Дата: Суббота, 11.05.2019, 23:02 | Сообщение # 136
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Сальвадор Дали. Особые приметы
Художник, график, скульптор, режиссер и писатель Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 года в испанском городе Фигерас в Каталонии в обеспеченной семье нотариуса. Он рос смышленым, но капризным и неуправляемым ребенком. В общении со сверстниками Дали стремился быть эпатажным ребенком, идущим наперекор чужому мнению. В жизни мальчика не задалась не только дружба, но и учеба. Покинув в 1918 году Академию братьев ордена маристов в Фигерасе, в 1921-м он поступил в Королевскую академию изобразительных искусств Сан Фернандо в Мадриде, однако в 1926 году был изгнан за вольнодумие.
Большое влияние на творчество Сальвадора Дали оказали Зигмунд Фрейд и Пабло Пикассо, а также сюрреалистическая группа Андре Бретона. В 30-х годах он разработал «параноико-критический метод», который предполагал иррациональное познание, основанное на субъективной объективации несопоставимых ассоциаций и интерпретаций. Дружба с сюрреалистами оборвалась в 1936 году после прихода к власти диктатора Франко.Последователи марксизма были шокированы увлечением Дали диктатурой, что закончилось исключением из группы.
В 1937 году художник посещает Италию и черпает вдохновение в произведениях Ренессанса. Его собственный стиль дополнили различные черты академизма. Однако Дали по-прежнему выплескивает на холст многочисленные сюрреалистические фантазии. Среди его наиболее известных картин — «Постоянство памяти» (написана в 1931 году) с изображением «мягких часов» как символа бренности людского бытия, пугающая «Предчувствие гражданской войны» (1936), а также «Сон» (1937), на которой можно увидеть голову, стоящую на костылях.
Через последнюю картину Дали выражал свои параноидальные мысли. Почти все названия работ художника вызывают едва ли не столько же интереса, сколько их сюжет. К примеру, у Дали есть картины с названиями «Сон, вызванный полетом пчелы за секунду до пробуждения» (1944), «Лебеди, отраженные в слонах» (1937) и «Вечерний паук сулит надежду» (1940).
Дамой сердца Сальвадора Дали много лет была Елена Дьяконова, известная как Гала. Русская эмигрантка была на 10 лет старше неопытного в отношениях художника, которому на момент их встречи было всего 25 лет. Гала тогда была женой поэта Поля Элюара и любовницей художника Макса Эрнста. Знакомство с Дали заставило ее бросить обоих мужчин и стать супругой, музой и моделью Сальвадора. Гале удалось не только привнести в жизнь творческого человека вдохновение, но и решить его финансовые вопросы. Произведения Дали стали приносить доход. Но с годами отношения супругов становились все сложнее. В 1968 году художник купил для Галы замок Пуболь, в котором она проживала отдельно от мужа, а Дали мог ее посещать лишь по письменному разрешению. Несмотря на многочисленные разногласия, смерть Галы стала для Сальвадора Дали огромным ударом. Последние семь лет жизни он провел в изоляции.
Знаменитый художник не оставил после себя наследников, а все картины завещал государству. Но в 2007 году испанка Мария Пилар Абель Мартинес объявила себя внебрачной дочерью Сальвадора Дали. По ее словам, тот когда-то навещал друга в городке Кадакес, где мать Мартинес работала служанкой. Женщина заявила, что Дали и ее мать вступили в любовные отношения, в результате которых в 1956 году и родилась она. Мария потребовала провести тест ДНК, однако волосы и клетки кожи с посмертной маски Дали показали отрицательный результат.
Тогда испанка запросила эксгумацию тела художника, которая была проведена в 2017 году. К ее разочарованию, эта процедура лишь подтвердила тот факт, что знаменитый художник не был ее отцом.
Информацию по теме смотрите в инфографике по ссылке (увеличьте изображение при помощи виртуальной лупы).
Дата: Пятница, 24.05.2019, 18:27 | Сообщение # 137
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
10 знаковых проектов Яёи Кусамы
Яёи Кусаме — 90! «Если бы не искусство — я бы давно покончила с собой» — любит повторять эта пожилая дама в красном парике. 22 марта 2019 года знаменитая японская художница Яёи Кусамаотмечает свой юбилей. Бесконечные пространства, покрытые рисунками в горошек, стали ее визитной карточкой. Но то, что для зрителей кажется занимательным художественным решением, для Кусамы — самая настоящая реальность, вызванная давним психическим расстройством. Как говорит сама Яёи, «я борюсь с болью и страхом ежедневно, и единственный метод, который помогает мне справляться с болезнью, — это искусство».
Имя Яёи Кусамы не всегда было на слуху. «Большая волна» популярности приходила дважы. Незаслуженно забытая в 80-е годы ХХ века, Кусама вновь появилась на небосклоне арт-сообщества в середине 90-х: ее ретроспективы на Западе и участие в Венецианской биенале 1993 года вернули «королеве горошин» былую славу, которую она с тех пор многократно приумножила.
А «первое вознесение» Кусамы состоялось в пору расцвета психоделии. Арт-критик и знаменитый американский минималист Дональд Джадд сыграл в этом одну из главных ролей: он не только влиял на творческую компоненту, но и активно промоутировал Яёи, публикуя статьи о художнице в 1960-е годы. Она стала «своей» в арт-тусовке, дружила с Джорджией О’Киф, Евой Гессе, Энди Уорхолом, искусствоведом Гербертом Ридом, художником-сюрреалистом Джозефом Корнеллом… Что ж, эпохе «детей цветов» эксперименты Кусамы, вкупе с пикантным флером ее психического расстройства, пришлись весьма ко двору.
Первый приступ галлюцинацийслучился у Яёи в десять лет. Девочка рассматривала скатерть в цветочек, и в какой-то момент ей показалось, что цветочки начали распространяться на все поверхности предметов в комнате, на окна и стены. Это детское впечатление растворения в бесконечности впоследствии неоднократно станет одним из принципов, по которым Кусама создает свои инсталляции. Еще один комплекс — страх перед сексуальностью — художница многократно усилит и выплеснет впоследствии в виде фаллической символики: все эти выступы,покрывающие поверхности объектов, «читаются» именно так.
Несмотря на сопротивление своей консервативной семьи, Яёи настойчиво занималась рисованием, училась классической японской живописи нихонга. Рисование было страстью: уже не первой персональной выставке художница представила более 250 работ. А галлюцинации продолжались, так что ей порекомендовали кардинально сменить обстановку. Кусама нацелилась на США и написала нескольким известным в то время художникам, приложив к письмам свои работы. Получив одобрительное письмо от Джорджии О’Киф, девушка в 1957 году приехала в Нью-Йорк.
Многие идеи, привнесенные Кусамой в свое творчество, в дальнейшем были использованы другими художниками. Так, ее инсталляция «Aggregation: One Thousand Boats Show» впоследствии отразилась на творчестве Энди Уорхола, который позже стал использовать повторяющиеся изображения в обоях, а в 1962 году создал свои знаменитые «Банки с супом Кэмпбелл». А после совместной выставки Кусамы с Класом Олденбургом последний через некоторое время занялся мягкой текстильной скульптурой.
Она попала в нужное место и в нужное время: в обществе, поглощенном изучением психоделических состояний, художник, интерпретирующий подобные личные переживания, вызвал неподдельный интерес. Тем более — японка, тем более — женщина. Фестивали боди-арта, модные показы, киносъемки, демонстрации против войны во Вьетнаме, хепенинги — Кусама погрузилась в гущу художественной и общественной жизни. От живописи Кусама переходит к скульптуре и инсталляции, преодолевая внутренние страхи, демонстрируя зрителям собственные навязчивые идеи. Знаменитый узор из горошин становится узнаваемым, а Кусама получает
ласковое прозвище «Дотти» (от английского «dot» — точка).
Протестуя против войны во Вьетнаме, Кусама и ее друзья в 1968 году устроили в Нью-Йорке акцию протеста, появившись обнаженными на Бруклинском мосту. Их тела были испещрены красными горошинами, символизирующими пулевые ранения. В это же время Кусама написала президенту США Никсону с предложением заняться с ним любовью, дабы тот «умерил свой воинственный пыл». Надо ли говорить, что такая акция не осталась незамеченной и вызвала большой резонанс в СМИ.
Сети бесконечности - Infinity Nets (1959)
«Сети бесконечности» Яёи Кусамы — серия картин, которые не имеют ни начала,ни конца, над которй художница работает всю жизнь. Впервые «Сети бесконечности» были представлены в 1959 году и стали знаковым моментом движения абстрактного экспрессионизма в нью-йоркском мире искусства. Получив высокую оценку в США, Кусама начала свою карьеру как художник-авангардист.
Она по сей день обыгрывает понятия бесконечного повторения и бесконечного пространства, развивает свою стратегию серийного повторения.
Ее произведения — будь то картины или инсталляции — разрушают зыбкие границы между вещественным и пространственным. Психологически процесс создания картин — своеобразная форма катарсиса. Художница стремится уничтожить свои страхи посредством акта повторения.
Психологически процесс создания картин — своеобразная форма катарсиса. Художница стремится уничтожить свои страхи посредством акта повторения. Искусствоведы часто сравнивают произведения Кусамы из серии «Сети бесконечности» с работами Джексона Поллока, Марка Ротко и Барнетта Ньюмана.
Идея создания бесконечных зеркальных миров, многократно отображающих содержание некоего замкнутого пространства, пришла к Кусаме в 1965 году. Ее первая инсталляция стала событием в мире современного искусства — это было действительно головокружительное зрелище. Здесь столкнулись сразу два страха художницы — горошки, покрывающие все видимое пространство, и поле фаллосов,которые они усеивали.
Эта работа впервые появилась на выставке Floor Show, проходившей в Кастеллан Галерее (Нью-Йорк) в 1965 году. Яёи Кусама неоднократно меняла внутренний дизайн комнаты на последующих показах, однако принцип оставался тот же — растворение зрителя в бесконечном психоделическом пространстве отражений. Недаром рядом с входом в очередную «зеркальную комнату» всегда висит табличка с предупреждением о том, что зрелище может быть опасным для людей,страдающих психическими расстройствами или эпилепсией.
За свою карьеру художница создала более двадцати различных Зеркальных комнат Бесконечности.
Сад нарциссов - Narcissus Garden (1966)
В 1966 году Кусаму пригласили принять участие в Венецианской биеннале. Для этого мероприятия художница создала инсталляцию «Сад Нарциссов». Полторы тысячи зеркальных сфер диаметром около 30 см каждая были уложены на газоне — Кусама назвала это «кинетическим ковром». Сама Яёи, одетая в золотое кимоно, стояла посреди этого сверкающего великолепия, где установила таблички — «Narcissus Garden, Kusama» («Сад нарциссов, Кусама») и «Your Narcissism for Sale» («Ваш нарциссизм на продажу»).
Яёй Кусама и «Сад нарциссов» (1966) на Венецианской биеннале, Италия, 1966
Инсталляция привлекала большое внимание еще и потому, что Кусама продавала сферы посетителям, прося за каждую 1200 лир (около 2 долларов). С одной стороны,так она выражала своеобразный протест против коммерциализации арт-рынка. С другой стороны, это был новый шаг в современном искусстве — каждый мог стать обладателем части инсталляции, которая, соответственно, по мере уменьшения количества шаров меняла свои очертания. Организаторы биеннале быстро пресекли эту торговлю, однако «Сад Нарциссов» успел наделать шума в прессе. А принцип изменчивости экспозиции, в котором зрители могли принять непосредственное участие, впоследствии был неоднократно использован многими художниками.
Позже инсталляция «Сад нарциссов» была повторена еще не раз. Кусама придумала новые варианты художественных решений — например, она пустила серебряные шары плыть по воде, и сотни сверкающих сфер образовали своеобразную кинетическую скульптуру.
Вообще, художница, обожающая горошек, еще ни разу не поставила точку в своих проектах — каждый из них живет десятилетиями, развиваясь и изменяясь в собственном ритме.
«Моё искусство берёт своё начало в моих галлюцинациях, которые только я могу видеть. Я перевожу галлюцинации и навязчивые образы,которые досаждают мне, в картины и скульптуры. Все мои работы являются продуктами навязчивого невроза и,следовательно, неразрывно связаны с моей болезнью. Впрочем, я создаю что-то даже когда не вижу галлюцинаций».
Из интервью Яёи Кусама журналу BOMB Magazine.
Небо и Земля - Heaven and Earth (1991)
Еще одна знаковая работа Кусамы — «Небо и земля» — стала развивающимся проектом идеи приумножения объектов страха, который видоизменялся с годами. Первая инсталляция была однотонной, молочно- белой; из сорока деревянных ящиков к небу устремлялись мягкие щупальца, похожие на существ из глубины неведомых морей. Для Кусамы это фаллосы, ну, а зрители предпочитают сравнивать это с чем угодно, только не с обязательным атрибутом мужского достоинства. Просто кораллы.
Первую зеркальную комнату, усеянную тыквами, Яёи Кусама создала в 1991 году. Поля тыковок-фонарей покрыты фирменными ритмическими горошинами Кусамы — они затягивают зрителя в бесконечный ландшафт. Его образуют узоры и зеркала: все спрятано внутри зеркального куба, и для того, чтобы увидеть тыквы,надо заглянуть внутрь зеркального куба через маленькое окошечко.
С этими «Тыквами» Яёи Кусама приняла участие в Венецианской биеннале 1993 года, представляя современное искусство Японии в национальном павильоне. Художница была одета в желтое платье с неизменными горошками и остроконечную шляпу волшебницы, дополняя внутреннее оформление, или же, скорее, становясь центральным его объектом. Эта работа стала знаковой, послужив новой точкой отсчета популярности и коммерческого успеха искусства художницы. Яёи Кусама вернулась в современный арт-мир, чтобы воцариться там окончательно. А тыква стала для художницы воплощением ее «альтер эго», автопортретом. Это объясняет многочисленные вариации этого объекта на картинах и в скульптурах Кусамы.
Повторяющееся видение - Repetitive Vision (1996)
Продолжая тему зеркальных комнат, Кусама создает «Повторяющееся видение». Путь к недрам инсталляции пролегает по черному коридору, в конце которого находится дверь, открывающаяся в ярко освещенное пространство, пол которого покрыт горошинами красного цвета. Три женских белых манекена также покрыты красными горошинами, и вместе со зрителем многократно отражаются в зеркальных стенах. «Зеркало — это устройство, которое уничтожает все, включая меня и других» — утверждает Кусама.
Dots Obsession - Одержимость точками (1997)
«Одержимость горошком» стала своеобразным продолжением зеркальной комнаты с тыквами, однако здесь художница использовала новые материалы: в желтой комнате с горошками расположились округлые надувные конструкции, также щедро покрытые черными точками. Работа была создана специально для Художественной галереи университета Райса (Хьюстон, Техас). Позже эта инсталляция, но уже решенная в красно-белой расцветке, стала частью выставки «Прогулка в моем разуме» (2009) в лондонской галерее Хейворд, где свои работы демонстрировали 10 современных художников. Как и все проекты Кусамы, «Одержимость горошком» путешествует по всему миру, подстраиваясь под выставочное пространство,но не меняя свей сути.
Комната облитерации - The Obliteration Room (2002)
Слово «облитерация» можно перевести и как «заращение», и как «уничтожение», «забвение». Кусама нашла это слово со многими смыслами для того, чтобы наиболее точно описать свой новый проект.
«Комната облитерации» была впервые представлена в Художественной галерее Квинсленда в 2002 году как художественный проект для детей; в 2012 году эту интерактивную инсталляцию показали в Tate Modern.
Полностью белая комната, обставленная белой же мебелью и предметами быта,стала чистым холстом для посетителей. По мере того, как количество зрителей,посетивших «Комнату», увеличивается, растет и количество цветных горошков на всех ее поверхностях — на входе вскем выдают разноцветные наклейки разных размеров, и каждый может внести свой вклад в развитие произведения Кусамы. Очевидно, что «ноги» у этой «Комнаты забвения» растут из детских неврозов автора. Ну, а нынешним детям аттракцион очень нравится.
Яёи Кусама. Комната облитерации — The Obliteration Room. 2011.
Мерцающие огни душ - Gleaming Lights on the Souls (2008)
Инсталляция, построенная в 2008 году, находится в Музее современного искусства Луизианы. Она представляет собой помещение 4 на 4 метра, стены и потолок которого покрыты зеркалами, а пол — это бассейн с небольшим мостком. С потолка свисают сотни светящихся шаров — объемная интерпретация вездесущего фирменного горошка Кусамы. Ритм и пульс свечения фонариков, смена их цвета постепенно увлекают зрителя в космические пространства, делают его единым со Вселенной. «Мерцающие Огни Душ» — действительно лирическое произведение искусства.
При том, что художница живет в психиатрической клинике, она вполне адекватно оценивает действительность и следует за трендами арт-рынка. Дизайнерские«штучки»? Пожалуйста! Яёи Кусама легко идет на сотрудничество с модными домами и дизайнерскими компаниями, создавая для них уникальные, узнаваемые — и очень дорогие — вещицы. В 2012 году художница внесла смятения в умы модниц, покрыв ярким горошком коллекцию для Louis Vuitton — платья и топы, сумки и очки, туфли и шарфы. А несколько раньше в коллаборации с японским оператором мобильной связи au KDDI она сотворила уменьшенную копию своей развеселой скульптуры собачки «Каваи» и симпатичный розовый телефон «Мой песик Динь-Динь» (2009) для линейки iida. Комплект симпатичный, уникальный и дорогой — около 10 тысяч долларов, а спустя 10 лет — еще и раритетный. Определенно, Кусама знает цену своим работам!
Рассматривая работы японки Яёи Кусамы, можно в полной мере оценить ее «навязчивое искусство», которое она творит на протяжении 80 лет. Она отважно оставила дом и уехала в чужую страну, где смогла реализовать свое творческое видение в мужском мире арт-проектов 1960-х. От поп-арта и кинематографа до художественных романов и музыкальных произведений, живописи и разнообразных инсталляций… Кусама разрабатывала собственные модели одежды,открыла гей-клуб и экспериментировала с различными направлениями — от антивоенных акций и до контркультуры хиппи.
Художница преодолела свое темное прошлое и использовала его для создания позитивных, красочных произведений искусства. Все ее творчество, вся ее жизнь — яркий пример искусства как терапии. Терапии, которая вдохновляет людей.
…А узнаем ее по горошку. «Горошек имеет форму солнца, который является символом энергии всего мира и нашей жизни. Круглый, мягкий, красочный,бессмысленный и не знающий. Горошек становится движением … Горошек — это путь к бесконечности» — считает Дотти.
Дата: Пятница, 13.09.2019, 10:56 | Сообщение # 138
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
13 секретов известных скульптур, которые стоит знать каждому ценителю искусства
Среди достопримечательностей большинства мегаполисов довольно весомую нишу занимают различные скульптуры. Каждая из них содержит в себе нечто особенное, что не сразу бросается в глаза обычному человеку. Поэтому даже самые, казалось бы, известные работы могут скрывать за собой любопытные детали.
Давайте разберёмся в небольших секретах всемирно известных скульптур и гигантских статуй.
1. Изначально Венера Милосская выглядела совсем по-другому
Статуя Венеры Милосской, изображающая греческую богиню Афродиту, была найдена в XIX веке на острове Милос. Изначально у нее были руки — в одной она держала яблоко, а второй придерживала спадающую одежду. Руки были утрачены при транспортировке французскими офицерами, но это не единственное, что потеряла скульптура. Когда-то она была украшена ювелирными изделиями: браслетами, серьгами, тиарой. Они пропали очень давно, но в мраморе остались отверстия для креплений.
2. На бюсте Нефертити не случайно отсутствует левый глаз
Образ Нефертити — один из неизменных символов древнеегипетской цивилизации. Легко заметить, что в скульптуре царицы отсутствует левый глаз. Это можно объяснить религиозными верованиями египтян, которые не делали точные копии лиц людей. Они верили, что между человеком и любым его изображением существует связь и если повредить изображение, это может навредить и человеку.
3. Медный всадник на самом деле не из меди
С легкой руки А. С. Пушкина памятник Петру I в Санкт-Петербурге получил название «Медный всадник». Мало кто знает, что это лишь художественный прием, а статуя на самом деле отлита из бронзы.
4. Статуя Свободы транслирует символы
Официальное название статуи – «Свобода, озаряющая мир». Ранее она выполняла роль маяка, но мощности сигнальных огней не хватало для помощи кораблям, поэтому он был закрыт. Обратите внимание на детали: в левой руке статуя держит скрижаль, на которой римскими цифрами написана дата - 4 июля 1776 – день принятия Декларации независимости США. Правая нога статуи опирается на сломанные кандалы – это символ освобождения от тирании и гнета.
5. Пьедестал статуи Христа-Искупителя мог выглядеть иначе
Изначально планировалось, что пьедестал статуи в Рио будет иметь форму земного шара, символизирующего мир. Однако в ходе кропотливой работы был сформирован тот облик монумента, каким мы знаем его сейчас. Основной упор сделали на широко расставленные руки Иисуса, которые символизируют любовь Христа к каждому человеку. Издалека монумент похож на большой крест — символ христианской веры.
6. На памятнике «Тысячелетие России» кое-кого не хватает
На знаменитом памятнике «Тысячелетие России» в Великом Новгороде располагаются 129 фигур, повлиявших на русскую историю: государственные и культурные деятели, военные и герои, просветители. Если присмотреться, то можно заметить, что на памятнике отсутствует фигура Ивана IV Грозного. Было решено, что помещать фигуру царя на памятке неэтично в связи с кровавым погромом в Новгороде.
7. Статуя Золотого Будды была обнаружена совсем недавно
Статуя Будды в бангкокском храме Ват Траймит — самая большая в мире цельнолитая золотая статуя: высотой она около 3 метров, а весит более 5 тонн. В период войны с Бирмой буддистская святыня была покрыта гипсом для сохранности, и все люди, знавшие этот секрет, погибли во время войны. Обнаружили статую только в середине XX века: во время перевозки скульптуры начался дождь, смывший участок гипса и обнаживший золото.
Дата: Пятница, 13.09.2019, 10:59 | Сообщение # 139
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
13 секретов известных скульптур, которые стоит знать каждому ценителю искусства (продолжение)
8. Монумент Вашингтону должен был выглядеть иначе
Монумент Вашингтону — одна из самых посещаемых достопримечательностей в столице США. Мало кто знает, каким монумент планировался изначально. Снизу обелиск должна была окружать круговая колоннада, украшенная статуей Вашингтона на колеснице. Внутри колоннады должны были помещаться фигуры 20 героев Американской революции. Проект вышел слишком дорогим, поэтому монумент решили сделать более лаконичным.
9. Статуя «Голубой мустанг» убила своего создателя
10-метровая статуя "Голубой мустанг" работы скульптора Луиса Хименеса возвышается над аэропортом Денвера. За устрашающий вид местные жители прозвали коня Блюцифером. Однако невзлюбили статую не только за горящие демонические глаза – он убил своего создателя. При транспортировке крепления не выдержали 4-тонную громаду и фрагмент изваяния упал на Луиса, нанеся пожилому скульптору смертельные травмы.
10. У коней на Аничковом мосту есть любопытная деталь
У коней на Аничковом мосту в Петербурге есть одна небольшая особенность. У лошадей, бегущих по одну сторону реки Фонтанки, есть подковы, а на противоположном берегу — нет. Дело в том, что раньше на Литейном проспекте находились кузницы и литейные мастерские. Поэтому кони, бегущие от Литейного проспекта, уже успели подковаться, а те, которые только туда направляются, еще нет.
11. Мемориал Линкольна украшен символом безграничной власти
Мемориал Линкольна — третья по посещаемости достопримечательность в Вашингтоне. Мало кто замечал, что руки первого президента Америки опираются на римские фасции. Эти пучки прутьев, перетянутые ремнями, являлись символом безраздельной власти и защиты государственности древнеримских царей. Используя фасции в скульптуре, американский народ отдает дань уважения Аврааму Линкольну.
12. Послание скульптуры "Криптос" не разгадано до сих пор
Напротив центрального офиса ЦРУ в штате Вирджиния расположена работа американского художника Джеймса Санборна «Криптос». Это самая загадочная скульптура в мире — она полностью состоит из зашифрованного текста. За 30 лет ее существования криптоаналитики не прекращают попыток разгадать послание. На данный момент расшифровано 3 секции — это текст автора, текст телеграфной передачи и текст из дневника антрополога Говарда Картера, открывшего гробницу Тутанхамона.
13. Статуя «Писающий мальчик» не оригинальна
«Писающий мальчик» — миниатюрная бронзовая статуя-фонтан, вода из которой переливается в расположенный ниже бассейн. В праздничные дни воду в фонтане заменяют на вино или пиво, а также переодевают статую в костюмы. Кроме того, статуя мальчика не оригинальна — ее множество раз похищали, а после пропажи на ее месте просто появлялась копия.
«Цех» продолжает арт-ликбез на скорую руку. Если вы хотите знать имена и работы известных российских художников, но не знаете, с чего начать знакомство с ними, рекомендуем подписаться на них в инстаграме. Собрали для вас 9 аккаунтов авторов, которые работают с самыми разными материалами, темами и жанрами — от высокотехнологичных объектов и инсталляций до акварельных портретов и ироничных фото-коллажей.
pavelpepperstein — Страница одного из самых известных российских художников и писателей, лауреата литературной премии Андрея Белого, сооснователя художественной группы «Инспекция Медицинская герменевтика», просуществовавшей с 1987 по 2001 год и ознаменовавшей новый виток развития московского концептуализма. В аккаунте Павел Пепперштейн выкладывает свои остроумные акварели и фрагменты видео, а также публикует новости о ближайших проектах.
yapahom — «Единственный настоящий аккаунт Пахома. Все остальное – иллюзия». На своей странице художник, актер, музыкант и экстрасенс Сергей Пахомов публикует фотоколлажи с собой в образе Венеры Милосской, Клауса Номи, инстаграм-дивы, оленя и других неопознанных эксцентричных персонажей, а также сюрреалистичные видео, сэлфи в странных местах и, конечно, свою живопись.
aesplusf — аккаунт самых гламурных российских художников, мастеров сложного фото- и видео-монтажа и спецэффектов и ценителей аллегорий. Группа AES+F существует с 1987 года, и названа она по первым буквам фамилий участников: Татьяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святский, Владимир Фридкес. AES+F хорошо известны за рубежом, они частые гости
разнообразных фестивалей, международных выставок и биеннале. За свою масштабную трехчастную видео-инсталляцию Allegoria Sacra группа получила премию Сергея Курехина в 2011, премию Кандинского в 2012, главный приз фестиваля NordArt в 2014 и приз Pino Pascali в 2015.
vtol_ — Если DIY-устройства приводят вас в восторг и трепет, обязательно подпишитесь на проект московского художника Дмитрия Морозова, работающего с мультимедиа-инсталляциями. Он собирает аналоговые звуковые девайсы и создает концептуальные гаджеты. Дмитрий — лауреат Премии Сергея Курёхина (2013) и Премии Cube (Франция, 2014) и постоянный участник международных фестивалей медиа-искусства, таких как Mirage (Лион), Ars Electronica (Линц), Future Everything (Манчестер) и CTM (Берлин). Тот редкий случай, когда видео и звук в инстаграме важнее, чем фотографии — только по видео можно составить представление об изощренных и удивляющих механизмах художника.
sashafrolova — Саша Фролова — ученица и соратница Андрея Бартенева, проработав в команде которого десять лет, она начала создавать собственные «живые скульптуры» — перформативные дефиле с персонажами, облаченными в яркие костюмы из латекса и других синтетических материалов. Помимо костюмов Саша создает футуристичные предметы неоновых цветов, как пишет «Диалог искусств», «воздушные скульптуры Саши Фроловой существуют на грани дизайна, временных малых архитектурных форм, объектов современного искусства и развлекательных интерактивных объектов».
taisiakorotkova — Главная тема картин Таисии Коротковой — ретрофутуризм. В ее работах встречаются сюжеты, навевающие ассоциации с Солярисом Тарковского и другими кинообразцами советской научной фантастики. Основная техника произведений Таисии — темпера, живопись на левкасе на доске. В 2010 году художница получила премию Кандинского в номинации «Молодой художник года. Проект года». В своем профиле Таисия публикует, в том числе, эскизы еще не законченных работ.
recycleart — Художественный дуэт двух авторов из Краснодара, Андрея Блохина и Георгия Кузнецова, работает с темой техно-утопии и влияния современных технологий на жизнь людей и нашей планеты. Как гласит легенда, в своей первой персональной выставке, прошедшей в 2008 году в галерее М’АРС, Андрей и Георгий использовали материалы, пригодные для вторичной переработки (recycle) — так и появилось название дуэта. В 2010 году Recyle получили премию Кандинского. На их странице можно увидеть документацию объектов и инсталляций художников.
aristarkh_chernyshev — Аристарх Чернышев — один из пионеров российского медиа-арта. С 1996 года сотрудничал с Владиславом Ефимовым, с 2004 – основателей галереи Electroboutique, совместно с Алексеем Шульгиным. Сейчас Аристарх и Алексей курируют Электромузей и ведут собственную мастерскую в Школе Родченко. На странице Аристарха можно увидеть не только фотографии готовых объектов, но и понаблюдать за творческим процессом. Художник постоянно экспериментирует с новыми технологиями, чередуя критику с привлекающей внимание визуальностью.
anirianirok — Художница Ирина Корина известна своими масштабными инсталляциями из комбинаций разных «китчевых» и «анти-эстетичных» материалов — например, баннеров, ткани с аляповатыми узорами, строительных конструкций и так далее. Ей удается схватывать образ той диковатой, но такой родной и узнаваемой повседневности, на которую мы обычно не обращаем внимание и которую точно не ожидаем увидеть в музее. Однако в Instagram-профиле художницы вы увидите менее знакомую Ирину: здесь она выкладывает свои наброски пейзажей и портреты знакомых, сделанные фломастерами и акварелью. Ирина — дважды лауреат российской ежегодной профессиональной премии в области современного искусства «Соратник», лауреат государственной премии в области современного искусства «Инновация».
«Цех» — медиа о непрерывном образовании взрослых людей. Мы целиком захвачены идеей постоянного развития личности — профессионального, интеллектуального, эмоционального и даже духовного. Мы исследуем, как, чему и где лучше всего учиться и, главное, зачем. Если вам понравился этот материал, подпишитесь, пожалуйста, на нашу почтовую рассылку.
Дата: Суббота, 23.11.2019, 22:53 | Сообщение # 141
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Веселые жизнерадостные картины Мариуса Доккума
Работы Голландского художника Мариуса Ван Доккума вызывают особый интерес у зрителя старшего возраста .Мариус художник разноплановый, рисует портреты, пейзажи ,натюрморты Много работает над иллюстрациями детских книг
Но особую известность ему принесли картины где он изображает жизнь пожилых людей
Мариус рисует добрых веселых неугомонных Голландских старичков, они выглядят немного мультяшными и обаятельными
Очень смешные наивные интересные сюжеты .Он не пытается приукрасить жизнь пожилых людей, хочет сказать ,и в таком возрасте можно жить азартно и весело.
Гонят хандру повсюду То шуткой,то пинком Я, и состарясь, буду Веселым стариком Не стану по приказу Тощать среди диет А буду лопать сразу По множеству котлет. Всегда по строгой мере Пить соки. А тайком, Смеясь , вздымать фужеры С армянским коньяком. Эдуард Асадов.
И в пожилом возрасте можно чувствовать себя молодым и счастливым
Дата: Понедельник, 25.11.2019, 23:16 | Сообщение # 142
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Финская художница Инге Лёёк (Inge Löök): теперь я знаю, как встречу старость.
Inge Löök - иллюстратор и садовод, родилась в Хельсинки в 1951.
Окончила среднюю школу в 1972 (21 год).
Получила образование ландшафтного дизайнера в 1974, закончил (23 года), а Университет искусств и образовательный центр для графического дизайнера в 1979 (28 лет).
6 лет в поисках себя проработала садовником, пока подруга не попросила её нарисовать несколько карикатур для газеты.
Затем были журнальные иллюстрации, открытки, календари и, в конечном счете, Инге Лоок в 1979 году решила работать как независимый художник.
Нарисовала более 300 открыток, из которых около половины на тему Рождества.
Иллюстрирует книги и журналы, особенно на садоводческие темы.
Домашние танцы
Распитие красного вина на ветках
Наибольшую известность ей принесла серия "anarkistisista mummot korteistaan" - весёлых, не желающих стареть старушек.
Первый рисунок бабушки появился в 2003 году (51 год), сейчас их около 20, открытки и календари с ними разлетаются как горячие пирожки по всему миру.
Сказки на ночь.
Танцуют на бордюре
Сама Инге пишет: «Я бы хотела, чтобы люди иногда останавливались, а не носились сломя голову от одного проекта к другому. Чтобы они умели быть довольны тем, что у них есть. Мне кажется, одна из святых правд жизни — это жизнь именно в настоящий момент. Я сама все время борюсь за то, чтобы запоминалась ценность именно текущей секунды».
Открытки нашла на Flickr.com, и хотя подбешиваюсь просто их фиолетовой обводкой, но деваться некуда – здесь выложены все её работы.
Как увидеть шедевры живописи, не выходя из дома, бесплатно и без многочасовых очередей? Рассказываем, в какие музеи можно попасть с помощью современных технологий.
Многие известные галереи оцифровывают коллекции и выкладывают на своих сайтах фотографии экспонатов и видеотуры по залам. Некоторые дополнительно используют ресурс Google Art Project, созданный для виртуальных экскурсий. На старте в феврале 2011 года к программе присоединились 17 галерей. Сейчас на платформе, переименованной в Google Art & Culture, представлены виртуальные экспонаты 1200 музеев из разных стран. Изображения представлены в высоком разрешении, поэтому пользователи могут рассматривать произведения искусства в деталях. Кроме того, возможности сайта позволяют посещать выставки, погружаться в многомерную реальность с помощью очков Google Cardboard и собирать собственные коллекции. А еще можно сделать арт-селфи — определить свое сходство с персонажами знаменитых полотен.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Коллекция самой знаменитой галереи Нью-Йорка охватывает 5 тыс. лет истории искусства — от первобытных артефактов до эпохи возрождения и современной живописи. Сейчас в музее выставлено 2 млн произведений искусства, включая коллекции импрессионистов и постмодернистов. В Метрополитен-музее проходит ежегодный бал Met Gala — главное модное событие года, которое проводит Институт костюма. А еще здесь представлены работы наиболее влиятельных фотографов XX века — основоположника жанра пикториализма Альфреда Стиглица, документалиста Уокера Эванса и известной своими маргинальными снимками Дианы Арбус.
Первая онлайн-экспозиция в Met появилась в 2001 году — музей открыл доступ к шести залам в Американском крыле, посвященном истории и искусству США. Попасть на виртуальную экскурсию в «Метрополитен» можно также с помощью арт-проекта Google (https://artsandculture.google.com/partner/the-metropolitan-museum-of-art) — на сайте есть работы, не вошедшие в онлайн-коллекцию музея.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Музей, основанный в 1764 году по приказу императрицы Екатериной Великой, сначала размещался в дворцовом флигеле, но сто лет спустя занял шесть зданий, центральное из которых — Зимний дворец. В Эрмитаже представлено
более миллиона произведений изобразительного и прикладного искусства, а также огромное количество археологических находок, памятников нумизматики и образцов оружия. По мнению специалистов, если задержаться у каждого экспоната Государственного Эрмитажа на минуту, экскурсия займет восемь лет. Современные виртуальные туры дают шанс постигать коллекции музея постепенно. Сайт (https://artsandculture.google.com/partner/the-state-hermitage-museum) позволяет видеть дворцовые залы в режиме 360-градусной панорамы, приближать и детально рассматривать экспонаты, а также знакомиться с историей здания и произведений искусства.
Сикстинская капелла, Ватикан
Музеи Ватикана основал папа Юлий II в 1506 году. В дальнейшем римские понтифики продолжили коллекционировать произведения искусства. Сейчас на территории Ватикана находятся картинные галереи, собрание современного религиозного искусства, музей скульптур, исторический музей, а также Сикстинская капелла с росписями Микеланджело. В 2017 году администрация музеев Ватикана начала выкладывать на канале в YouTube (https://www.youtube.com/channel/UC3XTe6E1YqBx0iPxLvabt1g) короткие виртуальные туры по некоторым залам и разместила на сайте (http://www.museivaticani.va/content/museivaticani/it.html) проекта более 3 тыс. изображений в высоком разрешении.
Британский музей, Лондон
Главная историко-археологическая сокровищница Великобритании основана на частном собрании редкостей. В 1753 году британская корона получила коллекцию антикварных ценностей доктора медицины, ученого-натуралиста сэра Ганса Слоана. Главным условием завещания было требование открыть экспонаты для публики, поэтому в январе 1759 года в районе Блумсбери начал работу Британский музей. В 2015 году здесь появились виртуальные экскурсии — сегодня в онлайн-коллекции представлено более 4 млн экспонатов. Администрация предупреждает, что виртуальное собрание (https://research.britishmuseum.org/research/collection_online/search.aspx) не пополняется с июля 2017 года, поскольку идет обновление и усовершенствование базы данных, поэтому удобнее пользоваться страницей музея в Google. (https://artsandculture.google.com/partner/the-british-museum) Посетить Британский музей онлайн можно бесплатно — как и в реальности, для экскурсантов предусмотрена возможность добровольных пожертвований.
Театр-музей Дали, Фигерас
Одна из самых странных художественных галерей в мире. По желанию сюрреалиста, коллекция его работ была размещена в здании старого городского театра, где в 1918 году он впервые выставил картины. Художник задумал музей как огромный лабиринт, который должен сбивать зрителей с толку и погружать в театральный сон. В начале экскурсии посетители поднимаются на последний этаж, а затем спускаются по спирали, переходя из комнаты в комнату по сложной схеме. В онлайн-туре (https://www.salvador-dali.org/ca/museus/teatre-museu-dali-de-figueres/visita-virtual/) представлены знаменитые «Дождливое такси» и «Лицо Мэй Уэст, использованное в качестве сюрреалистической комнаты». Согласно завещанию художника, он был похоронен в здании музея — простая гладкая плита из белого мрамора без надгробных надписей вмонтирована в пол зала со стеклянным куполом.
Лувр, Париж
Самый посещаемый музей мира — одна из немногих знаменитых галерей, которые отказалась от сотрудничества с проектом Google, поэтому пройти виртуальный тур можно только на сайте (https://www.louvre.fr/en/visites-en-ligne) музея. В бывшей королевской резиденции хранится более 350 тыс. произведений искусства, которые теперь доступны онлайн — от артефактов времен Древнего Египта и античной эпохи до работ современных французских живописцев. Здесь можно увидеть первую версию картины Леонардо да Винчи «Мадонна в скалах», единственное в музее полотно Питера Брейгеля Старшего «Калеки», а также без очереди и толпы рассмотреть «Мону Лизу» или Венеру Милосскую. На сайте удобная система поиска — по названию произведения или зала, имени автора или стилю. А еще есть возможность прочитать историю каждого экспоната и посмотреть 360-градусную панораму музея.
Галерея Уффици, Флоренция
Художественная галерея Уффици открылась в 1581 году. Одна из старейших пинакотек в Европе была создана по приказу Великого герцога Тосканы Козимо I Медичи. Отдельная достопримечательность — здание музея, которое возведено в форме подковы из параллельных друг другу построек. Проект архитектора Джорджо Вазари отличался от классической итальянской концепции палаццо, поскольку акцент был сделан на дворовые, а не на уличные фасады. В галерее собраны коллекции произведений искусства, принадлежавшие династии Медичи, включая полотно «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли и скульптуру Венеры Медицейской. Экспонаты в Уффици по-прежнему размещены согласно плану, предложенному сыном герцога Козимо — Франческо I. Благодаря Google Art & Culture (https://artsandculture.google.com/partner/uffizi-gallery) в Уффици можно попасть, не выходя из дома и избежав долгой (5-6 часов) очереди.
Лувр, Эрмитаж и еще 10 музеев, по которым можно погулять, не выходя из карантина
Музеи по всему миру закрываются на карантин, но, к счастью, интернет делает их коллекции доступными — чтобы погулять по залам этих музеев, не нужно даже нарушать режим самоизоляции.
Один из самых из самых посещаемых музеев в Нью-Йорке предлагает «испытать магию пустого музея в нерабочее время» и даже посмотреть на него с высоты птичьего полета. Особенно приятно, что именно там хранится целых 40 полотен Яна Вермеера. https://u.to/KkX8Fw
Третьяковская галерея (Москва)
Полюбоваться на пышущих здоровьем трех богатырей, поразмышлять над тщетой бытия вместе с врубелевским «Демоном сидящим» да и просто пройтись залам с любимым полотнами из коллекции Третьякова теперь можно в любое время дня и ночи.
Первый и самых известный в мире музей современного искусства, конечно, непременно стоит посетить хотя бы однажды, но пока можно начать знакомство с онлайн-экскурсии — к тому же смотреть на «Кувшинки» Клода Моне можно бесконечно.
Не отвыкнуть от роскоши помогут интерьеры Зимнего дворца и плотная развеска, какую можно встретить далеко не в каждом музее. Чего стоит только зал Рубенса, отдохнуть от которого можно здесь же — в зале Рембрандта.
Помимо знаковых работ Брейгеля и Гойи здесь стоит посмотреть древнеегипетское отделение, основой которого стало личное собрание египтолога Эдуарда Малера.
Когда бы вы еще нашли время посетить музей в Кракове, если не сейчас? Кстати, именно там с 2017 года хранится знаменитая «Дама с горностаем» Леонардо да Винчи.
«Музей превосходного», как его отнюдь не в шутку прозвали за впечатляющую коллекцию (здесь хранятся «Весна» Боттичелли и «Благовещение» да Винчи), которая продолжает активно пополняться, — так что повторный просмотр обязательно откроет нечто новое.
На сайте Британского музея есть несколько виртуальных галерей с работами старых мастеров и современных художников, а на официальном канале музея в ютьюбе
можно посмотреть виртуальные экскурсии и не менее любопытные видео. https://u.to/M0X8Fw
Музей Соломона Гуггенхайма (Нью-Йорк)
Помедитировать на полотна Ротко, Джонса или Кандинского из коллекции Соломона Гуггенхайма можно на официальном сайте — не тур, но тоже очень приятно.
Музей Ван Гога (Амстердам)
Винсент Ван Гог, как никто другой, знал, каково это — развивать чувство прекрасного в тяжелых условиях. Почему бы и нам еще раз не полюбоваться «Едоками картофеля» или «Пшеничным полем с воронами». Винсент Ван Гог, как никто другой, знал, каково это — развивать чувство прекрасного в тяжелых условиях. Почему бы и нам еще раз не полюбоваться «Едоками картофеля» или «Пшеничным полем с воронами».
Пожалуй, ни один человек не сможет с уверенностью сказать, что в Лувре он видел все, — на практике возвращаться в него снова и снова весьма затруднительно, а в режиме онлайн проще простого.
Виртуальные прогулки по музеям, закрытым на карантин: 6 онлайн-экскурсий https://u.to/x7QgGA
15 музеев мира онлайн: в какой музей сходить, не выходя из дома
• 1 Национальная галерея искусств, Вашингтон: Десять цифровых образовательных ресурсов • 2 Смитсоновский институт, Вашингтон: онлайн обучение, занятия и выставки • 3 Национальный музей в Кракове: виртуальная прогулка по музею, оцифрованные коллекции • 4 Дом-музей Сальвадора Дали в Порт-Льигате, Испания • 5 Британский музей, Лондон • 6 Версаль, Франция • 7 Лувр, Париж • 8 Галерея Уффици, Италия • 9 Виртуальный тур в Третьяковскую галерею, Москва • 10 Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург • 11 Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, Москва • 12 Государственный геологический музей им. Вернадского, Москва • 13 Государственный Дарвиновский музей, Москва • 14 Русский музей, Санкт-Петербург • 15 Музеи Кремля, Москва
Дата: Суббота, 25.01.2020, 10:30 | Сообщение # 144
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Косничев Александр Евгеньевич
Родился в 1970г. в Москве в семье художников.
1983 - 1988гг. – учился в Московской средней художественной школе (МСХШ) им. Н.В.Томского при МГАХИ им. В.И. Сурикова.
1992 – 1998гг. – учился в МГАХИ им. В.И. Сурикова, факультет живописи, мастерская проф. В.Н.Забелина
С 1998 г. – член Московского союза художников
2000 – 2004 гг. – стажировка в Творческих мастерских Российской Академии художеств под руководством академиков А.П.Ткачева и С.П.Ткачева.
2002 г. - За достижения в области изобразительного искусства награжден дипломом Российской Академии художеств
2002 г. – За успехи в творчестве и содействие развитию изобразительного искусства России награжден дипломом Союза художников России
2005г. – По итогам Международной художественной выставки, посвящённой 60-летию Победы в Великой Отечественной войне 1941-1945 награжден медалью Российской Академии художеств
2005г. – За успешное участие во 2-й Всероссийской художественной выставке «Возрождение» посвященной 300-летию со дня рождения святителя Иоасафа епископа Белгородского награжден дипломом Союза художников России.
2005г. – награжден серебряной медалью Российской Академии художеств
2006г. январь-февраль - Стажировка в "Cite International des Arts", Париж, Франция
2006г. июнь – Международный Художественный пленер, Греция, Афины
2007г. – По итогам Всероссийской выставки «Молодые художники России» награжден золотой медалью Союза художников России, а также получил Гран-при (поездка во Францию, Париж)
Дата: Четверг, 20.02.2020, 23:30 | Сообщение # 145
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Норман Роквелл художник, которого любят все!
Норман Роквелл американский художник, который лучше всех изобразил Американские мечты. Как художник добился успеха? Как смог помочь американским солдатам во Второй Мировой Войне? Какая трагедия произошла в его семье? Почему Джордж Лукас и Стивен Спилберг любят картины Роквелла?
Этот художник оставил после себя огромное количество работ, около четырёх тысяч рисунков и картин. На этих картинах сюжеты из повседневной жизни обычных людей.
Норман Роквелл относился к реалистичному направлению, изображения, которые он создавал, очень точны, скрупулезно прописаны, фотографичны. Каждая деталь на изображении несёт определённый смысл; когда смотришь на героев, то понимаешь, насколько художник относится с симпатией и любовью к своему персонажу.
Норман родился 3 февраля 1894 году в Нью-Йорке. Его отец был менеджером в текстильной компании, мать обычной домохозяйкой. Норман был вторым ребёнком в семье, у него был старший брат Джарвис. Будучи ребёнком Норман много рисовал, любил придумывать сюжеты для своих картинок. К 14 годам мальчик бросил школу и поступил в Нью-Йоркскую школу искусств. В свои 15 лет юноша был достаточно известен и рисовал рождественские открытки на заказ. К 17 годам, поступив в Академию дизайна и искусств, начал свой длинный творческий путь. Учился Роквелл успешно и быстро, освоил все технические приёмы в иллюстрации. Не окончив Академии, сотрудничал с молодёжными журналами, рисовал иллюстрации на заказ. В 19 лет Норман — главный редактор и художник популярного журнала бойскаутов «Boy's Life», а в 1916 году он открывает собственную студию в Ла Рошелль, в пригороде Нью-Йорка.
В 22 года он создал первую журнальную обложку для издания "The Saturday Evening Post."
Для этого журнала художник нарисовал около 320 обложек, его сотрудничество с редакцией длилось пять лет. Читатели "Saturday Evening Post" восхищались талантом Рокуэлла. Он сумел обыграть самые обыденные моменты жизни в романтические заветы американской жизни, несмотря на то, что в страна переживала непростой период Великой Депрессии.
Роквелл рисовал свои картины по-режиссёрски. Он сначала придумывал сюжет в голове, когда тема ясно виделась — начинал искать моделей. В основном ему позировали родственники и знакомые, художник тщательно подбирал одежду и обстановку. С 1930-х годов Норман нанимает фотографа, который делает снимки с натурщиков и постановки. Для одного полотна использовалось порой до ста снимков.
В сокровищницу мирового искусства музей «Эрмитаж» можно прийти на экскурсию даже тогда, когда она закрыта для посещений. Спасибо новым технологиям.
Появляется масса свободного времени не только у школьников и студентов, которых освободили от занятий на время карантина, но и у взрослых людей, потому как основная масса производств, мест общественного назначения и различных торговых точек прекратила на некоторое время свою работу. Детям и подросткам не стоит забывать об обучении, которое сейчас проводится дистанционно во многих образовательных учреждениях. О том, что нужно соблюдать режим дня, забывать не стоит не кому — это позволит безболезненно войти в рабочих процесс по окончанию карантина, а также оставаться продуктивным и эффективным.
«Прогулка» по Эрмитажу позволит не только разнообразить досуг, сидя дома, но и получить дополнительные знания в сфере изобразительного и декоративно-прикладного искусства.
Чтобы попасть на сайт музея, достаточно просто перейти по ссылке:
Кстати, после временного закрытия с 18 марта на сайте осуществляются видеотрансляции на различные тематики, с их расписанием можно ознакомится тут же.
Отправиться в виртуальный тур можно несколькими способами. Либо нажав кнопку «начать тур» — в этом случае система отправит зрителя в самое начало музея — главный вестибюль.
Либо можно выбрать какой-то конкретный маршрут из предложенных. Таких здесь немало - например «Бриллиантовая кладовая» или «Зимний дворец Петра I». Подробнее — на сайте музея. Еще можно посещать этажи и экспозиции в случайном порядке, кликая курсором мышки по ним. К слову, во время очного посещения такой фокус, конечно же, не пройдет.
В виртуальной выставке продумана простая и интуитивно понятная система навигации. Интересно, что угол обзора составляет 360 градусов, то есть создается ощущение полного присутствия. Каждый значимый объект музея подсвечивается кнопкой i, после нажатия на которую появляется диалоговое окно с подробной информацией о том или ином экспонате, либо о локации в целом.
Используя кнопки «+» или «-» можно приближать или отдалять тот или иной объект.
Переход между локациями виртуального музея осуществляется путем нажатия кнопки «цель». Зажимая любую кнопку мыши и передвигая устройство, можно виртуально передвигаться влево и право, вниз и вверх, детально осмотрев при этом ту или иную локацию.
Здесь все настолько тщательно продумано, что создается эффект полного присутствия, только без длинной очереди на входе и множества туристов возле любимых шедевров. Как именно посещать виртуальный музей, каждый выбирает сам. Но кажется, что каждый раз там можно найти что-то новое.
Музеи закрыты, все мы сидим по домам на карантине. Но человек так устроен, что всё равно тянется к прекрасному. Как говорил герой любимого фильма детства «Приключения Электроника»: — Мы хотим видеть картины!
Ну что же, картины временно недоступны. Но человеческая фантазия не знает границ. Люди нашли выход из положения! Музей Дж. Пола Гетти в Лос-Анджелесе, США устроил необычный флешмоб. Его сотрудники призвали людей воссоздавать любимые картины дома с помощью подручных средств и публиковать результаты в социальных сетях. И — получилось!
Поклонники музея отреагировали с большим энтузиазмом. Подписчики сумели воспроизвести в домашних условиях сюжеты любимых полотен, и результаты просто потрясают! Выбрала лучшее, на мой взгляд, и выкладываю здесь. Как вам?
Все фотографии взяты из социальных сетей. Участники выкладывают их с хештегом #gettymuseum
Древние государственные регалии, парадная царская одежда и коронационное платье, облачения иерархов русской православной церкви, крупнейшее собрание золотых и серебряных изделий работы русских мастеров, западноевропейское художественное серебро, памятники оружейного мастерства, собрание экипажей, предметы парадного конского убранства – всё это хранит музей-сокровищница, двери которой открыты любому желающему благодаря виртуальному туру, размещенному на сайте Музеев Московского Кремля.
Оружейная палата – часть комплекса Большого Кремлевского дворца. Палата размещается в здании, возведенном в 1851 году по проекту архитектора Константина Тона.
В основу музейного собрания легли столетиями хранившиеся в царской казне и Патриаршей ризнице драгоценные предметы, выполненные в
кремлевских мастерских, а также принесенные в дар посольствами иностранных государств.
На протяжении XIX–XX веков собрание пополнялось коллекциями П.Ф. Карабанова (1851), М.П. Погодина (1852), археологическими находками. В 1914 году, с началом Первой мировой войны, в Оружейную палату были перевезены коронные драгоценности Российской империи. После Октябрьской революции 1917 года в музей передавались предметы из частных коллекций, монастырей и храмов, из Патриаршей ризницы и соборов Московского Кремля. В 1960 году Оружейная палата вошла в состав Музеев Московского Кремля.
Таким образом, посетителям музея представлено порядка четырех тысяч памятников декоративно-прикладного искусства России, стран Европы и Востока IV – начала XX века.
Среди наиболее ярких экспонатов: шапка Мономаха, троны первых царей династии Романовых (в т. ч. единственный в мире двойной трон), парадные кареты императрицы Екатерины II, ювелирные изделия Фаберже и др.
В зале «Русские золотые и серебряные изделия XII – начала XVII века» демонстрируется древнейшая часть собрания Оружейной палаты. На протяжении многих столетий эти реликвии составляли ядро великокняжеской и царской казны, хранились в Патриаршей ризнице и кремлевских храмах.
Основу экспозиции второго зале – «Русские золотые и серебряные изделия XVII – начала XX века» – составляют изделия Золотой и Серебряной палат Кремля, которые к концу XVII века достигли своего расцвета.
Западноевропейское и восточное вооружение, которое специально закупалось за границей или привозилось русским самодержцам послами и торговыми представителями разных стран, находится в третьем зале – зале «Европейское и восточное парадное вооружение XV–XIX веков».
В Оружейной палате Московского Кремля сформировалась уникальная коллекция русского защитного, холодного и огнестрельного вооружения, посмотреть на ряд экспонатов которой можно в зале «Русское вооружение XII – начала XIX века».
Коллекция предметов из серебра, изготовленных иностранными мастерами в XIII–XIX столетиях, хранящаяся в Оружейной палате, дает возможность познакомиться с национальными особенностями декоративно-прикладного искусства многих стран мира и относится к крупнейшим в мире собраниям западноевропейского серебра. Ознакомиться с ней можно в зале «Западноевропейское серебро XIII–XIX веков».
В следующем зале выставлена коллекция церковных облачений русских митрополитов и патриархов, парадной светской одежды и коронационного костюма.
Венцы, бармы, скипетры, державы и другие знаки верховной власти, использовавшиеся в официальных придворных церемониях, демонстрируются в зале «Древние государственные регалии и предметы парадного церемониала XIII–XVIII веков».
Коллекция предметов парадного конского убранства, хранящаяся в Оружейной палате, сформировалась в XVI–XVII столетиях, составив так называемую Конюшенную казну. Эта коллекция по своей величине и художественной ценности не имеет аналогов в других музеях мира. Основа коллекции – предметы, выполненные в мастерских Конюшенного приказа Московского Кремля. Ряд из них демонстрируется в зале «Предметы парадного конского убранства XVI–XVIII веков».
В последнем зале выставлена коллекция экипажей. В ее состав вошли работы мастеров крупнейших художественных центров России и Западной Европы: Москвы, Петербурга, Вены, Берлина, Парижа и Лондона. Эта коллекция – одна из наиболее значительных в мире по высочайшему уровню исполнения памятников, разнообразию форм и широте хронологических рамок.
На основании материалов сайта Музеев Московского Кремля и «Большой российской энциклопедии».
Дата: Четверг, 16.04.2020, 23:29 | Сообщение # 149
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Почему люди плакали и молились у картин Джеймса Тиссо - единственного художника, который показал что видел Иисус с креста
Джеймс Тиссо - французский и английский художник, один из самых успешных и богатых мастеров живописи, переживший трагическую историю любви и познавший Бога в душе и на своих полотнах. Это единственный художник, показавший на своей картине взгляд Иисуса с креста.
О художнике
Жак-Жозеф Тиссо (позже он изменил свое имя на Джеймс Тиссо) - известный французский и английский живописец, популярный в Европе, но подвергаемый беспощадной критике в России. Он родился в 1836 году в городе Нант (морской порт на французском побережье). Его отец, Марсель Теодор Тиссо, был успешным торговцем драпировками. Его мать, Мария Дюран, помогала мужу в семейном бизнесе и создавала шляпы. Набожная католичка, мать Тиссо прививала религиозное учение будущему художнику с самого раннего возраста. Неудивительно, что молодого Тиссо отправили в школу-интернат, управляемую иезуитами. Место проживания оказало значимую роль на его будущее творчество: на протяжении всей своей жизни Тиссо сохранял интерес к морской тематике, особенно важную роль сыграла способность писать точные и детализированные картины корабельных сцен.
В свои 17 лет Тиссо уже точно знал, что хочет построить карьеру художника. Тиссо-старший, кажется, не испытывал энтузиазма по поводу перспективы иметь сына-художника. Отец все же хотел, чтобы он продолжил семейное дело. Но молодой Тиссо получил поддержку своей матери, и впоследствии художественные таланты сына стали неизбежны.
В 1856 году Тиссо отправился в Париж, чтобы пройти обучение в Школе изящных искусств. Там молодой художник нарабатывает опыт, копируя работы в Лувре. И там же встречает Джеймса Уистлера, одного из самых знаменитых и необычных деятелей искусства XIX века. Уистлер — светский лев, начавший свое образование в Академии Художеств в Санкт-Петербурге, оказывает на Тиссо такое сильное влияние, что тот начинает называть себя Джеймсом. Примерно в это же время Тиссо стал другом Эдгару Дега и Мане, художникам-импрессионистам.
Один из самых успешных художников
В 1859 году работы Тиссо были впервые выставлены в парижском салоне. Знаковой в этом периоде стала его картина «Встречи Фауста и Маргариты», за которую в 1860 году французское правительство заплатило 5000 франков. Коммерческая жилка отца оказала свое позитивное влияние
на Тиссо: он полностью унаследовал проницательные коммерческие инстинкты и был успешным художником-предпринимателем. У него было необычайно острое понимание рынка. Он всегда осознавал, что будет модно и что будет продаваться. Тиссо постоянно получал заказы, его клиентура активно росла.
В 1872 году он заработал 94 515 франков, доход, который обычно получали представители высших эшелонов власти. А к 1875 году он зарабатывал почти 5000 фунтов стерлингов в год - столько же, сколько министр иностранных дел. Тиссо был настолько успешен, что позволил себе купить роскошный дом в модном районе Лондона, в Сент-Джонс-Вуд. В 1874 году Эдмонд де Гонкур с сарказмом писал, что у Тиссо есть студия с залом ожидания, где во все времена в распоряжении посетителей находится ледяное шампанское.
Кроме того, художник стал путешественником. Тиссо посетил Италию и Лондон, где впервые продемонстрировал свои полотна в Королевской академии. Тиссо рано осознал потенциал Лондона как источника богатых покровителей для творческих людей.
Религиозные работы
Эта трагическая ситуация привела к тому, что художник резко сменил направление своего творчества. Если раньше предметом его живописи были самые богатые жители Лондона и Парижа, самые модные места и красивые женщины в роскошных одеждах, то отныне ракурс полотен Тиссо приобрел ярко выраженный религиозный характер. Тиссо начал глубоко изучать сюжеты Библии и истории Иисуса Христа, он даже посетил Ближний Восток, чтобы увидеть места действий сюжетов воочию. Он совершил несколько поездок на Святую Землю и произвел около 400 акварельных работ по сюжетам Нового Завета.
С кистью в руках он старается «прочитать» всю Библию. Книга, некогда бывшая путеводителем в его детстве, отныне становится для него не просто настольной, но и окном, через которое он переживает личную трагедию и стремится увидеть Творца. Он прославился благодаря серии «Жизнь Христа и Ветхий Завет» - признанному шедевру иллюстрации. Рисунки из этой серии стали каноническими и были использованы при создании современных кинофильмов, таких как «Индиана Джонс: в поисках утраченного Ковчега» Стивена Спилберга (1981) и «Эпоха невинности» Мартина Скорсезе (1993). Акварели размером всего 20×25 см произвели фурор на выставках в Париже, Лондоне, а затем и Нью-Йорке. Зрители плакали, вставали на колени, молились у его картин - они задевали за живое, словно сами были живыми.
Одна из наиболее примечательных работ - «Что видел наш господь с креста» стала знаковой в его творчестве, поскольку Тиссо - единственный художник, показавший на своем полотне увиденном Иисусом с креста.
На этой картине Тиссо изображает взгляд с креста. Мастерски выбран ракурс полотна: любой смотрящий на картину чувствует себя Сыном человеческим. Перед его взором и мученики, и стража, и народ. Верующие и сомневающиеся. Радостные, равнодушные и страдающие от увиденного. Христос видит всех. Если обратить внимание, в нижней части картины Тиссо даже изобразил свисающие с креста ноги. Под его ногами - Мария Магдалина, скрестившая руки в молитвенный жест. За ней стоит Мария, мать Иисуса.
Они с болью смотрят на страдания того, кого любят больше жизни. Рядом Иоанн Креститель и несколько других женщин. По правую сторону - группа священнослужителей и фарисеев, с надменными лицами восседающих на ослах. Иисус же произносит великие слова: «Отче, прости их, ибо они не ведают, что творят» .
Собор Святых первоверховных апостолов Петра и Павла – сердце ансамбля Петропавловской крепости. В виртуальное путешествие по одному из главных символов Северной столицы приглашает Государственный музей истории Петербурга.
Возведение собора по проекту и под руководством архитектора Доменико Трезини длилось в течение 20 лет – с 1712-го по 1732 год. Петр I и Екатерина I преподнесли в дар собору резной золоченый иконостас и надпрестольную сень, которые стали его главным украшением. Иконостас был создан в Москве по рисункам Доменико Трезини группой мастеров-резчиков под руководством Ивана Петровича Зарудного. Программу иконостаса составили Петр I и архиепископ Новгородский Феофан Прокопович.
Композиция иконостаса включает пять больших киотов. В них размещены 43 иконы, написанные в 1726–1729 годах иконописцами Алексеем Поспеловым и Филиппом Протопоповым. Эскизы икон выполнены организатором и директором Петербургской типографии и Рисовальной школы Михаилом Аврамовым. К сожалению, запрестольный витраж «Воскресение Христово», выполненный по эскизу художника Николая Александровича Бруни, был уничтожен во время блокады Ленинграда.
Перед алтарем установлена кафедра для произнесения проповедей. В православных церквях практика чтения проповедей прежде не существовала. Впервые она была введена в царствование Петра I. Император во время богослужения стоял на специальном помосте – царском месте.
На протяжении двух веков у собора было еще одно «предназначение» – он был памятником славы русского оружия. Здесь хранились трофейные знамена, ключи от захваченных русскими войсками городов и крепостей. В начале XX века они были переданы в Эрмитаж. Теперь в соборе представлены копии шведских и турецких знамен.
Собор соединен галереей с Великокняжеской усыпальницей, построенной для погребения великих князей – членов императорского дома Романовых. В 1908–1915 годах в усыпальнице состоялось пять погребений и восемь захоронений были перенесены из Петропавловского собора. В 1992 году здесь был погребен правнук Александра II – великий князь Владимир Кириллович, в 1995 году из Кобурга сюда перенесли прах его родителей.
В 1919 году Петропавловский собор был закрыт, музеефицирован в 1922 году, впоследствии (1954) передан Государственному музею истории Ленинграда (Санкт-Петербурга). В 1920-е годы здание находилось в ведении Музея революции, в 1930–1940-е – приспособлено под склад Центральной книжной палаты, в 1954-м передано Государственному музею истории Ленинград.
Собор дал современное название крепости: до 1914 года она называлась Санкт-Петербургская крепость, а в 1914–1917 годах носила название Петроградская крепость.
Петропавловская крепость, основанная 16 (27) мая 1703 года – это старейший памятник истории и архитектуры Санкт-Петербурга. Она возводилась по приказанию Петра I как крепость Санкт-Питер-Бурх (дата считается днём основания самого города Санкт-Петербург) на Заячьем острове на Неве, выбранном как удобное для обороны место: предполагалось, что она должна
была защищать завоёванный в ходе Северной войны 1700–1721 годов выход к Балтийскому морю в устье Невы. До 1705 года возведением первых деревоземляных укреплений руководили французский инженер Ж.Г. Ламбер и саксонский инженер В.А. Кирштенштейн, затем по существовавшему контуру были выстроены кирпичные крепостные стены. В плане крепость представляет собой удлинённый шестиугольник с укрепляющими его углы бастионами. Для дополнительной защиты в 1730-х годах на восточной и западной оконечностях острова были возведены каменные Иоанновский и Алексеевский равелины, отделённые от крепости рвами с водой. За проливом со стороны Городского (Петербургского; ныне – Петроградского) острова подступы к цитадели преграждал кронверк (земляные валы и рвы). Бастионы крепости – Нарышкинский (Екатерининский), Трубецкой, Зотовский, Головкинский (Аннинский) и Меншиковский – получили названия от фамилий лиц, ответственных за их строительство. Пётр I следил за возведением Государева (Петровского) бастиона. Петровские ворота – единственный сохранившийся образец триумфального сооружения петровского барокко. В 1780–1787 годах Невский фасад был украшен строгим классицистическим портиком новых Невских ворот созданной здесь гранитной пристани, с 1860 годах ставшей именоваться Комендантской. Петропавловская крепость занимает ключевое место в панораме центра города. В составе исторической застройки центра Санкт-Петербурга включена в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Государственный музей истории Санкт-Петербурга – один из крупнейших в России исторических музеев. В фондах музея хранится более 1,3 миллиона экспонатов, отражающих историю города на Неве с момента его основания до наших дней.
Центром музея является Петропавловская крепость – уникальный памятник истории, архитектуры и фортификационного искусства ХVIII–ХХ веков. Доминанта архитектурного ансамбля – Петропавловский собор. Это один из символов Санкт-Петербурга, усыпальница Императорского Дома Романовых. В исторических зданиях Петропавловской крепости расположены экспозиции и временные выставки музея. Государственный музей истории Санкт-Петербурга объединяет несколько филиалов: Особняк Румянцева на Английской набережной, Музей–квартиру А.А. Блока, Музей С.М. Кирова, Монумент героическим защитникам Ленинграда на площади Победы, Музей печати, Музей петербургского авангарда (дом Матюшина) и Шлиссельбургскую крепость «Орешек».
На основании материалов сайта Государственного музея истории Петербурга и «Большой российской энциклопедии»
