Ну, да. Он, если очень насыщенный, то всегда агрессивный. Но при определённом настроении красный цвет может быть праздничным и оптимистичным.
--------------------------------------------- Когда смотришь на потрясающе яркие картины молодой вьетнамской художницы по имени Phan Thu Trang,кажется, что они объемные, и сделаны из наклеенных на холст листочков-стикеров. Но при детальном рассмотрении становится понятно, что это "холст, масло" - и мастихин. Мастихиновая живопись это, когда художник накладывает на холст краску не кисточкой, а при помощи небольшого ножа-лопаточки. На странице 2 выложены пять работ PHAN THU TRANG. А на этом видео можно посмотреть гораздо больше ярких, позитивных работ этой замечательной художницы.
Марсель Мило-Грейродилась в Девоне, графстве на юго - западе Англии. Искусству живописи училась на протяжении многих лет. Сейчас Marcelle работает полный рабочий день в своей студии в Девоне. " Я чаще всего работаю на панели из красного дерева, тщательно подготавливая их, чтобы была ровная и гладкая поверхность, использую яичную темперу для создания тона изображения, а затем перехожу к использованию масляных красок».
Наннет Мартин родилась в Ноттингеме, Великобритания. Художница-самоучка. Пишет в разных манерах. Её постоянным вдохновителем является природа той местности, в которой Наннет живёт. Её сказочно - примитивистские картины очаровывают зрителей, даря им хорошее настроение и оптимизм.
Художник-иллюстратор Лондонского Художественного Колледжа. Прекрасные акварели Джен известны всему миру. За последние 10 лет она позиционируется как член Общества Цветочных живописцев. Таким образом ее увлечение акварелью стало не только частью искусства, но и частью околоцветочного бизнеса. Ее картины гармонично вписываются в оформление различных цветочных выставок и дополняют литературные издания. Птицы, цветы и животные - темы ее работ.
Молодая художница из Гамбурга Инга Нильсен создает свои фантастические миры, похожие на грезы. Абсолютно нереальные пейзажи и сюжеты, но не покидает ощущение, что ты туда вот-вот шагнешь... если захочешь. За свои 28 лет Инга успела попробовать себя во многих направлениях творчества: она пишет рассказы, стихи, песни и романы. Часто в своих излюбленных жанрах - научной фантастики и фэнтези, подвластны ей и сатира, и готичные рассказы. Для души иногда Инга пишет песни, музицирует, немного занимается спортом. Но по ее словам главное место в ее жизни занимает наука. Инга получает образование с уклоном в астрофизику геофизику, увлекается биологией.
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. По большому счету практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, "двойное дно" или тайная история, которую хочется раскрыть.
Двуликая Даная
Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии - супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс - любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.
Желтая спальня Ван Гога
В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать "Спальню Ван Гога в Арле". Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах. Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку - средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.
Беззубое совершенство
Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза - совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. "Она так „улыбается“ именно из-за того, что произошло с нею, - считает эксперт. - Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы".
Майор на фейсконтроле
Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.
Почему Свобода обнажена
По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки - прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.
Неквадратный квадрат
На самом деле "Черный квадрат" вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет - это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.
Мелодрама Австрийской Моны Лизы
На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее. Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.
Картина, вернувшая Гогена к жизни
Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу). Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.
Художник Джон О’Брайен учился в престижной Художественной Лиге Student’s в Нью-Йорке, впоследствии в студии в Гринвич-Виллидж, в Сан-Франциско и в Париже. Его академическая манера письма типична для американского импрессионизма. Его работы находятся во многих частных собраниях США и Европы.
Интерьеры и улицы на его картинах - реальные или полностью выдуманные, соблазняют и вызывают желание оказаться там, в этих приветливых уголках Земли. Это и есть "современный романтичный реализм". На многих его картинах - маленькие уютные мансарды и мезонины, в которых хочется хоть немного пожить или провести отпуск.
Есть места, по которым мы тоскуем. Уголки, где царят покой и красота. Маленькие, уютные дворики из детства, любимые старые скамейки, на которых звучали первые признания в любви и поверялись самые сокровенные секреты, зеленые веранды, где любимая бабушка часто сиживала с вязанием…
Johan Messely приглашает нас в свои любимые уютные дворики, куда можно зайти и присесть на минутку в сени пейзажей, на которых отдыхает глаз и душа.
Дата: Понедельник, 14.07.2014, 15:44 | Сообщение # 26
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
David McEown о хрупкости окружающего мира
Безграничную любовь к природе этот канадский художник взрастил на благодатной почве, созданной несколькими поколениями женщин его семьи. Прабабушки и бабушки Дэвида в давние времена очень тщательно выбирали место, где построить собственную усадьбу. И остановились на берегах канадских озер, волшебных в своей красоте и окруженных остроконечными скалами высоких гор, как будто поднявшихся прямо из сказки. В том же духе было выдержано и художественное образование этого канадского акварелиста. Последний год David McEown изучал культуру коренных народов своей родины, погрузившись в историю пейзажной живописи.
Сегодня миссия этого канадского художника может стать предметом белой зависти любого другого представителя современного искусства. За свои бесчисленные акварели, воспевающие красоту и мощь окружающей природы, Дэвид получил грант. Его размеры позволяют ему путешествовать по миру, не ограничивая себя в расстояниях, и писать исчезающие с лица земли ландшафты. Четыре года подряд, начиная с 2005 и, соответственно, заканчивая 2009, на борту ледокола он избороздил льды Северного Ледовитого океана, досконально изучив и увековечив Антарктиду. Побывал художник и на Северном Полюсе, уникальные пейзажи нашлись и в этих широтах.
Акварели David McEown передают хрупкость окружающего мира, его изменчивость и нестабильность. Природа, создаваемая на его картинах, способна дарить любовь. Видимо поэтому они давно стали предметом гордости многих коллекционеров и частью экспозиций десятков национальных галерей мира.
Американский акварелист Jonathan Frank с детства немало насмотрелся на американский Гранд-Каньон. Похоже, красные камни этого величайшего чуда природы, а точнее темные окантовки бордовых скал, натолкнул его на одну продуктивную мысль. Батик, на самом деле, существует и в живой природе. Более того, нет лучшего средства, чтобы выделить яркие детали. Таковых было немало в национальном заповеднике «Колорадо», с которым будущий художник обитал по соседству. Переезд в Денвер, на первый взгляд, должен был задавать все воспоминания детства своими размытыми очертаниями, но с творческими личностями так не бывает. Как раз, с точностью наоборот. Все полюбившиеся в детстве пейзажи четко зафиксировались в памяти.
А тяга к этим красотам вылилась позже в бурный творческий поток. И Jonathan Frank создал немалое количество волшебных акварельных рисунков, которым удалось неоднократно побеждать различные акварельные конкурсы. Первый гранд, полученный художником в 2000 году, позволил навсегда посвятить себя только любимой профессии, много путешествовать по родной стране и отражать ее красоты с помощью акварели.
В итоге, он вернулся в родные пенаты – ну почти. Сейчас он проживает в городке Moab, что в штате Юта. В нем всего 5000 населения, но разве в этом дело? Главное рядом — горячо любимые каньоны и Национальный парк «Арки». Это место вечного вдохновения и не прекращающегося пленера. Если места отдаленные, или труднодоступные, то художник не брезгует фотосъемкой, а рисует потом уже в студии. Иначе никак – из фотографии никогда не сделаешь акварельный батик.
Художник в квадрате: жизнь Казимира Малевича в картинах с выставки
О том, как сложилась жизнь художника и целой страны можно увидеть в картинах, — в материале, посвященном выставке Казимира Малевича в Лондоне.
В последние полгода нетрудно отметить небывалый интерес к русскому авангарду за рубежом. В качестве примеров, и мультимедийная выставка Питера Гринуэя, посвященная Маяковскому, Эйзенштейну, Кандинскому и другим деятелям «золотого века» авангарда, и июньские торги аукционных домов Christie’s и Sotheby’s в Лондоне, на которых за рекордные суммы были проданы картины Ларионова, Лентулова, Варвары Степановой. Эскиз «Голова крестьянина» Казимира Малевича «ушел» за $3,5 млн. Этот художник — «редкий гость» и на торгах, и на выставочных площадках, а потому полноценная выставка его полотен, хранящихся в музеях Москвы, Петербурга, Амстердама и в частных коллекциях, сама по себе является событием. В лондонской галерее Tate Modern с 16 июля открылась экспозиция «Малевич», посетив которую можно довольно полно представить и творческий, и жизненный путь живописца, да еще и в контексте исторических событий в России начала XX века. АиФ.ru увидел сразу два «Черных квадрата» и делится своими впечатлениями.
Кажется, искусство за последнее столетие освоило возможные и невозможные формы, посетители музеев и галерей видели всё, а эпитет «современное» превратился в синоним сначала революционно смелого, потом непонятного, а после и вовсе бессмысленного. Первого в этой бессмысленности упрекали (да и продолжают упрекать) Малевича с его «Черным квадратом». Однако, в 12 залах, которые занимает в лондонской галерее Tate Modern выставка с незамысловатым названием «Малевич», написанным при входе его же супрематическими фигурами, всё возвращается на круги своя. Один из первопроходцев русского авангарда не только предвосхитил, но и придумал все, чем живет нынешнее искусство, а его работы выглядят современнее многих последующих. Тем более что на «Черном квадрате», а точнее квадратах, все не заканчивается — тут вам и круги, и кресты, и портреты, и театральные декорации, и футуристические макеты несуществующих зданий.
Поляк по происхождению, Казимир Малевич родился в Киеве в 1879 году и учиться рисовать начал еще подростком, рассматривая
и копируя репродукции. В 1904 году он впервые посетил Москву, где на тот момент купцы и коллекционеры Морозов и Щукин собрали самую обширную коллекцию современного искусства. Моне, Сезанн, Пикассо, Матисс (примечательно, что его персональная выставка расположилась в соседнем зале Tate Modern) — впечатленный Малевич, с упоением впитывает и перерабатывает импрессионистские мотивы, технику, темы. Так к 1910 году появляются первые полотна, среди которых и узнаваемые пейзажи с написанными крупными, объемными мазками полями и домиками. А попав в 1907 году на московскую выставку русских символистов «Голубая роза», пишет серию картин на библейские сюжеты — сюда относится, к примеру, «Плащаница» 1908 года.
Впрочем, в рамках каких-либо жанров Малевичу всегда было тесно, оттого столь стремительно и кардинально он менял в начале пути технику письма. Переходя из зала в зал, удивляешься, как резко и безапелляционно менял художник стиль и технику письма. Второй выделенный организаторами период — 1910-12 годы, когда он присоединяется к русским авангардистам, принимает участие в выставке объединения «Бубновый валет», а чуть позже присоединяется к группе Ларионова и Гончаровой «Ослиный хвост».
Рисует он уже не абстрактные пейзажи, скорее европейские, а исключительно русские — деревня и крестьяне впервые становятся главными объектами интереса Малевича, к которым он вернется еще не раз. Здесь же пробует художник и новую технику письма, используя четкие линии, геометрические формы и цветовую градации. Достаточно взглянуть на «Косаря» (1911-12), занявшего центральное место во втором зале выставки, — на красном фоне, безупречно выписанная фигура в будто переливающемся от белого к черному костюме, первый вестник кубофутуризма в творчестве Малевича.
«Футуристический манифест», опубликованный в 1909 году итальянским поэтом Филиппо Маринетти, воспевал технический прогресс, культ машины, и неудивительно его соединение с идеями кубистов, чьи полотна, словно состоящие из кусочков неправильно собранной мозаики. Как итог — резкие, механические, рубленые рисунки, с шестеренками и механизмами, выписанными на лоскутном фоне. Малевич же отклоняется от общего курса, продолжая свою линию. Вместо механизмов на его картинах все те же крестьяне и русские пейзажи в серо-красных и сине-зеленых оттенках. Из-за высокой стоимости материалов художнику приходится иногда рисовать на обеих сторонах — на выставке при помощи зеркала посетителям демонстрируют одно из таких полотен, «Лесоруба», на оборотной стороне которого — «Крестьянки в церкви».
Неизбежна была встреча с поэтами-футуристами. Малевич иллюстрирует книгу Алексея Крученых и Велимира Хлебникова, написанную «заумным языком» — своего рода поэтический философский трактат, посвященный отказу от прежних норм и правил языка и созданию новых. Страницы издания, развешенные по стенами, соседствуют на выставке со страницами газет. Например, «Раннее утро», где рядом с вечным заголовком-вопросом «Отдохнуть от Москвы. Куда уезжают москвичи на Рождество» и женской статьей-обращением «Избавьте нас от гражданских браков», можно отыскать и иллюстрацию к спектаклю «Победа над солнцем». Для этой оперы, написанной композитором Михаилом Матюшиным и Алексеем Крученых все тем «заумным языком», Малевич создавал декорации — геометрические костюмы из кубов, сфер, цилиндров и пирамид, которые словно были трехмерным воплощением его картин того периода. В соседнем зале можно увидеть, как все это выглядело на сцене в постановке Калифорнийского института искусств в 1981 году. Впрочем, видеопроекция — не главный экспонат в той комнате, ведь на противоположной стене, в гордом одиночестве, красуется один из четырех существовавших и двух выставленных в Tate «Черных квадратов». Первый вариант картины, ставшей краеугольным камнем современного искусства, его точкой отсчета и началом нового и важнейшего этапа в творчестве Малевича — супрематизма — был написан в 1915 году, но из-за своей хрупкости не выставляется, потому в Tate посетители видят версию 1923 года.
А в соседнем зале, окруженный другими супрематическими фигурами, представлен «Квадрат» 1929 года. В 1915 году главная картина Малевича стала частью экспозиции под названием «Последняя выставка футуристических картин 0.10», проходившей в Петрограде. По единственной сохранившейся фотографии, организаторы расположили картины точно так, как это было на той выставке — «Черный квадрат» в верхнем углу, вместо иконы. Вокруг — полотна с разбросанными, будто в движении, разноцветными геометрическими фигурами. Динамический супрематизм не только отражал сформулированный Малевичем тезис о том, что из кусочков старого и исчезающего искусства будет построено новое, чистое и беспредметное, но и являлся своего визуальным ответом на политические события того времени. Первая мировая война и мировой хаос — вот откуда эти распадающиеся фигуры на полотнах Малевича. На Революцию 1917 года художник отреагировал довольно радикально: к этому периоду относятся картины, на которых белые фигуры — те же квадраты и кресты — изображены на белом фоне, едва различимые. «Живопись умерла, как и старый режим, потому что была его частью», — писал Малевич в 1919 году. Рядом с белыми картинами — белые макеты несуществующих зданий, футуристические конструкции из блоков разного размера и высоты, ассиметричные небоскребы.
В разгар гражданской войны художник переезжает в Витебск, где зарабатывает на жизнь преподаванием. Вдохновленные лекциями Малевича, его ученики и другие преподаватели объединяются в организацию «Уновис» — «Утвердители нового искусства». Черный квадрат — как коллективная подпись, супрематизм — как вершина искусства. Художники объединения расписывали посуду и стены домов, рисовали иллюстрации и оформляли обложки киножурналов, посвященных выхожу фильмов Козинцева — Трауберга и Эйзенштейна.
В этих сугубо супрематических залах выставки — высшая точка поиска Малевича, абсолютное искусство. И действительно, двигаясь дальше, понимаешь, что все, что было после — постепенный возврат в прошлое, попытка художника повернуться и с высоты опыта и новых стилевых открытий посмотреть на собственное творчество. Для наглядности следующее помещение отдано целиком под карандашные рисунки, эскизы и наброски, сделанные Малевичем в период с 1907 по 1930 и собранные в художественную ретроспективу. Двигаясь от года к году, от рисунка к рисунку, видишь, словно издалека, весь проделанный художником путь: от реалистичных портретов к супрематическим фигурам — и обратно. Это не последний зал экспозиции, но зарисовки, помещенные под цифрой «1930 год» внезапно перекликаются с рисунками 1907 года и намекают на то, какие картины можно будет увидеть за стеной.
А там — начало эпохи Сталина, новая страна движется в будущее пятилетками, на смену авангарду приходит соцреализм, отныне единственный официальный жанр в искусстве. В 1927 году Малевичу тем не менее удается получить разрешение на выезд за границу, куда он взял с собой последние работы — своеобразные картины-размышления на тему развития современного искусства и наглядные пособия по разработанной Малевичем теории взаимодействия цвета и звука. Все это пришлось оставить в Германии, откуда художник был вынужден вернуться через три месяца — этой поездки советская власть ему так и не простила. В 1930 году он был на два месяца арестован по подозрению в международном шпионаже, а выйдя на свободу, действительно возвращается к истокам своего творческого пути, переосмысляя темы согласно тому, как ощущал он наступление новой эпохи. Те самые крестьяне кубофутуристические крестьяне 1911-12 годов на поздних полотнах лишены лиц, превращены в манекены, бездушно выстроившиеся на фоне плодородных полей, где идет активная уборка урожая. Таким, полным отчаяния и ужаса, видел Малевич результат раскулачивания и насильственной коллективизации страны.
Казимир Малевич умер в 1935 году от рака. И, несмотря на то, что в самом конце жизни обратился к самому ее началу — к реалистичным портретам, которые рисовал еще в начале века, — подписывал полотна исключительно крошечным изображением черного квадрата.
Творчество в жизни Владимира Волегова началось с новаторства в оформлении обложек к пластинкам, которые выпускал монополист советских времен – фирма «Мелодия». До Волегова над макетами никто особенно не усердствовал: рисунок был простым, причем, как правило, ничего общего не имел с самим альбомом и его исполнителем. Волегов начал создавать обложки, которые представляли собой самостоятельные произведения, идейное содержание которых еще больше подчеркивали достоинства музыкального альбома. При этом художник не ограничивал себя ни в выборе стиля, ни материала. Использовал сюрреализм и классику, акварель и гуашь. Очень быстро заказчиками Владимира стали Алла Пугачева, Валерий Леонтьев, Александр Малинин, Филипп Киркоров и группа «Любэ». К мастеру обратились все корифеи советской эстрады, а родившаяся вследствие сотрудничества дружба осталась навсегда.
Затем начался долгий путь сквозь годы перемен – не даром китайцы считают проклятием жизнь в такую эпоху. Волегов стал одним из тех немногих, кому удалось пройти спешно эту нелегкую дорогу к успеху и признанию. Одним из свойств современного искусства, впрочем, как и любого другого, является способность передавать чувства. Оно может открывать «двери» в наши души, позволяет нам проникнуться чем-то чистым и настоящим. Именно поэтому образы женщины и ребёнка – главная тема в полотнах Владимира Волегова. Потому что художник сам выражает свои чувства через те слова и понятия, которые близки его душе. А в ней навсегда останутся образы близких и дорогих нам людей. Женщина и ребёнок – это первые понятия в жизни каждого человека. Они родом из детства, а ведь мы все пришли из этого мира.
2 июня аукционные дома Christie’s и Sotheby’s провели в Лондоне русские торги. Для Christie’s они стали самыми успешными в истории летних русских торгов, а общая сумма вырученных денег составила $ 40,195 млн. На Sotheby’s в этот день за $ 3,3 млн ушла с молотка картина Казимира Малевича «Голова крестьянина», а общая выручка превысила $ 30 млн. АиФ.ru собрал 9 самых дорогих лотов вчерашних лондонских торгов.
Топ-лотом на Christie’s оказалась картина Василия Верещагина «Жемчужная мечеть в Арге», проданная в итоге за $ 6,134 млн. Таким образом, это полотно, написанное Верещагиным в Париже в начале 80-х гг. XIX века, стало самой дорогой из работ художника, когда-либо выставлявшихся на торги.
Свыше $ 5 млн. удалось выручить от продажи «Портрета графини Любови Ильиничны Кушелевой, урожденной Безбородко, с детьми Александром и Григорием» Владимира Боровиковского.Эта картина, написанная художником в 1803 году, является ярким примером классицистического стиля, господствовавшего в русской живописи начала XIX века.
Написанный Боровиковским портрет супруга графини, адмирала Григория Кушелева, с детьми ушел с молотка за меньшую, но также внушительную сумму в $ 2, 480 млн. Граф изображен в парадном костюме и орденах, среди которых и высшая награда Российской империи — Орден Андрея Первозванного. Судя по возрасту изображенных на холсте детей, можно сказать, что портрет Кушелева был написан уже после смерти его супруги, то есть после 1809 год
За $ 2,9 млн. была продана на Christie’s картина Аристарха Лентулова «Пейзаж с мостом. Кисловодск». Перед началом торгов именно этому произведению прочили место топ-лота с эстимейтом от $ 2,5 до $ 4 млн. Это полотно Лентулов написал в 1913 году под влиянием кубофутуризма — авангардного направления в живописи, ставшего популярным среди российских художников начала XX века.
На вечерних торгах Sotheby’s другое полотно Аристарха Лентулова — «Дети с зонтами» — ушло за $ 3,5 млн. Это произведение было написано в период расцвета художественной группы «Бубновый валет», одним из основателей которой был Лентулов, а вдохновением послужило лето, проведенное художников в Крыму в 1912 году.
