Дата: Понедельник, 04.12.2017, 14:06 | Сообщение # 121
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
В стране овощей. Английский фотограф создает пейзажи из продуктов.
Английский фотограф Карл Уорнер сумел прославиться на весь мир благодаря удивительным пейзажам, которые он создаёт, используя продукты питания.
Первую композицию в этом жанре он сделал ещё в 1998 году. Идея пришла к нему неожиданно. Во время похода в супермаркет взгляд фотографа упал на грибы. Взяв один из них и поднеся поближе к свету, Карл представил, что это дерево из какого-то неведомого мира. Уже в студии тот самый гриб, дополненный горстками фасоли и риса, стал основой первого «продуктового» пейзажа.
10 лет спустя эта фотография, размещённая им в своём портфолио, привлекла внимание средств массовой информации, и Карл, что называется, проснулся знаменитым. Сегодня его работы выставляются во многих странах мира и пользуются огромной популярностью.
Не стоит думать, что Карл напрасно переводит продукты. Его сказочные пейзажи используются диетологами для пропаганды здорового питания, особенно в школах и медицинских центрах, занимающихся проблемами детского ожирения. А в некоторых детских больницах они даже украшают стены для возбуждения аппетита у пациентов малоежек.
В числе излюбленных «моделей» Карла Уорнера хорошо знакомые дачникам полезные овощи: тыква, морковь, сельдерей, капуста брокколи, зелёный салат.
Дата: Суббота, 07.04.2018, 17:54 | Сообщение # 123
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Потрясающие пейзажи Abe Toshiyuki
Его произведения удивляют и знатоков, и любителей. Акварель требует, как вы знаете, небывалой точности от художника: здесь нельзя ничего исправить, подчистить, попытки уточнить цвет зачастую дают грязь или серость. Каким же чутким восприятием цвета и четкостью руки и обладает этот Мастер?
Abe Toshiyuki родился в 1959 году в городе Саката в Японии. Он получил художественное образование в национальном университете, а после окончания университета около 20 лет работал преподавателем рисунка и живописи.
Давнее желание стать художником заставило его в 2008 году оставить преподавательскую деятельность и, наконец, посвятить себя именно живописи — мечте всей его жизни.
Думается, годы преподавания не прошли для Toshiyuki даром: его техника практически безупречна. Поэтому работы художника в своей точности граничат с гиперреализмом. Зачастую мастер оставляет свои картины без названия, но его произведения способны рассказать о себе сами. Нежные краски и богатство оттенков передают заполненные светом пространства или укромные уголки, воссоздавая даже не внешний вид места, а его ощущение.
«В своих работах я сосредотачиваюсь на нюансах и тонкостях простых вещей, которые нас окружают. Японцы всегда проявляли глубокую любовь и уважение к природе, и я считаю, что это нашло свое отражение не только в известных японских произведениях искусства, но и в японской литературе. Поэтические описания таких сцен, как быстротечность реки и хрупкость лепестков вишни, могут быть отражены и в живописи и выразить мысль о неизбежных изменениях. Кроме того, я считаю, что эту же самую идею в значительной степени способны выразить и мои акварели.»
В настоящее время Abe Toshiyuki интенсивно работает в качестве художника. За плечами художника много персональных выставок и несколько престижных наград.
Дата: Суббота, 11.08.2018, 16:38 | Сообщение # 124
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
35 великих русских живописцев
Россия славится своими художниками. Они внесли огромный вклад в мировое искусство, а их картины бьют рекорды на мировых аукционах. Вспомним лучших из лучших. Вы сами можете повлиять на то, как распределятся места.
Нажмите для увеличения
Феофан Грек (около 1340 — около 1410)
В Новгород Феофан Грек приехал уже состоявшимся иконописцем. Он родился в Византии и расписывал храмы Константинополя, Халкидона, генуэзской Галаты и Кафы. Феофан расписывал церковь Преображения в Новгороде, где до сих пор сохранились его фрески, храмы московского Кремля. В Благовещенском соборе Феофан Грек создал первый в России иконостас, где святые были изображены в полный рост. Кроме написания икон и росписи храмов, Феофан Грек также создавал миниатюры для книг и оформлял Евангелия.
Андрей Рублев (1360-1430)
Несмотря на то, что Андрей Рублев - самый известный русский иконописец, мы знаем о нем не так много. Имя Андрей он получил в монашестве, мирское его имя неизвестно. Непревзойденным шедевром Рублева традиционно считается икона Святой Троицы, написанная в первой четверти XV века. Рублев также был одним из мастеров, кто расписывал Успенский собор во Владимире, Успенский собор в Звенигороде и Благовещенский собор московского Кремля.
Дионисий (ок. 1440—1502)
Имя Дионисия олицетворяет, пожалуй, лучшие и крупнейшие достижения московской иконописи XV-XVI веков. Продожатель традиции Андрея Рублева, Дионисий расписывал много храмов, но истинное понимание манеры письма Дионисия можно получить по великолепно сохранившимся фрескам Ферапонтова монастыря на Белоозере. Они никогда не переписывались и не подвергались серьезной реставрации.
Симон Ушаков (1626-1686)
Фаворит царя Алексея Михайловича, Симон Ушаков был первым русским иконописцем, подписывавшим свои иконы. С его творчеством связан период «обмирщения» иконописи («ушаковский период»). Ушаков был автором более 50 икон, а также учил своему искусству других. Его учеником был Гурий Никитин.
Гурий Никитин (1620-1691)
Никитин - это не фамилия, это отчество. Полное имя иконописца - Гурий Никитин (Никитович) Кинешемцев. Он расписывал Архангельский собор в Москве, писал иконы для московской церкви Григория Неокессарийского и руководил группой иконописцев, расписывавших ярославскую церковь Ильи Пророка и костромской Ипатьевский монастырь.
Нажмите для увеличения
Карл Брюллов (1799-1852)
Восхищенные современники называли Брюллова «великим, божественныйм Карлом» и «вторым Рафаэлем». Белинский окрестил Брюллова «первым художником Европы». Картина «Последний день Помпеи» была признана совершенным шедевром XIX века. Вальтер Скотт просидел целый час за её просмотром, после чего признал: «Это не картина, это целая поэма». На полотне Брюллов изобразил и самого себя - слева от центра, с ящиком с красками и кистями.
Александр Иванов (1806-1858)
Самая известная картина Александр Иванова - «Явление Христа народу». Над ней художник работал больше 20 лет. Это одна из самых загадочных картин в истории русской живописи. Интересно, что в зеркальной копии картины Мессия идет не навстречу к людям, а уходит (удаляется) или проходит мимо.
Иванов также делал акварельные эскизы к росписям «Храма человечества». Эти рисунки стали известны только после смерти художника. В историю искусства этот цикл вошел под называнием «библейские эскизы». Они были изданы более 100 лет назад в Берлине и с тех пор больше не переиздавались.
Иван Крамской (1837-1887)
Художник-передвижник Иван Крамской, автор картины «Христос в пустыне», создал одну из самых загадочных картин - «Неизвестную», которую также часто называют «Незнакомкой». С кем только её ни соотносили. И с Анной Карениной, и с Настальей Филлиповной, и с дочерью художника Софьей, и с крестьянкой Матреной Саввишной, которая стала женой дворянина Бестужева, и с княжной Варварой Туркестанишвили – фрейлиной императрицы Марии Федоровны, фавориткой Александра І, которому она родила дочь, а после покончила с собой. Версий масса, но «Незнакомка» по-прежнему незнакомка.
Алексей Саврасов (1830-1897)
Алексей Саврасов - великий русский пейзажист, художник-передвижник и учитель Левитана, Коровина и Нестерова, но его нередко называют «художником одной картины». Речь, конечно, о полотне
«Грачи прилетели». Исаак Левитан писал про своего учителя: «С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле <…> и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества».
Нажмите для увеличения
Иван Шишкин (1832-1898)
Самого знаменитого русского пейзажиста Ивана Шишкина нызывали «лесным богатырем-художником», «царем леса», «стариком-лесовиком». Одной из культовых картин картин Шишкина стало полотно «Утро в сосновом бору». Справедливости ради стоит сказать, что медведей на картине писал художник Савицкий, но Павел Третьяков стёр его подпись,поэтому автором картины часто указывается один Шишкин.
В советское время эту картину стали называть «Три медведя» (хотя на картине их четыре), из-за одноименной марки шоколада фабрики «Красный Октябрь».
Иван Айвазовский (1817-1900)
Иван Айвазовский - непрезойденный маринист и один из самых дорогих художников. В 2012 году на британском аукционе Sotheby's его картина «Вид Константинополя и Босфора» была продана за 3 миллиона 230 тысяч фунтов стерлингов, что в переводе на рубли составляет более 153 миллионов.
Исаак Левитан (1860-1900)
Исаак Левитан – мастер «пейзажа настроения» и самых медитативных полотен в русском искусстве. Шедевр Левитана «Над вечным покоем» называют «самой русской картиной». Художник писал её под звуки траурного марша из «Героической симфонии» Бетховена. Один из друзей Левитана назвал эту картину «реквиемом самому себе».
Архип Куинджи (1842-1910)
Одни называли Куинджи «русским Моне» за виртуозное раскрытие возможности краски. Другие обвиняли художника в стремлении к дешевым эффектам, использовании тайных приемов, вроде скрытой подсветки полотен. В конце концов, на пике шума вокруг своего имени Архип Иванович просто ушел в добровольное изгнание на 30 лет.
Нажмите для увеличения
Василий Суриков (1848-1916)
За мастерское овладение приемами композиции друзья-художники в Петербурге называли потомственного казака Василия Сурикова «композитором», однако в академических кругах Сурикова долгое время критиковали как раз за скученность композиций, за «кашу» из лиц персонажей, презрительно называли его полотна «парчовыми коврами». История расставила все по местам - Суриков и сегодня считается непревзойденным мастером живописи, а его исторические полотна - одними из самых реалистичных.
Михаил Врубель (1856-1910)
Одного из самых трагических русских художников, Врубеля называли творцом искусства, близкого по природе ночным сновидениям. Про увлеченность хужожника образом Демона Александр Бенуа рассказывал: «Верится, что Князь Мира позировал ему.... Его безумие явилось логическим финалом его демонизма». Врубель обладал удивительным психологическим свойством - эйдетизмом. Это особый вид зрительной образной памяти, когда человек не вспоминает, не представляет себе в уме предмет или образ, а видит его, как на фотографии или на экране.
Валентин Серов (1865-1911)
Друзья называли Валентина Серова «Антошей» - таково было его домашнее прозвище. Знаменитым художник стал после выхода в свет своих шедевров - «Девочки с персиками» и «Девушки, освещенной солнцем». На первой картине была изображена дочь Саввы Мамонтова Вера, на второй - двоюродная сестра самого Серова Машенька Симонович.
Константин Маковский (1839-1915)
Одни называли Константина Маковского предвестником русского импрессионизма, другие считали, что он предает идеалы передвижничества, но, несмотря на критические оценки, Маковский был одним из самых востребованных и высокооплачиваемых художников своего времени. На Всемирной выставке 1889 года в Париже он получил Большую золотую медаль за картины «Смерть Ивана Грозного», «Суд Париса» и «Демон и Тамара».
Нажмите для увеличения
Леон Бакст (1866-1924)
Леон Бакст - один из ярчайших представителей русского модерна, художник, сценограф, мастер станковой живописи и театральной графики. Европейский успех знаменитых «Русских сезонов» является заслугой Бакста в той же степени, как и заслугой Сергея Дягилева. Бакст был учителем Марка Шагала и законодателем парижской моды.
Виктор Васнецов (1842-1926)
Виктор Васнецов - великий русский художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи. Его называли «истинным богатырем русской живописи». Для большинства Васнецов является создателем мира русских сказок и былин, но он также серьезно занимался архитектурой (фасад Третьяковской галереи) и создавал почтовые марки.
Борис Кустодиев (1878-1927)
Александр Бенуа был убежден, что «настоящий Кустодиев – это русская ярмарка, «глазастые» ситцы, варварская «драка красок», русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями». Нельзя не вспомнить о «кустодиевских женщинах» - типе русских красавиц, созданном Борисом Михайловичем. В 1912 году Кустодиев начинает работу над галереей непревзойденных женских образов. В 1915 году свет увидел «Купчиху» и «Красавицу» - неповторимые образы русской красоты.
Илья Репин (1844-1930)
Илья Репин – гениальный портретист, мастер бытовых зарисовок и создатель скандальных исторических полотен. О работе ещё молодого Репина «Бурлаки на Волге» упоенно писали газетчики. Одни зрители ругали ее, другие – восторгались. Картина вызвала живейший интерес у Достоевского и Перова, а между тем некоторые называли ее «величайшей профанацией искусства».
Нажмите для увеличения
Казимир Малевич (1879-1935)
Казимир Малевич – «отец супрематизма» и создатель «Черного квадрата», ставшего символом авангарда. Несмотря на эксперименты почти во всех жанрах живописи, сам художник считал «Черный квадрат» своей главной картиной, поэтому во время похорон Малевича изображение квадрата было повсеместно – на гробу, в зале гражданской панихиды и даже на вагоне поезда, везшего тело художника в Москву. Так завещал сам художник.
Петров-Водкин (1878-1939)
Петров-Водкин «отметился» во множестве жанров - от иконописи до театральной графики и модерна. Один из шедевров художника - картина «Купание красного коня», написанная им в 1912 году. Она с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает. Однако художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев. В 1928 году в Венеции полотно «Смерть комиссара» Петрова-Водкина произвело неизгладимое впечатление на Бенедетто Муссолини, посетившего советский павильон.
Константин Коровин (1861-1939)
Главный представитель русского импрессионизма, Константин Коровин во время Первой мировой войны работал консультантом по маскировке в штабе русской армии. В это же время, несмотря на суровую реальность, Коровину удается живописать картины о «прекрасной эпохе». Недаром Коровина называют живописцем радости и счастья.
Павел Филонов (1883-1941)
Друг Хлебникова, Павел Филонов - один из самых самобытных и впечатляющих художников советского авангарда, основатель теории аналитического искусства. Он уподабливал картину живому организму и считал, что она должна развиваться и обновляться по мере ее создания. Свои полотна, хотя на них и был спрос, Филонов никогда не продавал. Во время блокады Ленинграда он лично дежурил на обледенелом чердаке своего дома, охраняя свои картины от зажигательных бомб. Это его и погубило. В первый год блокады он простудился на холоде и через несколько дней — 3 декабря 1941 года умер от пневмонии.
Нажмите для увеличения
Эль Лисицкий (1890-1941)
Лазарь Маркович Лисицкий - советский художник и архитектор. Известен своими супрематическими работами, проектами «бумажной» архитектуры. Лисицкий разрабатывал композиции, которые называл «проунами». Они представляли собой супрематические трехмерные фигуры. Впоследствии проуны стали основой для мебельного дизайна, проектов театральных макетов, декоративно-пространственных установок.
Михаил Нестеров (1862-1942)
Михаил Нестеров - выдающийся русский живописец. Он «избегал изображать сильные страсти», отдавая предпочтение тихому пейзажу и человеку, «живущему внутренней жизнью». Его первая картина из цикла о жизни Сергия Радонежского «Видение отроку Варфоломею», в которой станковая живопись включает в себя элементы иконописи, вызвала у критиков массу вопросов. Золотое сияние вокруг головы схимника породило споры не только среди зрителей, увидевших картину на очередной выставке передвижников, но и среди коллег-художников, некоторые из которых назвали картину «вредной».
Аристарх Лентулов (1882-1943)
Неутомимый экспериментатор Аристарх Лентулов работал почти во всех жанрах и стилях. В духе экспрессионизма писал «Три мужские фигуры». В стиле Сезанна - «Пейзаж с деревьями и красной башней». Был одним из организаторов новой творческой группы - «Бубновый валет». Лентулова называли одним из отцов русского авангарда, а критики шутили: для Лентулова любой предмет - готовый натюрморт. Однажды, к примеру, он так вдохновился прогрессом, что посвятил картину... водопроводу.
Василий Кандинский (1855-1944)
Основоположник абстракционизма, основатель группы «Синий всадник» Василий Кандинский эмигрировал из России в 1921 году. В Берлине он преподавал живопись стал видным теоретиком школы «Баухауз» и вскоре получил мировое признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1939 году Кандинский получил французское гражданство. С 2007 года в России ежегодно вручается Премия Кандинского. Картина художника «Эскиз к импровизации № 8» была продана на аукционе Christie's за рекордную для русского искусства сумму - $23 миллиона.
Нажмите для увеличения
Николай Рерих (1874-1947)
По иронии судьбы, апологет Древней Руси и создатель исторических полотен Николай Рерих стал для России первооткрывателем Востока. Его гималайский цикл, созданный во время Центрально-Азиатской экспедиции, принес Рериху мировое признание и стал базой для его религиозно-философского учения «Живая этика».
Наталья Гончарова (1881-1962)
Наталья Сергеевна Гончарова - правнучатая племянница жены Пушкина, русская художница-авангардистка, внесшая значительный вклад в развитие авангардного искусства в России. По состоянию на 2009 год её картины стоят дороже, чем работы любой другой художницы в истории. Гонарова не раз сталкивалась с непониманием и жесткой цензурой, на которую она реагировала философски: «Если у меня и происходят столкновения с обществом, так только из-за непонимания последним основ искусства вообще, а не из-за моих индивидуальных особенностей, понимать которые никто не обязан».
Михаил Ларионов (1881-1964)
Михаил Ларионов - один из основателей русского авангарда, спутник и муж Натальи Гончаровой. В 1912 году Ларионов создал новую художественную концепцию — лучизм, один из первых примеров абстрактного искусства в разряде так называемого «беспредметного творчества», где формы образовывались в результате пересечения лучей, отражённых от различных предметов.
Нажмите для увеличения
Александр Дейнека (1899-1969)
Александр Дейнека - один из самых известных советских художников, создатель монументальных полотен с не менее монументальными героями - простыми советскими людьми, спортсменами, солдатами, моряками. В этом году картина Александра Дейнеки «За занавеской» была продана на лондонском аукционе MacDougall's за 2 миллиона 248 тысяч фунтов.
Илья Глазунов (г.р. 1930)
Илья Глазунов - основатель и ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества, Полный кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством». Глазунов - не только художник и иллюстратор (иллюстрации к романам Достоевского, произведениям Блока), но и художник-глобалист. Он создал интерьер советского посольства в Мадриде, участвовал в реставрации и реконструкции зданий Московского Кремля, в том числе Большого Кремлёвского Дворца.
Илья Кабаков (г.р.1933)
Концептуалист Илья Кабаков, почетный член Российской академии художеств, - самый дорогой российский живописец. Его картина «Жук» была продана на лондонском аукционе Phillips de Pury за $5,8 миллионов. Кабаков долгое время был иллюстратором. С 1956 года сотрудничал с издательством «Детгиз» и такими журналами как «Мурзилка», «Малыш», «Веселые картинки».
Дата: Четверг, 18.10.2018, 22:29 | Сообщение # 126
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Курьёзы в искусстве: как крадут, теряют и выбрасывают мировые шедевры.
Полотно Анри Матисса «Лодка» провисело вверх ногами больше месяца, пока один из зрителей не заметил ошибку
Курьёзы и смешные случаи происходят не только в жизни простых людей, но и в искусстве. Разница только в том, что о вторых впоследствии узнаёт весь мир. Иногда шедевры вешают вверх ногами, а ещё крадут или выбрасывают по ошибке.
Нажмите для увеличения
1. 17 октября 1961 года в Нью-Йоркском музее современного искусства выставили картину Анри Матисса «Лодка». Зрители наслаждались полотном около 40 дней, пока один из посетителей не заметил, что картина висит вверх ногами.
2. В 2012 году в Эстонии с выставки современного искусства «Moh? Fui! Oak! Ossa! Vau! Eesti kaasaegse kunsti klassika» кто-то вынес банку с экскрементами. Оказалось, что стеклянная банка с неожиданным содержимым была частью инсталляции художника Яана Тоомика «15 мая — 1 июня 1992». Организаторы выставки официально извинились перед автором «шедевра» и зрителями за то, что произведение искусства лишилось своей целостности, а расследованием кражи занялась местная полиция.
3. Жительница США чуть не выкинула на помойку картину Ренуара — женщина просто не знала, что полотно, которое она купила за бесценок на блошином рынке, на самом деле является мировым шедевром.
Произошёл этот случай в штате Вирджиния. Женщине понравилась красивая рама неизвестной ей картины, и она её купила (причём полотно продавалось в комплекте с куклой и пластмассовой коровой). Рама, правда, так и не пригодилась, и хозяйка решила выбросить ненужный хлам. Однако мать женщины настояла на том, чтобы сначала показать картину оценщику — в результате оказалось, что это ренуаровский «Пейзаж на берегу Сены». Шедевр выставили на аукцион, но своё имя владелица предпочла скрыть.
4. В 2006 году американский миллиардер Стив Уинн, владелец картины Пабло Пикассо «Сон», решил продать жемчужину своей коллекции за 139 миллионов долларов. Это могло стать одной из крупнейших сделок в искусстве, если бы во время демонстрации Уинн не порвал полотно, случайно задев его локтем. Картину восстановили, но продавать её магнат передумал — решил, что инцидент был для него знаком свыше.
5. Во время перевозки из одного музея в другой была украдена картина Гойи «Дети с тележкой». Согласно предположению ФБР, воры, по-видимому, решили, что грузовик вёз игровые приставки PlayStation, так как происходило это перед Рождеством. Похитители нашли самую хорошую коробку, а в ней оказалась картина — скорее всего, злоумышленники даже не догадывались, сколько стоит полотно. Вскоре «Детей с тележкой» обнаружили благодаря анонимному звонку — полотно не было повреждено.
«Дети с тележкой», Гойя. Фрагмент
6. Из Музея Дэвиса при американском колледже Уэллсли в 2008 году пропала картина Леже «Женщина с ребёнком»: её то ли украли, то ли уничтожили вместе с мусором. Полотно отправляли на выставку в другой музей, запаковав в ящик для транспортировки, но, вероятно, так и не вынули оттуда и уничтожили коробку вместе с шедевром. Страховая компания выплатила музею компенсацию — её точная сумма не разглашается, но известно, что в среднем одна работа Леже на тот момент оценивалась примерно в 2,8 миллиона долларов.
Дата: Понедельник, 26.11.2018, 21:54 | Сообщение # 128
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Новосибирец больше года делает случайные фото в метро: на них изображена параллельная реальность
Андрей Поляков сделал серию снимков, на которых совмещены по два кадра
Нажмите для увеличения
Свои снимки фотограф выкладывает в альбомах в соцсетях
Новосибирский фотограф Андрей Поляков сделал серию двухфазных снимков из метрополитена.
Нажмите для увеличения
Поляков рассказал, что для создания таких фотографий он пользуется функцией мультиэкспозиции в фотокамере.
«Он снимает два кадра, камера их в один собирает. Когда снимаешь заранее, пытаешься понять, что в итоге получится, но не всегда получается так интересно. Год назад попробовал — случайно увидел функцию эту в камере и попробовал. Понравилось. Это не в фотошопе собираешь две картинки. В фотошопе неинтересно — что хочешь, то и можно получить. А это именно снять надо интересно, чтобы и геометрия была, и гармоничный кадр получился», — рассказал корреспонденту НГС Андрей Поляков.
Нажмите для увеличения
В основном снимки в серии чёрно-белые, но одна фотография цветная
Сейчас в серии более 60 снимков
Такой съёмкой Андрей Поляков занимается около года
Нажмите для увеличения
«Я когда в метро бываю, я всегда пару кадров делают таких», — отметил Поляков
У Андрея Полякова есть и другая интересная серия снимков — он увлекается фотографированием воробьёв: за пять лет в его коллекции накопилось больше тысячи снимков птиц с разными эмоциями.
Дата: Четверг, 13.12.2018, 20:51 | Сообщение # 129
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Почему художники ХХ века так «плохо» рисовали и еще 5 вопросов о живописи, ответы на которые вы хотели знать
Высокое искусство — вещь сложная и для многих непонятная. Живопись эпохи Возрождения с ее идеальным изображением привлекает множество почитателей, а вот поверить в то, что работы Пикассо и Кандинского действительно могут стоить баснословных денег, легко далеко не всем. Обилие обнаженных людей на картине — еще одна загадка, как, впрочем, и парадокс того, что хорошие картины необязательно должны быть красивыми.
Узнаем ответы на несколько любопытных вопросов о живописи, заглянув в работы искусствоведов и культурологов.
1. Действительно ли живопись так дорого стоит?
То и дело мы слышим о бешеных суммах, выложенных за ту или иную картину. Но на самом деле такие деньги — удел очень немногих работ. Большинство художников огромных сумм и вовсе никогда в глаза не видели. Искусствовед Джонатан Бинсток считает, что в мире всего около 40 авторов, чьи картины оцениваются суммой с многими нулями.
Искусством правят бренды
Приведем, пожалуй, самый яркий пример. Наверняка вы слышали о художнике-граффитисте Бэнкси. Остросоциальная направленность работ и биография, покрытая ореолом тайны, сделали свое дело. Сегодня Бэнкси — художник, работы которого оцениваются многозначными суммами. Его картина «Девочка с воздушным шаром» была продана за £ 1,042 млн. А о перформансе по ее уничтожению сразу после продажи заговорил весь мир.
Бэнкси — это бренд, а бренды отлично продаются. Таким образом, стоимость картины во многом определяется известностью ее автора.
Успешная продажа одной картины — залог успеха других
Художнику может долго не везти, он будет прозябать в бедности и неизвестности, не имея возможности выгодно продавать свои работы. Но как только он сумеет продать одну из своих картин за немалые деньги, будьте уверены, цена на другие его работы резко взлетит.
Редкость, малочисленность, уникальность
Голландского художника Яна Вермеера сегодня называют бесценным. Его кисти принадлежит не так уж много картин — всего 36. Художник писал довольно медленно. Пропавшая в 1990 году картина голландца «Концерт» сейчас оценивается примерно в $ 200 млн. Редкость и малочисленность полотен влияет на то, что цены на них просто заоблачные.
Легендарный Ван Гог — это супербренд. Картин художника насчитывается немного, и очевидно, что больше он уже ничего не создаст. Его работы уникальны.
10 лет назад «Супрематическая композиция» Малевича была продана за $ 60 млн. Возможно, если бы не кризис, она бы ушла и вовсе за $ 100 млн. Картины Малевича в частных коллекциях наперечет, и когда в следующий раз на рынке появится вещь подобного класса — неизвестно. Может, через 10 лет, а может, через 100.
В общем, очевидно: покупатели готовы платить баснословные деньги
за предметы исключительно редкие.
Новаторство стоит дорого
Одна из работ Ричарда Принса в направлении «художественное заимствование».
Фотохудожник Ричард Принс придумал переснять из журнала чужое фото ковбоя в рекламе, убрав все надписи. Такая несусветная наглость получила широкий резонанс и... признание. Принс стал считаться создателем нового направления в искусстве — Appropriation Art (художественное заимствование). Смелый жест фотографа превратился в $ 3 млн — именно за столько был продан снимок «Ковбой».
Если бы «Черный квадрат» Малевича вдруг оказался на рынке, за него бы развернулась нешуточная борьба кошельков. И бились бы покупатели не за схематичную геометрическую фигуру на холсте. Они сражались бы за революционную идею, свежую и ранее неизвестную вещь, икону авангарда, которая определила дальнейшее развитие живописи ХХ века. В 1915 году, когда была создана картина, дамы еще носили шляпки, бюстгальтер считался эпатажной новинкой, а на престолах Европы сидели короли. И тут — вы только представьте! — появляется Малевич со своим шокирующим квадратом.
Живопись берет на себя функцию достопримечательности
Сегодня растет уровень культурного туризма, и живопись выполняет функцию достопримечательности. В известные музеи выстраиваются многочасовые очереди из туристов. И чтобы заявить о себе и претендовать на славу мирового уровня, галерее нужно непременно владеть подлинниками знаменитых и популярных живописцев.
Растут и искусственно создаваемые центры культурного туризма, например на Ближнем Востоке и в Китае. Недавно королевская семья Катара заключила частную сделку на сумму $ 250 млн — все ради того, чтобы страна обладала картиной Сезанна «Игроки в карты».
Когда есть все, начинает тянуть на искусство
В 2017 году миллиардер Дмитрий Рыболовлев продал эту картину Леонардо да Винчи за $ 450 млн. Теперь это самая дорогая сделка в мире живописи.
Когда у тебя есть 4 дома и самолет G5, то что еще остается делать? Остается только вкладывать деньги в живопись, ведь это одна из самых прочных «валют».
Согласно данным за 2015 год, в мире насчитывается 34 млн долларовых миллионеров. И даже если представить, что только 1 % из них интересуется искусством, то получится, что на свете живут 340 тыс. человек, готовых выкладывать круглые суммы за картины. А самих картин известных авторов, как мы писали выше, совсем немного, особенно по сравнению с количеством миллионеров. Кроме того, даже те, кто не интересуется живописью, готовы вкладываться в нее ради престижа или стабильности такого вложения.
Вот и выходит, что дороговизна живописи во многом обусловлена тем, что слишком большое количество денег охотится за малым количеством товара.
2. Всем ли картинам нужны рамы?
Картина Жоржа Сёра «Канал в Гравлине, Большой Форт-Филипп».
В книге Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей» говорится о назначении рам. Так, они защищают края картины и привлекают к ней внимание. Некоторые рамы вычурные, другие совсем простые, они не отвлекают от созерцания. Предназначение рамы — дополнять картину и показывать ее наилучшим образом.
А вот художник-абстракционист Пит Мондриан сравнивал рамы со стеной, которая стоит между зрителем и картиной. Ему хотелось убрать это чувство дистанции. И художник писал на самых краях полотен и даже на боковине.
Жоржу Сёра не нравилась тень, которую отбрасывают рамы на картину. И он часто сам изображал рамы из крохотных точек разных цветов. Кстати, по похожему принципу картин Сёра через полвека станет работать цветной телевизор.
3. Почему на картинах так много голых людей?
Фрагмент фрески Микеланджело «Сотворение Адама».
Еще древние греки считали, что обнаженное тело — это невероятно красиво.
В искусстве чаще всего нагота — это символ. Символ новой жизни, искренности, беспомощности живого существа, а также жизни и смерти.
Кроме того, ничто не вызывает такие сильные эмоции у зрителя, как нагота. Это может быть интерес, неловкость, стыд или восхищение.
4. Почему все такое плоское и вообще нереалистичное?
Картина чешского художника Богумила Кубишты «Гипнотизер».
Пожалуй, одно из самых частых обвинений в адрес современных мастеров звучит так: художники разучились похоже передавать действительность. Отсюда и заблуждение, будто предметы выглядят плоскими. Но посмотрим, например, на полотна кубистов. Они ломают перспективу, но изображают предметы одновременно под разными углами и даже в разный момент времени. Поэтому нельзя сказать, что изображение на полотне двухмерное.
Рисовать «похоже» уже не надо — это может сделать фотография. Поэтому искать ответ на вопрос, почему художник на той или иной картине изобразил реальность плоской, нужно в самой задумке автора. Убирая одни детали изображения, художник акцентирует внимание на других. Упрощая изображение, он делает его более выразительным.
5. Художники XIX–XX веков не умели «нормально» рисовать? Или они это нарочно?
В XIX веке зародился стиль живописи под названием примитивизм, или наивное искусство. Его представители упрощали картину и делали формы примитивными, будто детские рисунки или первобытное искусство. Картины некоторых примитивистов вошли в сокровищницу мирового искусства и произвели сильное впечатление на своих современников. И это несмотря на то, что у художников наивной живописи не было академического образования. Пиросмани и Руссо были всего лишь самоучками, но их картины привлекли тех, кто повидал уже все и кому наскучила традиционная живопись. Такие картины были как глоток живительной простоты.
А вот профессиональные художники-авангардисты XIX–XX веков имели за плечами художественное образование и сильную базу. Они умели писать как угодно, но в какой-то момент решили это делать вот так, подражая примитивистам. Как говорится, так было задумано, ведь это совершенно новый (а значит, интересный для тех, кто устал от старого) способ воздействия на зрителя.
Художники прекрасно справились бы с картиной в духе академического классицизма, и именно поэтому для них это было скучно. Юный Пикассо писал трогательные и довольно реалистические портреты. А вот зрелый художник выбрал для себя путь, который шокирует, бодрит глаз, который помогает продемонстрировать крутое колористическое чутье и ощущение формы.
6. Должны ли картины непременно быть красивыми?
Красиво не значит искусство, и само искусство не всегда изображает красоту. Представление о прекрасном у каждого разное, и мнение отдельно взятого человека не может считаться эталоном.
Отвлечемся от живописи и проведем параллель с кино. Среди искусствоведов встречаем такое мнение: утверждать, что картины непременно должны быть красивыми, — то же самое, что говорить, будто настоящее кино — это только романтическая комедия или мелодрама с хеппи-эндом. А психологические драмы, боевики, триллеры — это и вовсе не кино. Согласитесь, логика в этом есть.
Искусство (и живопись в том числе) должно говорить на языке своего времени. И чтобы насладиться любой картиной, даже реалистичной, нужно знать, что на ней изображено. На выставках мы обычно читаем подписи к полотнам и даже пользуемся аудиогидом.
Дата: Вторник, 26.02.2019, 22:18 | Сообщение # 130
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Посмотрите, из чего состоят картины знаменитых художников, и вы никогда уже их не перепутаете
Что отличает Рубенса от других художников? А как узнать, что перед вами картина Ван Гога? Для многих запомнить авторов знаменитых картин — непосильная задача. Если и вам кажется, что вы далеки от искусства, то мы готовы приблизить вас к нему. Краткий гид по великим художникам еще никогда не был таким простым и понятным.
С этим путеводителем вы станете знатоком в области живописи. Приготовьтесь включить чувство юмора и смотреть много картинок. Разумеется, метод не идеальный и допускающий исключения.
Дата: Воскресенье, 03.03.2019, 11:21 | Сообщение # 131
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Болгарская художница Нелли Ценова.
О Нелли Ценовой в России известно очень мало. Родилась в 1961 году в Пловдиве. Художественное образование получила в Художественной Академии в Софии. Замужем за художником Валерием Ценовым. Вот пожалуй и все из биографии художника.
На картинах Нелли Ценовой, почти всегда присутствуют деревья. Они главные герои ее живописных фантазий. Деревья дают возможность жить всему живому, что их окружает, в том числе и человеку. Без деревьев, без леса, мир неизбежно превратится в безжизненную пустыню.
На картинах Ценовой на деревьях растут фруктовые натюрморты. Деревья бережно обнимают своими ветвями дома, деревни, ручьи. В фантазиях художницы живой добрый мир...
Художница превратила российские города в людей и даже придумала им собственные характеры
Хуманизация — перерисовка неодушевлённых предметов, животных, растений и прочего в человеческой форме. Иногда под руку художников попадают даже настолько неожиданные вещи как города России, которых пользовательница Твиттера под ником MagnieMakoyana превратила в персонажей аниме. Но одними рисунками дело не ограничилось, ведь у каждого из её персонажей есть собственный характер, основанный на его достопримечательностях, особенностях, узнаваемых чертах или известных событиях. И на такие работы действительно интересно взглянуть!
Китайский вид резьбы по дереву "донгянг" по праву может претендовать на звание самого искусного в мире.
Зародилась это ремесло в одноименном городе, в Китае, примерно в 7 веке. Благодаря формированию этой школы резьбы, город вошел в четверку крупнейших ремесленных центров Китая.
Элементами, выполненными в стиле "донгянг" украшали императорские дворцы и знатные дома по всему Китаю. На данный момент, резные изделия экспортируются в более чем 80 стран по всему миру
Главная отличительная черта этого стиля - мельчайшая и скрупулезная проработка деталей. Вся выразительность в проработке, тонировка или иные средства не используются.
Есть и попытки использовать современные технологии, но, до живых мастеров ЧПУ не дотягивает.
Недавно, благодаря молодому мастеру Чжэн Чунхуи, техника Донгянг снова прогремела на весь мир. Он увековечен в Книге рекордов Гиннеса как создатель самой длинной скульптуры из дерева. Длина скульптуры 12, а высота 3 метра.
Создание этой работы потребовало 4 года, автор воплотил в объеме древнюю китайскую картину XI века "Вдоль реки во время фестиваля Цинмин".
Дата: Воскресенье, 17.03.2019, 18:22 | Сообщение # 134
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Акварели художника Марины Фазановой
Марина Фазанова долгое время работала художником по костюмам в хореографическом ансамбле "Славяночка". Участвовала в международных выставках, как художник-модельер.
Молодость уходит - не прощается, старость приходит - не здоровается. 2017
Одновременно с основной профессией серьезно занимается акварелью. С 2012 года член Санкт-Петербургского общества акварелистов.
Пасха. 2016
Художественное образование получила в Российском государственном педагогическом университете имени А.И. Герцена на факультете изобразительных искусств.
Покров. 2016
Акварели Марины Фазановой отличаются большим количеством деталей, сложным аллегорическим сюжетом, полным символов и тонких намеков, уходящих своими корнями во все сферы нашей жизни. Безусловно интересный художник.
Мир культуры становится все более дигитальным. Ведущие музеи оцифровывают свои коллекции и выкладывают в свободный доступ изображения шедевров. Помимо туров с обзором 360-градусов, видеоанонсов и трансляций своих главных выставок, а также тематических конференций и специальных программ. Основные из них доступны на
Метрополитен-музей (Нью-Йорк). Один из крупнейших музеев мира предлагает взглянуть онлайн на более 200 000 экспонатов, среди которых картины Ван Гога, Джексона Поллока и Пабло Пикассо.
Музей Соломона Гуггенхайма (Нью-Йорк). Старейший и один из самых посещаемых музеев современного искусства в мире. Collection Online — это1700 работ более чем 625 художников.
Национальная галерея искусств (Вашингтон). Здесь представлена одна из лучших в мире коллекций американских и европейских мастеров.
Музей американского искусства Уитни (Нью-Йорк). Американское искусство XX-XXI веков: живопись, скульптура, графика, фотография и видеоарт. Более 23 000 работ 3500 авторов выложено онлайн.
Чикагский институт искусств (Чикаго). Не только высшее учебное заведение, но и художественный музей, который славится обширной коллекцией импрессионистов и американского искусства.
По теме: Институт искусств в Чикаго выложил архив в свободный доступ
Коллекция Фрика (Нью-Йорк) — частная коллекция старой западноевропейской живописи, в которую вршли работы Брейгеля-старшего, Тициана, Эль Греко, Рембрандта, Веласкеса.
Национальный музей женского искусства (Вашингтон). Единственный в мире художественный музей, где экспонируются произведения искусства, созданные только женщинами.
Национальный музей естественной истории (Вашингтон). В нем представлены не только образцы растений, животных, ископаемых и минералов, но также археологические и культурные артефакты.
Белый дом (Вашингтон). Онлайн-тур предлагает познакомиться с интерьерами официальной резиденции президента США.
Национальный музей ВВС США (Дейтон) — один из старейших и крупнейших авиакосмических музеев мира.
Франция
Лувр (Париж) — онлайн-прогулка по некоторым галереям дворца-музея.
Версальский дворец (Версаль) — памятник французской архитектуры и первый в Европе грандиозный проект, создавший индустрию люкса.
Часовня Сент-Шапель (Париж) — один из самых знаменитых и популярных памятников готической архитектуры.
Великобритания
Британский музей (Лондон) — около 8 млн объектов, самые интересные из которых можно посмотреть онлайн.
Британская галерея Тейт (Лондон) — художественный музей с самым крупным собранием британского искусства с 1500 года до наших дней, включая шедевр Милле «Офелия».
Стоунхендж (графство Уилтшир) — таинственный археологический памятник, к которому можно «прикоснуться» по интернету.
По теме: Музей Tate Britain украсили светящиеся слизняки
Италия
Галерея Уффици (Флоренция) — картина Боттичелли «Рождение Венеры» и не только в виртуальной прогулке по одному из старейших музеев Европы.
Сикстинская капелла (Ватикан) — памятник эпохи Возрождения с фресками Микеланджело, Боттичелли, Перуджино. В онлайн-пространстве их можно рассмотреть подробно, не толкаясь с другими туристами.
Капитолийские музеи (Рим) — старейший публичный музей в мире с великолепной коллекцией скульптуры, включая символ Рима, «Капитолийскую волчицу».
Австрия
Музей истории искусств (Вена) — здание в стиле итальянского Ренессанса хранит полотна Рафаэля, Брейгеля, Караваджо, Рубенса и других гениальных художников.
Галерея Бельведер (Вена) — художественный музей во дворце Бельведер с коллекцией живописи разных эпох. Известен хранящимся здесь «Поцелуем» Густава Климта и скандалом вокруг картины «Золотая Адель».
Нидерланды
Музей Ван Гога (Амстердам) — полное представление о творчестве одного из самых маргинальных и популярных по сей день гениев живописи, а также работах его современников.
Королевская художественная галерея Маурицхейс (Гаага) — картинная галерея с богатой коллекцией «золотого века» голландского искусства: работ Яна Вермеера, Рембрандта ван Рейна, Франса Халса и др.
Испания
Театр-музей Дали (Фигерас) — шанс познакомиться с самой крупной и разнообразной коллекцией работ знаменитого художника-сюрреалиста.
По теме: Живой Дали в американском музее
Германия
Старая национальная галерея (Берлин) — предлагает ознакомится с искусством XIX века из коллекции Фонда прусского культурного наследия.
Финляндия
Атенеум (Хельсинки) — главный художественный музей Финляндии с самой большой в стране коллекцией картин, скульптур, графики и рисунков.
Греция
Музей Акрополя (Афины) — археологический музей, в котором хранится более 3000 знаменитых артефактов Афинского Акрополя, самого значительного святилища древнего города.
Австралия
Художественная галерея Нового Южного Уэльса (Сидней) — самая большая в Сиднее и одна из крупнейших в Австралии.
Новая Зеландия
Национальный музей Новой Зеландии (Веллингтон) — иллюстрирует особенности природы, быта, традиций, культуры Новой Зеландии и тихоокеанских островов: от древних артефактов до современного искусства.
Япония
Художественный музей Кобе Юкари (Кобе) знакомит с произведениями японских художников, живших и работавших в Кобе, начиная со второй половины XIX века.
Южная Корея
Национальный музей Кореи (Сеул) — крупнейший исторический и художественный музей и культурный центр Республики Корея.
Индонезия
Храм Прамбанан (остров Ява) — комплекс раннесредневековых индуистских храмов начала X века, объект Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Россия
Эрмитаж (Санкт-Петербург). Google Arts & Culture позволяет побродить по залам музея, а проект «В фокусе» дает возможность не только рассмотреть в деталях работы из собрания Эрмитажа, но и заглянуть за закрытые двери музейных хранилищ и реставрационных лабораторий.
По теме: Эрмитаж показывает обманки
Государственная Третьяковская галерея (Москва). Виртуальная прогулка среди выдающихся работ российских художников без очередей на вход.
Музей Михаила Булгакова (Москва). Способ виртуально попасть в кабинет писателя, познакомиться с архивными фотографиями и посмотреть «изнутри» на роман «Мастер и Маргарита».
