fusion 3D — это 20-килограммовая камера (относительно нетяжелая, по меркам кино) с двумя объективами, расположенными на расстоянии 5 см друг от друга. Объективы имитируют глаза человека: каждый «видит» и «запечатлевает» свою картинку. При просмотре 3D-фильма эти два изображения сливаются в голове человека в единый объемный видеоряд.
Виртуальная камера. Помимо объектов, созданных с помощью захвата движения, важную роль в «Аватаре» играла природа Пандоры. Для работы с этой реальностью создатели фильма изобрели виртуальную камеру. Ее линзами выступали компьютеры: поднимая-опуская и поворачивая аппарат, оператор (которым часто выступал сам Кэмерон) видел искусственно созданные фотореалистичные пейзажи на все 360 градусов. Выбрав наиболее удачный ракурс, с помощью этой же камеры он снимал все нужные ему планы.
Лишь 40% «Аватара» — это натурные съемки. 60% фильма составила компьютерная графика. Работа над материалом была настолько сложна, нова и кропотлива, что над первыми одиннадцатью кадрами трудились больше года (впоследствии скорость обработки дошла до 200 кадров в день). В общей сложности на плечи специалистов по компьютерной графике легло более 1 Пт (1 миллиона Гб) цифрового материала. Стоит заметить, что их старания высоко оценили в киноиндустрии: фильм получил «Оскары» в номинациях «Лучшая работа художника-постановщика», «Лучшая операторская работа» и «Лучшие визуальные эффекты».
Дата: Четверг, 17.09.2015, 09:49 | Сообщение # 105
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
8 историй о самом добром актере Голливуда
Киану Ривз сильно отличается от многих голливудских актеров, а его скромный образ жизни и непростая судьба порождает огромное количество слухов. Но точно одно — он замечательный актер и неординарная личность. Достоверные истории о самом загадочном актере Голливуда, за которые он достоин уважения.
1. Он родился в проблемной семье: отец покинул их, когда Киану было 3 года, а позже отца арестовали за продажу наркотиков. Его мама переехала сначала в Австралию, потом — в США и Канаду, за это время у него было несколько приемных отцов. Из-за переездов Киану часто менял школы, а дислексия еще больше затрудняла обучение. В детстве он мечтал стать хоккеистом, но помешала травма.
2. Его возлюбленная Дженнифер Сайм умерла в автокатастрофе, а незадолго до этого они потеряли ребенка. С тех пор у Ривза не было серьезных отношений. А его лучший друг Ривер Феникс умер от передозировки наркотиками.
3. Говорят, он отказывается от больших ролей, если считает, что персонаж слишком жесток. В свое время Ривз урезал свой гонорар на $2 миллиона, чтобы Аль Пачино смог сыграть в фильме «Адвокат дьявола». Позже поступил так же ради Джина Хэкмена.
4. У младшей сестры Ривза была лейкемия, и он пожертвовал солидную часть своего гонорара от «Матрицы» на ее лечение и в фонд борьбы с лейкемией. Это нетипично для голливудских звезд, но у него нет огромного количества вещей, у него нет охраны, его часто можно увидеть в метро.
5. Ривз совершенно спокойно ездит в общественном транспорте, а если надо — уступит место.
6. Одному из декораторов Ривз вручил премию в 20 тысяч долларов на Рождество, узнав, что тот испытывает финансовые трудности.
7. Однажды Киану встретил бездомного и провел с ним целое утро. Они много разговаривали, а заодно хорошо поели и выпили. Этот случай был зафиксирован папарацци.
8. Пять лет назад в свой день рождения Киану Ривз купил себе кексик и кофе,и любой прохожий мог поздравить его. И это отличительная черта Ривза - он относится к себе с изрядной долей самоиронии. А сегодня ему исполнился 51 год. С Днем рождения, самый добрый актер Голливуда!
