Дата: Воскресенье, 07.09.2014, 20:29 | Сообщение # 16
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Фотогалерея резных наличников из старых русских городов
Наличник — это декоративный элемент, без которого изба, конечно, выстоит, но именно он делает простой деревянный сруб уникальным произведением искусства. Изначально наличники предназначались для того, чтобы закрыть щель между стеной и окном. Со временем деревянную планку стали украшать резьбой и узорами, красить в разные цвета. В различных регионах России сложились собственные уникальные традиции украшения окон.
Например, в Поволжье, где украшением домов занимались мастера речных судов, наличники выглядели роскошно и имели орнаментальные особенности, а в Иванове и Шуе характерной чертой окон были наличники в форме оградки.
Фотограф Иван Хафизов уже несколько лет путешествует по России и делает снимки резных наличников. В его архиве фотографии из 101 города России. Всего же он планирует посетить 500 городов и затем издать первую большую книгу, посвящённую этому виду народного творчества. Опубликованная Иваном подборка составлена с любовью и глубоким пониманием предмета.
По мнению коллектива Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства, работа Хафизова чрезвычайно важна и актуальна именно сейчас. «Это искусство постепенно исчезало. В 70-80-х годах мы думали, что мастера работы по дереву перестанут существовать, а теперь видим почти возрождение — появилась масса молодых ремесленников, которые перенимают традиции предшественников. Если будет развиваться деревянное строительство, то будет и будущее у наличников», — рассказала старший научный сотрудник музея Татьяна Олейник.
Иркутские наличники отличает большой размер — высота такого окна может достигать двух метров. Особенностями обрамления являются огромное навершие и ставни, разделенные надвое узором.
В Костроме для украшения наличников широко
используется растительный орнамент.
В селе Сусанино под Костромой получили распространение наличники, узор которых напоминает ниспадающую складками ткань.
Балашовские наличники, как почти во всей Саратовской области, имеют ставни и окрашены в яркие цвета. Навершие часто напоминает ламбрекен (драпировку шторной композиции).
В Ивановской области получили распространение наличники, подол которых равен по размеру навершия или превышает его.
Нельзя сказать, что этот наличник из Данилова Ярославской области характерен для этой местности, хотя он белый, как другие, и середина навершия заметно выше, чем края. Зато с кошками.
Наличник из Ижевска, который легко узнать по вертикальным прорезям. Такие встречаются только в Удмуртии.
Шуя — один из немногих городов, где домовая резьба продолжает развиваться и сейчас, поэтому там встречаются наличники разных видов.
Наличники подмосковного Малоярославца имеют характерные художественные элементы по бокам, похожие на веер. Большинство обрамлений — белого цвета.
В Тарусе вокруг наличников сложилась необычная традиция — боковины и нижняя часть украшены минимально, а навершие имеет характерную структуру: в середине элемент в виде солнца, по сторонам — планки, изображающие дождь.
Наличники в подмосковном Егорьевске отличаются трёхарочными навершиями.
В Нижнем Новгороде, в противовес более распространённой в стране сквозной резьбе, встречается глухая (рельефная) резьба.
Вологодский наличник легко узнать по расширениям кверху и книзу.
Большинство омских наличников имеют ставни. Кроме того, Омск — единственный город, где встречаются оконные обрамления со ставнями в стиле модерн. Драконов на наличниках можно увидеть повсеместно — от Тверской области до восточных границ Ивановской и дальше. Чаще всего они встречаются в Ростове Великом.
Охристые цвета этого наличника выдают в нём принадлежность к Рязани — в центре города большая часть деревянных домов оформлена именно в песочной гамме.
Спасск-Рязанский — один из немногих городов, где большинство наличников имеет навершие в форме покатой крыши. Местные жители почти никогда не красят оконные обрамления в белый цвет.
Наличник из Мышкина Ярославской области. Местные оконные обрамления обычно выкрашивают в четыре-пять цветов.
Состоятельные жители города Юрьевец украшали свои дома наличниками с оригинальной верхушкой, которую можно увидеть только здесь.
В центре Самары сохранились десятки деревянных особняков. Большинство наличников на них имеют в середине навершия характерный выступающий излом.
Мичуринск Тамбовской области донёс до наших дней особый тип наличника — полностью вырезанный на станке.
Томские наличники выполнены в основном в тёмных тонах.
В Воронеже наличников немного, в отличие от соседнего Борисоглебска. Местные резчики делали вертикальные стойки в виде колонн. Из-за этого оконное обрамление выглядит массивным.
Особенность наличников в Нерчинске — украшенные резьбой ставни.
В отличие от наличников в других городах, тюменские — не результат многолетнего оттачивания мастерства резчиками из народа, а заранее подготовленная и стилистически выверенная работа архитекторов, строивших дома.
Художественные изделия из бересты - оригинальный вид народного творчества. Береста привлекала внимание народных умельцев тем, что при обработке она сохраняла свои свойства - мягкость, гибкость и прочность.
Береста - это верхний тонкий слой березовой коры нежного розовато-кремового цвета. Ее древнее название «бересто» известно с XV-XVI вв. Позднее появились «берёста» и «береста». Эти названия употребляются до сих пор.
Из бересты делались раньше и делаются сейчас туеса (бураки) - сосуды для хранения еды и питья. Береста не пропускает воду, в ведерках и туесах из бересты молоко не киснет и сохраняется холодным в жаркое время года. Уходя на работу в поле, крестьянин брал с собой туесок с водой или квасом, и в самый жаркий день питье в туеске оставалось холодным. За спиной он носил берестяной пестерь - плетеный заплечный мешок, на ногах лапти, часто сплетенные из бересты. Кузовки, берестянники - короба для муки и меда, лукошки, пастушечьи рожки, канаты для рыболовных снастей, - все это делалось из бересты.
Береста как материал для бытовых изделий привлекала народных мастеров с давних пор. Из этого пластичного, стойкого материала изготовлялись плетеные изделия: кузова, корзины, пестери, лапти, хлебницы, солонки. Береста шла на изготовление туесов - сосудов с крышкой, которые делали из цельного «сколотня» («сколотень» - снятая чулком со спиленного дерева кора березы).
Плетеные изделия выполняются в технике прямого и косого плетения. Кузова, пестери имеют прямоугольную форму, лапти и ступни делаются по форме ноги, а солонки выполняются в виде уточек, бутылочек и т. д.
Плетеные из бересты изделия обычно не украшают дополнительно. Главную эстетическую нагрузку несет сама форма изделия, мягкая, бархатная фактура бересты, разнообразие природного материала. Так, весенняя береста имеет холодновато-желтый цвет, а осенняя - теплая, темно-коричневая. При сочетании бересты разного цвета получается дополнительный цветовой эффект.
Заготавливают бересту в начале лета, в конце мая - июне, когда береза полна соков, и береста легко отстает от остальной коры. Если ее снимали умело, не повреждая следующий слой коры - зазелень, то это не вредило дереву, и через несколько лет на нем вырастала снова нарядная белая одежда.
Первые известные сведения о технике обработки бересты относятся к XVIII столетию. Для резьбы по бересте требуются самые простые орудия: нож и шило. Сначала вырисовывается контур рисунка, который затем вырезается острым ножом.
Тиснение осуществляется вручную штампиками или чеканами из дерева, кости или металла. Молотком ударяют по штампику (чекану) — на бересте остается рисунок. Кроме тисненой бересты, применяется прорезная береста. Тупой стороной ножа или шилом на бересте наносится контур рисунка, который потом вырезается острым концом. Резьба и тиснение по бересте иногда сочетались с канфарением. Ударяя молотком по канфарнику (чекан в виде трубочки), мастер «выбирает» фон предмета и получает зернистую поверхность. Эта техника издавна известна в обработке металла. С XIX века она применяется и в берестяных изделиях.
В Архангельской губернии из бересты делали короба, туеса, шкатулки, блюда, ларцы и прочие предметы домашней утвари и расписывали их живописными растительными узорами. Как правило, мастера заполняли поверхность изделий растительным орнаментом (тонкий извилистый стебель с листьями и ответвлениями, плавными изгибами). Сквозное, ажурное «кружево» (резьбу) из бересты мастера накладывали обычно на яркий фон из ткани, фольги или бумаги, что позволяло добиваться высокого декоративного эффекта.
Берестяные туеса (бураки) чаще орнаментируются. Сам процесс изготовления туеса довольно сложен: необходимо аккуратно снять с дерева кору, не повредив ее. Это будет внутренняя сторона туеса. Она цельная, из нее даже вода
не вытечет. Сколотни по лицевой стороне оборачиваются «рубашкой», т. е. берестой, разрезанной с одной стороны. Рубашка несколько меньше сколотня, она закрывается в «замок». Затем в распаренный сколотень, обернутый рубашкой, заколачивается деревянное донышко. Сверху вырезается крышка с ручкой. Туес готов.
Мастер по своему усмотрению и в соответствии с бытующей в данной местности традицией, перед тем как закрыть сколотень рубашкой, может украсить его геометрическим или зооморфным (изображение животных) орнаментом. Иногда рубашку туеса вырезают напросвет растительным орнаментом или геометрическим узором.
Береста занимала большое место в жизни северного крестьянина. Широко ее использовали народы Сибири и Дальнего Востока. Без бересты невозможно представить себе быт крестьянина. Начиная с игрушек и кончая строительством дома, везде использовали бересту.
В строительстве бересту использовали в качестве изоляторов от сырости. Благодаря водонепроницаемости и антисептическим свойствам береста предохраняла от гниения. Нижние венцы деревянного сруба, подоконники, перекрытия дольше служили, если между деталями конструкции прокладывали бересту. В некоторых деревнях и сейчас покрывают баньки и подсобные строения берестой из-за дороговизны рубероида. Крыша, крытая скалой (берестой), служит не меньше 40 лет.
В крестьянском доме, можно было увидеть много берестяной утвари, весьма необходимой в хозяйстве: набирушки, корзины, зобни, пестери, сумки, короба, туеса, солонки, плошки, ступни, брусочницы. С корзинами и пестерями ходили в лес по грибы и ягоды. Короба служили для хранения овощей, муки и круп.
Туеса были незаменимыми для хранения молочных продуктов, меда, рыбы и солений. Солонки были разных размеров и видов, часто в виде стилизованной утицы. Разбитые горшки получали «вторую жизнь» после обвивания их берестяной лентой. Во дворе можно было встретить простую конскую упряжь из бересты, веревки, на рыбацких сетях - поплавки. Все, начиная с обуви и кончая шляпой, можно было сплести или сшить из бересты. В 1882 году на Всероссийской выставке в Петербурге в финском отделе был выставлен костюм, где шляпа, пиджак, штаны, сапоги были сплетены из бересты.
Шемогодский промысел берестяных изделий
Шемогодская прорезная береста, пожалуй, самый известный берестяной промысел в России. Знаменит он и за границей. Название свое промысел получил от речки Шемоксы, что впадает в Северную Двину ниже Великого Устюга.
К 1882 году в Шемогодской волости В. Устюжского уезда промыслом занимались 168 человек. Вот что писалось в Очерке кустарных промыслов Вологодской губернии: «Лучшие бурачники в деревне Курово-Наволок. Они делают по заказу чрезвычайно изящные бураки». Имеются в виду изделия, украшенные прорезной берестой: туески, блюда, перчаточницы, пеналы, дорожные шкатулки и другие изделия. Изящный растительный орнамент, вырезанный мастером, украшал стенки и крышки изделий.
Береста на темном или золотистом фоне выглядела как дорогой материал. Естественно, и изделия были привлекательны для покупателя.. В связи с большим спросом на изделия промысел постоянно расширялся. Работали не только мужчины, но и женщины, дети.
В 1918 г. кустари деревни Кирово-Наволок по инициативе мастера А. В. Вепрева объединились в Шемогодскую кооперативно-производственную артель. Перечень выпускаемых изделий был велик: платочницы, перчаточницы, табачницы, чайницы, рабочие ящики, коробки с выдвижными крышками, автоматы для папирос, коробки книгой, восьмиугольные и пирамидами.
Производство шемогодских берестяных изделий продолжалось до ликвидации промкооперации в 1960 г. Сейчас фабрика «Великоустюжские узоры» продолжает работать с берестой.
Это интересно
Кустарные промыслы в России имели обширное распространение и давали значительный заработок населению. По некоторым источникам, берестяным промыслом в России занималось 115 тысяч человек. Бурачный промысел занимал одно из ведущих мест. В литературе, наряду со словом «туес», укрепилось слово «бурак» в одном и том же значении - берестяной сосуд цилиндрической формы с крышкой и донышком. И хотя у слова «бурак» 11 значений, а у слова «туес» - одно, почему-то за промыслом укрепилось название бурачный. В Архангельском областном словаре в статье «Бурак» приведены предложения, записанные в разных районах области: «Из береста бурачков наладят... это уж ноне стал бурачок, а прежнее – туесок», «И может бурачок сделать, а прежнее – туесок», «Если занадобится что перенести, так туесок, а потом помодней - бурачками стали звать».
В словаре современного русского литературного языка в статье «Бурак» замечено, что шведское «Bark» - банка, коробка, похоже на наше «бурак», что указывает на иностранное происхождение слова. Сейчас в научной литературе чаще встречается «бурак». А «бурак» - это и корзина, и свекла, и остов печи, и одиночная камера, и сапог, и туча, и другие значения, так что справедливо бы называть промысел туесовым.
Ржаную соломку как поделочный материал стали использовать на Вятке в XIX веке.
У такой соломки ровный стебель с длинными междоузлиями (верхнее колено – до 50 см), небольшой сбежистостью (уменьшением толщины стебля по всей его длине). Она отличается прочностью при относительно тонких стенках. При размачивании ржаная соломка становится пластичной, по высыхании хорошо сохраняет приданную ей форму. Золотистая окраска имеет большую гамму оттенков – от серебристо-зеленого до густо-желтого и красноватого. Ржаная соломка хорошо окрашивается анилиновыми красителями, ее используют во всех видах плетения, а также в инкрустации.
Ржаная соломка в зависимости от условий произрастания растения, времени ее сбора и особенностей хранения приобретает тот или иной цвет. Если растение росло в тени, то его соломка красновато-фиолетового цвета. Соломка, перезимовавшая в стогу, становится коричневой. Мягкие и упругие ржаные стебли, срезанные в период молочно-восковой спелости зерна, имеют приятный зеленоватый цвет. Цветовая гамма соломки, поэтому достаточно велика, в ней насчитывают более 90 оттенков.
Заготовку соломки для промысла кустари производили серпом вручную, перед массовой косовицей хлебов в июле – августе. Сжатый хлеб связывали в снопы и после 1 – 3-дневной просушки снопы аккуратно оббивали для удаления зерна. Хранили связанную в снопы соломку в затененном, неотапливаемом помещении. Далее соломку готовили к работе: со стеблей срезали колоски и листья. У соломки, идущей на изготовление плетешков удаляли узлы, утолщения между коленами, сортировали по длине, толщине и цвету. Рассортированную соломку хранили в снопиках толщиной 10 – 15 см, длиной 50 см в сухом затененном месте.
Соломку, собранную после обмолота зерна, применяли редко, так как она помята и после обработки становится ломкой и хрупкой. Вместе с тем у нее по-своему красивый неповторимо-золотой цвет, который давал дополнительные возможности мастеру. Обычно для получения равномерного золотистого цвета соломку раскладывают на солнце и выдерживают от нескольких часов до 2 – 3 дней.
При необходимости соломку отбеливали, окрашивали, прессовали, изготавливали плетешки, из которых и «собирали» готовое изделие.
В 1871 году на заседании комиссии, учрежденной при Вятском губернском статистическом комитете по содействию Московской Политехнической выставке, было предложено приобрести образцы корзинок и шляп, сплетенных их соломы, обратившись с этой целью в Унинской волостное правление. И действительно, в Унях изделия из соломы плелись уже не от случая к случаю и не только на собственные нужды, нго и на продажу. А работал мастер профессионально. Это подтвердили строчки в «Памятной книжке Вятской губернии» за 1873 год, через два года после первого письменного упоминания: «Плетением корзин и шляп из соломы занимается один человек в Унинской волости в Глазовском уезде, вырабатывая до 50 шляп по 30 коп. и 30 корзинок по 40 копеек каждая». Имя этого первого искусного кустаря по соломке история не сохранила.
В 1889 году «Вятские губернские ведомости» перепечатали заметку из «Волжского вестника», касающуюся нашего Слободского уезда: «…Здесь кустари
в основном занимаются выделкой посуды и мебели. «Новинку», в смысле развития кустарной промышленности, представляет северо-западная Георгиевская волость, отстающая от города в 26 верстах. В этой волости с 1888 г. появился новый промысел – выделка соломенных шляп. Этим ремеслом занимаются, главным образом, крестьянские мальчики, лет двенадцати-тринадцати, тем более что первым распространителем этого искусства оказался крестьянский мальчик села Шестакова Иван Елькин, который выучился ему у волостного писаря Олькова, а последний вынес шляпное ремесло из Орловского уезда, где этот промысел существует уже давно. Таким образом, благодаря «новому» кустарно-шляпное искусство скоро понравилось и другим мальчикам, которых в настоящее время насчитывается до 20 человек. За время занятий Елькина – им сплетено и продано до 200 шляп.
Шляпы плетутся из обыкновенной белой соломы. Они продаются Елькиным от 15 до 30 копеек, смотря по тому, из какой соломы сплетена шляпа: из мелкой – по 30 копеек, из крупной – 15 – 20 копеек. Конечно, в этом случае следует отдать предпочтение шляпе, сплетенной из мелкой соломы, так как такая шляпа имеет более или менее изящный вид. Поэтому не редкость составляет видеть такие шляпы не только на мужике, но и на обывателе нашего города, но особенно охотно покупаются они крестьянами».
И в Слободском кустарно-шляпное искусство было развито достаточно хорошо. Поэтому именно слободские шляпники в 1890 году Иван Лукич Елькин, Василий Иванович Елькин, Терентий Кириллович Козлов и Кузьма Тимофеевич Князев выставили свои изделия на Казанской выставке.
В 1899 году Вятское земство, желая быстрее внедрить соломенный промысел на территории губернии, открыло при кустарном музее и складе соломенную мастерскую. Цикл обучения в вятской земской мастерской длился один месяц, обучали новому ремеслу бесплатно и всех желающих. После таких мер изделия соломенной мастерской внесли в прейскурант Вятского склада и экспонировали на выставках. И хотя в архивах не зафиксировано какого-то одного центра по обработке соломки, это ремесло через мастерскую получило широкое распространение в Вятской губернии.
Изделия из соломки не только качественно совершенствовались, но и расширялся их ассортимент. Мастерская стала предлагать «сумки конусные, ридики, шляпы женские черные, детские пестрые».
В начале XX века соломку уже научились красить в самые ходовые цвета: красный, розовый, фиолетовый, красно-фиолетовый, желтый, оранжевый, серый, зеленый. Но переменчивая мода и массовое распространение аксессуаров фабричного изготовления постепенно вытесняют соломенные изделия с вятского рынка.
История плетеных из ржаной соломки шкатулок начинается только в ХХ веке. Адрес зарождения этого промысла на Вятке – село Камешница Оричевского района. Долгое время здесь работала мастером Валентина Григорьевна Бояринцева, научившаяся этому ремеслу еще в детстве. В 1978 году она рассказывала: «От своих родителей я слышала, что плести шкатулки научил селян вернувшийся с Первой мировой войны солдат. А он выучился у кого-то из фронтовых друзей. С тех пор и стали заниматься этим делом. Разные формы изделий – это плод коллективного творчества. Кто-нибудь придумает форму – все повторяют. Так, выделилась среди нас старая мастерица (по ее образцам работали) Тамара Ивановна Кротова. У нее была большая фантазия. Она делала не только шкатулки, но и разные фигурки».
Так в трудное времяпо окончании Первой мировой войны зародилось новое вятское ремесло. Постепенно к промыслу обратились не только женщины Камешницы, но и соседних деревень Шиховых и Коноваловщины. В 1940 году в Камешнице была организована художественно-промысловая артель «Самолет», ее первым мастером назначили А.А. Москвитинову. Из рук в руки, от поколения к поколению передавалось здесь несложное, но кропотливое мастерство плетения из соломки. В 1959 году газета «Кировская правда» дважды написала о Камешницкой артели, о ее новом изделии – сундучке из соломки. В следующем году камешницкие шкатулки отправились на республиканскую выставку.
В 1960 году после ликвидации промысловой кооперации камешницкие мастерицы вошли в состав надомного цеха Кировской фабрики художественных изделий. Для сравнительно малоизвестной плетеной шкатулки начались новые времена. Главный художник фабрики Б.А. Кузнецов и пришедшая после него Е.А. Окишева решили качественно изменить технологию производства. Полуфабрикат каркаса шкатулок стали делать в деревообрабатывающем цехе в городе Кирове, соломку теперь перестали красить и только отбеливали перекисью водорода с нашатырем, обклеенную бумагу заменили на однотонную, выявив, таким образом, естественную природную красоту материала – теплый золотистый цвет. Шкатулка преобразилась. Изделия стали пользоваться более широким спросом.
Расширение массового фабричного производства разнообразных товаров постепенно вытесняет соломенные изделия с вятского рынка. В конце 1980 – начале 1990-х годов производственное объединение «Умелец» сделало попытку вернуться к плетению изделий из соломки. Мастера объединения изготавливали дамские сумочки, шляпки, но по другой технологии, без окраски, сохраняя золотистый, естественный цвет соломки. На предприятии в эти годы также создавали декоративные панно, конфетницы, сухарницы, подставки под горячее, занавесы, игрушки-сувениры и разнообразные шкатулки.
Развивают в наши дни «соломенный» промысел как предприятия, так и отдельные мастера. В числе первых «Центр народных промыслов и ремесел «Вятка» (Киров), в числе последних наиболее известна кировская мастерица Лариса Вениаминовна Сметанина. В 2007 году решением Художественно-экспертного совета по народным художественным промыслам Кировской области Ларисе Вениаминовне был присвоен статус мастера народных художественных промыслов Кировской области.
Когда разговор заходит о русских стилях живописи, первым делом все обычно вспоминают про гжель и хохлому. При этом собеседник почти наверняка сможет описать, что для этих двух стилей характерно. Но дальше обсуждения синих завитков на белом фоне и ярких рыжих цветов на чёрном разговор обычно не идёт. На просьбу рассказать об особенностях жостовской или же, скажем, городецкой росписи собеседник скорее всего разведёт руками и порекомендует вам обратиться к специальной литературе.
В свете таких реалий АиФ.ru решил провести ликбез и создать специальную инфографику-шпаргалку, которая наглядно расскажет, чем отличаются друг от друга стили русской живописи.
Чем русские стили живописи отличаются друг от друга?
Хохлома— роспись по дереву, при которой яркими тонами по чёрному лаковому фону наносятся ягоды рябины и земляники, цветы и ветки, а также иногда птицы, рыбы и звери. Название стиля происходит от одноимённого округа Нижнего Новгорода. Основные предметы, на которые наносится хохлома: посуда, мебель, статуэтки, матрёшки.
Городецкая роспись — роспись по дереву, при которой насыщенными цветами на золотистом фоне изображаются жанровые сцены из жизни русского купечества, а также звери и цветы. Название стиля происходит от города Городец в Нижегородской области. Основные предметы, на которые наносится городецкая роспись: сундуки, прялки, детская мебель.
Гжель— роспись по керамике, при которой растительные орнаменты разных оттенков синего цвета с завитками рисуются на белом фоне. Название стиля происходит от района «Гжельский куст», его образуют 27 деревень в Раменском районе Московской области. Основные предметы, на которые наносится гжель: посуда, вазы, статуэтки, чайники, разделочные доски, матрёшки.
Федоскинская роспись— роспись по дереву, при которой портреты людей изображаются на чёрном лаковом фоне. При этом на основу наносится светоотражающий материал — металлический порошок, сусальное золото, поталь, перламутр, что придаёт работе эффект свечения и глубины. Название стиля происходит от подмосковного села Федоскино. Основные предметы, на которые наносится Федоскинская роспись: ларцы, шкатулки, коробочки, крышки альбомов, очёчники, кошельки, пасхальные яйца.
Роспись Северной Двины— роспись по дереву, при которой сказочные персонажи и растения наносятся красными и оранжевыми цветами на жёлтый фон. Название стиля происходит от реки Северная Двина, протекающей в республике Коми, Архангельской и Вологодской областях. Основные предметы, на которые наносится роспись: посуда, сундуки, ларцы, подголовники.
Прикамская роспись— роспись по дереву, при которой изображения растений и зверей рисуются красными красками по оранжевому фону. Название стиля происходит от территории, прилегающей к реки Кама в Пермском крае. Основные предметы, на которые наносится роспись: мебель, двери и стены дома.
Жостовская роспись— роспись металлических подносов, при которой на чёрном фоне изображаются простые композиции из крупных и мелких цветов. Название стиля происходит от деревни Жостово Московской области. Основные предметы, на которые наносится роспись: разнообразные подносы.
Мезенская (палащельская) роспись — роспись по дереву, при которой неокрашенный фон покрывается архаичным дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками. Они рисуются в два цвета: чёрным — «сажей» и красным — «земляной краской». Традиционные элементы Мезенской росписи — солнечные диски, ромбы, кресты. Название стиля происходит от реки Мезень, протекающей в Архангельской области и республике Коми. Основные предметы, на которые наносится роспись: прялки, ковши, коробы для хранения, братины*.
Палех — роспись по дереву, при которой на тёмном фоне изображаются темы русских народных сказок или исторических событий. Название стиля происходит от села Палех в Ивановской области. Основные предметы, на которые наносится роспись: шкатулки, солонки, тарелки, матрёшки, панно, брошки.
*Братина — род ковша, из которого в допетровское время во время пиров пили вино.
Таланты на подносе. Нашим промыслам даже Запад завидует
Народный промысел - не нефть и не газ, а гжель, хохлома, жостово. Он не кормит нашу страну, но без него Россия не была бы Россией. И сейчас специалисты бьют тревогу: наше национальное достояние приходит в упадок!
В этом году мы потеряли городецкую роспись: осталось всего 5-6 мастеров. Не больше 10 человек ещё знают, как из нароста на корне берёз сделать уникальное изделие, например, шкатулку с потайными ящичками, - это умельцы из Кировской области. На грани закрытия Жостовская фабрика художественной росписи по металлу и Богородская фабрика деревянной игрушки - на них не более 30 мастеров! А ведь нашему достоянию буквально завидует Запад, давно утративший этот пласт культуры и навык ручного труда, идущий из глубины веков. Ведь некоторым из промыслов по семь сотен лет, как, например, гжели!
Хохломская роспись, гжельский фарфор, ярославская майолика или ростовская финифть при всей их красоте лишь часть нашего великого культурного наследия. Вологодское и елецкое кружево, богородскую и беломорскую резьбу по дереву, кубачинские ювелирные украшения, холмогорскую и тобольскую резную кость, жостовские и нижнетагильские расписные подносы, скопинскую и псковскую керамику, торжокское золотное шитьё, кисловодский фарфор, оружие златоустовских и тульских мастеров, художественное ткачество и вышивку различных регионов России - почти все промыслы из 65 регионов - страны вот уже третий десяток лет объединяет Ассоциация «Народные художественные промыслы России», которая все эти годы борется за сохранение традиций.
- Поразительно: эти промыслы пережили и войны, и революции, и мор, и глад, и бунты, а в наши сытые, довольно благополучные и цивилизованные времена пребывают в забвении! - говорит Геннадий Дрожжин, председатель правления Ассоциации. - Сегодня промыслы находятся в очень тяжёлом положении. Почти 20 лет идёт постепенное сокращение численности рабочих и объёмов производства. Не идёт к нам молодёжь, которую гораздо сытнее прокормит какая-нибудь должность охранника, и уходит предыдущее поколение, имеющее навык и владеющее тайной ремесла. А ведь руки, талант человека - их ничем не заменишь! Да, у нас есть господдержка, 300 млн рублей, - но разве этого достаточно? Из них 20% уходят государству обратно в виде налогов. Инфляция съедает выделенный бюджет. И, таким образом, остаётся менее 150 млн, но они так распределяются, что одна половина идёт на 3 предприятия, а вторая половина - на остальные 70.
У промыслов нет денег на техническое перевооружение, на реконструкцию действующих подготовительных производств. Ещё одна проблема: в Москве нет ни одного приличного салона, где можно было бы гостям столицы посмотреть и купить не подделки, а настоящие товары. И ведь речь не идёт о миллиардах, которые тратятся на космос или оборонку, - наши потребности гораздо скромнее. Тем не менее пока нас не услышали… В декабре состоится заседание Госсовета по культуре, на котором, мы очень на это надеемся, будет поднят и вопрос о народных промыслах. Ведь руководство страны на нашей стороне, политическая воля есть: президент Владимир Путин уже сказал, что попса и сама выживет, а народным промыслам нужна поддержка, как это делается во всех странах мира.
Хохлома и глобализация
Казалось бы, сейчас, когда мир захлестнула волна глобализации, а Россия переживает не лучшие времена в экономике, разве есть кому-то дело до недешёвых расписных игрушек - наподобие тех, в которые играли ещё наши прабабушки?
- Это одна из важнейших задач сейчас - сохранение идентичности России! - утверждает председатель правления Ассоциации народных промыслов. - Наши традиции воспитывают доброту, понимание и любовь к родной культуре. Я считаю, что народные промыслы надо преподавать в школах, даже в детских садах, ведь у нас прекрасные, экологически чистые игрушки. На покемонах и барби мы же никогда не воспитаем нормального человека. А интерес к искусству народа - он у нас в крови, это заложено на генетическом уровне, ведь многие и многие поколения видели и ту же хохлому, и тот же палех, и то же федоскино…
Эти изделия - не просто товар: они становятся семейными реликвиями. Народное творчество с годами только прибавляет в цене, эти вещи передаются от родителей к детям. Где же можно познакомиться с уходящей, но живущей надеждой на спасение народной культурой, увидеть весь спектр промыслов и купить неподдельные изделия русских мастеров? На выставке «Ладья», входящей в план основных мероприятий Года культуры в нашей стране, которая состоится в Москве перед Новым годом. Там очень ждут россиян, которые ещё не забыли, что такое настоящая Россия.
Именно в Туле в 1820 году появилась первая российская гармонь. Производство ручных гармоник организовал оружейник Тимофей Воронцов на своей самоварной фабрике. В 1900 году двух- и трехрядные венские гармоники получили награды в Париже. В 1905–1907 годах началось изготовление хроматических гармоник. Гармонь с хроматическим строем петербургский гармонист Орланский-Титаренко назвал «баяном». В годы Великой Отечественной войны производство гармошек было прервано. С фронта пошли письма: «Дайте гармони и баяны! С песней легче воевать!». Ныне тульская гармонь звучит по всему миру и, конечно, в России.
Саратовская гармонь
Саратовская гармонь — местная разновидность русской гармони, отличающаяся тем, что на ней имеются колокольчики. Саратовская гармонь отличается также своеобразным тембром и большей силой звучания.
Саратовская гармонь появилась впервые в 1855 или 1856 году. Инструменты изготавливались гармонными артелями в Саратове, Саратовской губернии.
Первая гармонная мастерская в Саратове была открыта Николаем Геннадьевичем Карелиным в 1870 году на Никольской улице. Гармони украшались деревянной резьбой, бархатом, кожей, мельхиоровыми накладками. В 1920-е годы кустарей-гармошечников объединили в артель «Саратовская гармонь» и выделили им помещение на ул. Цыганской, дом 5. Со временем артель расширилась и превратилась в целое предприятие выпускавшее до 8 тысяч гармоней в год. Делались и заказные, концертные гармони, для мастеров. В 1968 году цех по производству гармоней вошёл в состав Саратовской фабрики музыкальных инструментов, а в начале 1980-х в состав Энгельсского завода по производству духовых и ударных инструментов.
В настоящее время саратовская гармонь не производится, секреты её изготовления могут быть утрачены. Существуют творческие коллективы, использующие саратовскую гармонь: Государственный академический русский народный хор им. М. Е. Пятницкого, ансамбль «Саратовская гармоника», ансамбль Колокольчик, ансамбль «Серебряные колокольчики».
В 2009 году на проспекте им. Кирова в Саратове был установлен памятник Саратовской гармошке, подаренный жителям банком «Экспресс-Волга» в честь празднования дня города. В определённые часы памятник проигрывает композиции местного саратовского инструментального коллектива и напоминает об историческом символе города — гармошке.
Елецкая рояльная гармонь
Елецкая рояльная гармонь включена в список ЮНЕСКО. Рояльная - предок современного аккордеона. Её история восходит к середине XIX века. Крестьянин А.П.Ильин из Тульской области организовал в Ельце кустарный промысел гармоний. За основу взяли и усовершенствовали тульскую пятиклапанку. Гармонь выходила лучше тульских массовых, и в мастерскую потянулись заказчики. Сейчас в Ельце музыкант Владимир Комаров пытается вместе с Музеем ремёсел возродить гармонь. Елецкая гармонь, как и елецкое кружево, известны всему миру. Это - культурное достояние России.
Ливенская гармошка
Ливенская гармонь («ливенка») — местная разновидность русской гармони, появившаяся в г. Ливны в 60—70-х года XIX века.
Дореволюционные Ливны были известны своими гармошками. Её прототип попал в Россию из Германии в 30-е годы XIX века. В 1860 году такие немецкие инструменты стали производить в Туле. Их особенностью был разный тон звука при раздвижении и собирании мехов. Нечто подобное осталось до сих пор у губных немецких гармошек. Когда по тульскому образцу решились открыть производство в Ливнах, то конструкцию гармони заметно переработали. Среди прочего тон звука перестал зависеть от направления движения мехов и вообще, фактически был создан новый оригинальный инструмент. Первоначально ливенка была одноголосой. То есть, при нажатии на клавишу открывался один клапан и это приводило к возникновению одного звука. Позже появились двух- и даже трехголосые инструменты с различием по тонам в одну октаву.
Известно, что в конце XIX века гармонь изготавливалась лишь кустарным способом. Производство в основном было сосредоточено близ Ливен в деревнях Сосновке и Речице. Из мастеров до нашего времени дошли фамилии Занина, Тюрина, Нечаева. Хотя производство и было кустарным, широко использовалась подетальная специализация. Разные люди отдельно изготавливали клапана, планки, меха, корпуса и т. п. Эти части закупались мастерами-скрепщиками, которые инструмент не только собирали и настраивали, но и отделывали, сообразуясь со своим вкусом.
Несмотря на разделение труда, кустарная ливенка все равно стоила дорого. Так, в 1914 году ее можно было купить за 22 рубля, тогда как корова стоила 24.
Популярность гармони постепенно стала настолько большой, что производство перестало успевать за спросом. Как следствие высокие цены привели к организации поточного, фабричного изготовления. Например, на Орловском велосипедном заводе, да и на ряде других предприятий России. Себестоимость быстро снизилась, и ливенская гармонь превратилась в чрезвычайно распространенный инструмент. Известна реклама Петроградской фабрики музыкальных инструментов, предлагавшей гармонь-ливенку в 1915 году по ценам от 2 рублей 50 копеек до 12 рублей в зависимости от сложности и размера. Необходимо отметить, что ливенские кустари в этих условиях конкурировать не могли.
Но сама ливенка стала постоянной спутницей в радостях и бедах простого люда. И свадьбы, и похороны, и праздники, и уходы в армию или возвращения. Как раз о прощальных вечерах, уходивших на войну, писал в 1914 году Сергей Есенин:
Но жизнь не стояла на месте. Со временем появились баяны, мода на ливенки прошла и их производство стало угасать. Перед Великой Отечественной войной гармони в Ливнах делало всего два человека: Иван Занин и Петр Груднев. А после войны Д. В. Сопов.
В 1964 году сын Ивана Занина — Валентин решил организовать ансамбль «Ливенские гармошки». В Беломестном нашелся ливенский мастер Н. И. Нестеров со своим учеником К. Ф. Кудрявых. Они возобновили ремонт и настройку ливенок, а позже и изготовление. Эти инструменты стали базой созданного ансамбля.
Популярность ансамбля росла довольно быстро. В 1970 году он впервые получает приглашение в Москву на телефестиваль народного творчества. С 1975 года начались зарубежные гастроли.
Валентина Занина, в качестве руководителя, сменил Е. И. Москвин, а затем В. М. Демидов. Наше время существенно снизило концертную деятельность ансамбля. Но он по-прежнему существует, а вместе с ним и ливенская гармонь.
В 1760-х гг. оружейник Федор Иванович Лисицын создал в Туле своё частное, или, как тогда говорили, «партикулярное» предприятие, выпускавшее не только кастрюли, но и «приборы для нагревания воды». В начале XIX столетия известность приобретает фабрика «Купцов Василия и Ивана Ломовых в Туле», основанная в 1812 г. На крышках самоваров гравировали надпись: «Василый Iван Ломовъ въ Туле». В 1829 г. на первой публичной выставке российских мануфактурных изделий в Санкт-Петербурге тульские мастера завоевали малую серебряную медаль. За высокое качество самовары Ломовых, одними из первых, имели право носить государственный российский герб как высшую награду. И поныне самовары, сделанные руками тульских мастеров, – это подлинные произведения искусства и непременный атрибут чаепития в России. Без самовара не обходилось ни одно семейное событие или приём гостей, в столице или в провинции практически в каждой семье стояли «чудо-водогреи». «Приедет ли, бывало, кто из уезда, зайдёт ли вечером гость ближний – и сразу же: «Самоварчик?» и уж пыхтит на столе, как символ гостеприимства, домашнее жёлтобрюхое божество, и угощение на скатерти – свежесваренные в самоваре же яйца, и мёд, и крендела мочальной завязке...».
Тула — старейший центр и еще с XVI века специализируется на выпуске оружия. С созданием в Туле военного гарнизона, располагавшегося в тульском кремле, у кузнецов-ремесленников появился большой спрос на военные изделия. Также одновременно с этим оружейники были помимо прочего родоначальниками многих местных промыслов — каретного, пряничного, резьбы по дереву, кузнечного дела и т. п. По царскому указу в 1595 году некоторые кузнецы были поселены в специальной казённой слободе за рекой Упой. Работники этой слободы были казёнными людьми и в связи с этим в последствии всех работников и жителей города начали называть — казюками. В XVIII веке оружейное производство Тулы перешло в руки местных кузнецов-оружейников и, прежде всего, к предприимчивому оружейнику Никите Демидову, родоначальнику известных в XVIII веке промышленников. Позже, по приказу Петра I, в Туле строится первая ружейная мануфактура — казённый оружейный завод, послуживший основанием всего оружейного дела в России. Вся жизнь города из старого центра перенеслась на правый берег Упы, где размещалось основное оружейное производство — Кузнецкая и Оружейная слобода. Здесь у реки, напротив кремля, на месте старого городища в 1712 году был построен казённый Оружейный завод, где сконцентрировалось разбросанное кустарное производство кузнецов-оружейников. И уже через 5 лет после пуска завода начался бурный расцвет искусства оружейников Тулы. Туляки, украшая ружья, ножи и их миниатюрные копии, осваивали сложнейшие технические приёмы обработки и оформления металлических частей, а также деревянных лож и рукоятей: оброн, насечка, всечка, наводка, инкрустация, гравировка, литьё, воронение, резьба, чеканка.
Музей самоваров (г.Городец, Нижегородская область.)
Музей самоваров открылся в Городце в 2008 году в доме купца Гришаева (этот дом является памятником градостроительства и архитектуры ХIХ века был построен во второй половине 19-го века. Наличники и другие элементы фасада дома украшены различными видами резьбы, которая придает строению праздничный, неповторимый облик.). Основу выставки составляет частная коллекция почетного гражданина Городца, руководителя Управления Федеральной налоговой службы по Нижегородской области Николая Полякова. Экспозиция, насчитывает более 500 самоваров, а также другие предметы русской чайной церемонии. Выставка является одной из крупнейших в России. В каждом русском доме самовар занимал почётное место, был символом семейного очага, дружеского общения и оберегом дома. Самовар был предметом роскоши. В 18-19 веках этот пузатый красавец стоил в среднем 25 руб. В то время как корову можно было приобрести за 1 рубль, а избу - за 13 рублей. В музее представлены самовары трактирные, дорожные, гостиничные, самовары-«эгоисты», «тет-а-тет», самовары-кофейники.Прародителем всех самоваров был самовара-кухня, который изготавливался на Уральских заводах Демидова.
Он представлял собой братину, разделенную на три части: в двух варилась пища, в третьей - чай. В таком самоваре варились супы и каши, сверху него прикреплялся половник. Самый большой в коллекции самовар - на 53 литра, а самый маленький - на 75 грамм. Этот вид самовара и получил название «Эгоист», так как им мог пользоваться только один человек. Эти самовары-малышки использовали рабочие царской армии. В них было удобно быстро нагреть воду и побриться. Самовар Дон Жуан - стоит, подбоченясь, кепка из узоров, ручки по бокам, да и сам статный и красивый. У самовара-солдата наоборот ручки по швам - настоящая выправка. Дворянский самовар украшают львиные головы.Особенность трактирного самовара - целых три крана.Некоторые самовары имеют свой фирменный знак - печать изготовителя (фабрики Воронцовых, Баташевых, Пучкова ). По форме самовары тоже имеют несколько разновидностей: греческая ваза, сфинкс, желудь, рюмка, яйцо.
Береста - это верхний слой берёзовой коры, антисептик. Ещё в древней Руси из бересты изготавливали хозяйственную утварь. Общеизвестно, береста считается одним из лучших материалов для хранения продуктов, которые сохраняют свежесть и вкус, находясь в ёмкости из бересты. Сейчас из бересты делают хлебницы, туеса, шкатулки, картины, украшения и много других полезных вещей.
Дерево всегда было и остается одним из самых привлекательных материалов в декоративном искусстве. Из дерева делали вещи бытового назначения, вырезывая на них прекрасные узоры, создавали и чисто декоративные художественные произведения, ценя этот материал не только за красоту, но и не в последнюю очередь за легкость обработки несложными инструментами. Резьба по дереву является национальным видом прикладного искусства для многих народов нашей страны.
В наши дни интерес к резьбе нисколько не угас, напротив, не только профессиональные художники, но все увеличивающаяся армия любителей в своем увлечении обращается к резьбе по дереву. В старинное искусство приходят современные мотивы и приемы, расширяющие его выразительные возможности.
Резьбой украшают небольшие предметы сувенирного характера, и солидные, практические вещи, например, наборы мебели для кухни, для детской комнаты или, например, дачный гарнитур. Прикладное направление творчества поможет художнику-любителю сделать свое жилище особенным, придать ему неповторимый облик.
Резные работы можно выполнять на древесине различных пород. Наиболее подходящей является липа. Она обладает мягкой, однородного строения, достаточно вязкой древесиной, которая одинаково легко режется вдоль и поперек волокон.
Исконно русским резным материалом считается береза с ее белой, твердой и упругой древесиной. Нередко используют древесину красной и черной ольхи. Это тоже однородный вязкий материал, легко поддающийся обработке. Мало кто знает, что для резного дела подходит осина. Однако серебристая, светящаяся древесина осины обладает всеми качествами, необходимыми для резных работ. Она однородно по строению и, хотя несколько более хрупка в сравнении с липой, может с успехом быть применена в любом виде резьбы.
Дуб считается классическим материалом для резьбы. Несмотря на крупнотекстурное полосатое строение, он обладает однородной плотностью на темных и светлых участках годичных слоев, вязкостью и необычайной прочностью. Позволяет выполнить как монументальные, так и небольшие, камерные композиции.
О чём рассказывают оконные наличники русских домов: символизм в деревянном зодчестве
В России и сегодня сохранилось много домов, впечатляющих деревянными узорами на оконных наличниках. Это тонкое искусство передавалось от мастера к мастеру, и по сей день редкий дом с резными наличниками оставит кого-то равнодушным. В нашем обзоре интереснейшие образцы деревянного зодчества, рассматривать которые можно бесконечно.
Такими были оконные наличники до 17-го века.
Резные наличники в русских домах всегда были не только эстетическим элементом, но и оберегом, который был призван оберегать дом от проникновения в него «тьмы и навьев». Поэтому главными мотивами резьбы было изображение природных сил - "тверди небесных", "хлябей небесных" и Солнца, встречались и реалистичные изображения животных.
Оформление окна дома - своеобразная картина мира. В верхней части небо, которое в славянских поверьях было 2-уровневым: «нижнее небо» называли «небесными хлябями», а верхнее – «небесной твердью». Небесная хлябь – символ плодородия и живительной влаги - изображается как волнистая линия или отчетливые полукружья и могла «стекать» по краям окна, изображаясь в виде капелек.
Наличник как оберег.
Нижняя часть деревянного наличника должна была символизировать «твердь земную», а поэтому часто имела изображения вспаханного и засеянного поля (ромбы с точками внутри и двойные перекрещивающиеся полосы). Боковые части наличника называли «полотенцами».
Все части наличника соотносятся со сторонами света и с временами года, а при нанесении на них определённых символов важную роль отыгрывает местоположение самих символов.
Так, самым. Пожалуй, частым, является размещение на всех частях наличника солярных символов. Как правило, для изображения солнца использовали ромб. Он мог помещаться в любой части наличника, а иногда и сразу и сверху, и справа, и слева, и даже внизу. В такой комбинации символ обозначал смену времён года и дня и ночи. В нижней же части наличника ромб (вытянутый) обозначал поле.
Солнышко садится и снова восходит.
Солнце изображалось на наличниках и как равносторонний крест, так называемый «глаз с неба» (как правило, в верхней части наличника), и как небольшой полудиск с лучами. Для древних славят Солнце ассоциировалось с энергией, мощью, силой, было оберегом против всякой нечисти. Такие изображения отражают и представления славян о мироустройстве – в центре солнце, олицетворяющее высшую силу и дарующее жизнь. Правда, в наличниках советского времени солнце заменил «цветочек» или пятиконечная звезда.
Почти хохлома.
Не менее важны в украшении наличников и громовые знаки, традиционно сопровождающие Солнце. Выглядит громовой знак как 6-уголная или 8-уголная звезда, вписанная в круг. Славяне называли этот символ громовым или Перуновым знаком, громовым колесом или коловратом. Этот знак – символ мужества, доблести и магический знак русского воинства. Иногда этот знак обозначал смену дня и ночи.
Утончённая
Встречаются на наличниках и реалистичные изображения птиц (утки и лебеди) и лошадей. В славянской мифологии конь был «носителем» солнечного диска. Поэтому его изображали в верхней части наличника, а птиц, уносивших солнце на закате – в нижней части.
Почти сказочное окошко.
Рассматривая наличники, можно увидеть много интересного, но при этом стоит всегда помнить, что трактовки изображений в разных регионах России могут быть совершенно разными, что связано с историей, последующим перениманием и адаптацией к собственной культуре разными народами.
Из всех видов уральской росписи лаковая роспись по металлу имеет в наши дни больше всех продолжателей и самую громкую славу за пределами региона. Главным фактором, который повлиял на становление уральской живописи, стало развитие горнозаводской промышленности в начале XVIII века: тогда появилась новая техника, связанная с обработкой металла. В это же время появилась лаковая роспись по металлу, родиной которой считается Нижний Тагил.
Металл – лучшая «почва» для розы
Мы отправляемся туда, чтобы встретиться с мастерами, которые сегодня сохраняют традиции и продолжают развивать это искусство. «Тагильская артель», которая сегодня относится к одному из подразделений «Евраз НТМК», – это группа из шести художниц-росписисток, каждая из которых уже более 20 лет занимается этим промыслом. Их цех находится на территории Старого Демидовского завода. Поднимаемся по чугунной лестнице демидовских времён – и мы в цеху по изготовлению знаменитого тагильского подноса. На стенах – изделия разных форм, размеров и сюжетов. Но только треть всех подносов здесь посвящена знаменитой тагильской розе. Остальное – сюжетная роспись.
– Наша тагильская роспись начиналась не с цветов, как многие думают, – рассказывает одна из художниц Светлана Попова, не отрываясь от работы. – Сначала была сюжетная роспись. За основу брались привозные картинки, которые продавались на Нижегородской и Ирбитской ярмарках. В основном это были сцены из барской жизни, пасторали, библейская тематика. Что барин заказывал, то и выполняли, а точнее, срисовывали. В музеях есть подносы, где скопированы узнаваемые картины художников XVIII-XIX веков. Есть поднос со слонами: естественно, художники живьём их не видели, но на ярмарке была какая-то картинка с ними – так вот, на подносе они как столбики, очень смешно. У этих художников ещё не было образования, писали по наитию. А вот у знаменитых Худояровых* художественное образование уже было…
*Четыре поколения Худояровых прославились росписью подносов и секретом «стеклянного» лака. Родоночальник – Андрей Худояров (1722-1804)
Первые изделия, связанные с деятельностью семьи Худояровых, появляются в 1770-х годах. В то время Демидовы построили листобойный цех – научились делать тонкий металл, сюда за ним приезжали даже из Европы, потому что не могли освоить эту технологию. А когда этого металла стало много, начали делать столики, другие изделия – это была прекрасная реклама демидовского металла.
В 1806 году Николай Никитич Демидов открывает в городе живописное училище, а в качестве преподавателя приглашает выпускника батального класса Императорской академии художеств. Зачем это было нужно Демидовым? Опять же для рекламы. В этот период начинается острая конкуренция уральского металла с западно-европейским – более дешёвым, но менее качественным.
Тагильский поднос сегодня отличает фирменный фон - с помощью бересты мастера делают «чернь» - коптят слой краски, для того чтобы добиться необычного эффекта. Процесс очень трудоёмкий, художники «Тагильской артели» практически единственные, кто это делает. Фото: Наталья Шадрина
– Сначала в живописной школе обучались только мальчики, – подхватывает художница Надежда Петухова, – они рисовали разные сюжеты. Но сюжетная роспись была дорога, и чтобы
упростить и удешевить изделия – придумали цветы, к ним стали допускать и девочек – их называли писаки.
К началу XX века случился полный упадок промысла. В этот момент набрали силу мастера жостовского подноса (деревня Жостово Московской области). В 1929 году с жостовским мастером даже был подписан договор о том, что он приедет на Урал и будет обучать тагильчан – и это при том, что изначально тагильские подносы и старше, и совершеннее. Специалисты говорят, что это была даже не жостовская, а московская, при том не самого лучшего качества, роспись. Только представьте, на Урале она культивировалась на протяжении 50 лет…
– В 1974 году вышло поставление ЦК КПСС «О народных художественных промыслах», – рассказывает Александр Максяшин, ведущий эксперт Свердловского областного художественно-экспертного совета при правительстве Свердловской области по декоративно-прикладному искусству, художественным промыслам и ремёслам. – В связи с чем сотрудники московского Научно-исследовательского института художественной промышленности ездили по всей стране и курировали разные виды промыслов. На Урал приехал Василий Барадулин – исследователь урало-сибирской росписи по дереву и бересте. Здесь он познакомился с лаковой росписью по металлу и понял: традиционную уральскую роспись нужно возрождать, пока ещё не стало совсем поздно – в цеху завода «Эмальпосуда» осталась всего одна мастерица, которая владела умением выписывать знаменитый двухцветный мазок – Агриппина Афанасьева…
Агриппина передала секреты своим ученицам и исследователям, и исконно уральская роспись стала возрождаться. В подносном цеху завода «Эмальпосуда», где в те годы трудились более 150 человек, творческая группа работала над разнообразием цветков, фруктов, ягод, птиц, орнамента, разрабатывала колористику и композицию. Ввели цветной фон (раньше он был только чёрный), что вызвало ещё больший интерес к новым изделиям. Слава о тагильском подносе зазвучала на всю страну.
Бренд или обуза?
Очередной спад промысла, который длится и по сегодняшний день, пришёлся на начало 90-х.
Сейчас в Нижнем Тагиле росписью подносов занимаются четыре фирмы, самая большая из которых – как раз «Тагильская артель» (6 художников). На самом деле мастеров, владеющих уникальной техникой лаковой росписи по металлу, гораздо больше, но рабочих мест для них нет. Впрочем, и «Тагильская артель» переживает сегодня свои худшие времена. Здание, в котором она располагается, принадлежит администрации города, и сейчас решено мастеров оттуда переселить в цеха предприятия «Евраз НТМК». Пока артель находилась на Старом Демидовском заводе, у художников была возможность проводить мастер-классы, водить экскурсии по своему цеху, а главное – продавать изделия туристам, которых тут много. На металлургическом комбинате – жёсткая пропускная система, а это значит, что посторонние (экскурсионные группы, покупатели) в цех не попадут.
Не говоря уже о том, что из-за оптимизации на предприятии артель лишают ещё двух рабочих мест – что опять же будет губительно для мастерской, ведь как и в любом промысле – каждый здесь отвечает за определённый участок работы.
Мастера надеются лишь на то, что власти, которые считают тагильский поднос брендом и гордостью города, услышат их, и оставят на прежнем месте. А ещё включат эту замечательную мастерскую (куда и раньше с удовольствием приезжали гости со всей страны и мира) в туристический маршрут нашей области. Это будет первым шагом к формированию рынка сбыта…
Тонкости росписи
В «Тагильской артели» мастера осуществляют все этапы создания тагильского подноса. Сегодня это редкость, поскольку в основном художники рисуют на дому, а сушить и лакировать подносы приходят в артель.
– Мы с Ириной Заруцкой учились в одной группе в училище у Агриппины Васильевны Афанасьевой, поясняет Надежда Петухова. – Она нам показывала, как краску правильно набирать, как кисть готовить, как писать эту знаменитую тагильскую розу и как собирать сам букет. Самое главное – живопись должна выполняться в несколько приёмов – или прописок, а после каждого следующего слоя идёт просушка и зачистка – по традиции многослойность чувствоваться не должна.
– Кисти мы храним в морозилке, чтобы не высохли, – возвращается с инструментами и палитрой художница Ирина Заруцкая. – А ещё, когда новую кисточку берёшь, обмакиваешь её в растительное масло – нужно сидеть и выбирать жёсткие ворсинки – это тоже Агриппина Васильевна учила, – вот так выискиваешь жёсткую ворсинку, прижимаешь её кончиком и вытаскиваешь. И так каждую кисточку – а для работы их нужно 15 минимум. У кисточки есть острый кончик и пяточка – это обязательно. На кончик – светлую краску, на пяточку потемнее. Это и есть знаменитый уральский двухцветный мазок, который одновременно и форму строит и пишет бликовку – придаёт объём.
– Кроме двухцветного мазка от изначальной примитивной росписи не осталось практически ничего, – продолжает Ирина Заруцкая, – Не потому, что не умеют, а потому, что искусство должно развиваться. Поначалу мы так и рисовали три цветочка, причём той краской, которая просто была на заводе – как правило, синей, зелёной и красной. Жёлтую краску, например, было практически не достать. А сейчас – глаз радуется, какую красоту порой девчонки пишут. Если бы роспись не развивалась, не появилась бы на наших подносах и знаменитая рябинка. Ведь в 80-х придумала её художница из нашего цеха – Тамара Юдина. Теперь все думают, что это традиционный узор.
Продолжаем цикл публикаций об уральской росписи. Пожалуй, самая богатая коллекция урало-сибирской росписи по дереву в нашей области находится в Музее-заповеднике деревянного зодчества и народной культуры в Нижней Синячихе. Там и белая горница, и деревянные панно, и расписные предметы быта. Но, как говорят эксперты, Синячиха сегодня славится только музейными экспонатами, а вот действующих мастеров там нет. Остались они лишь в Туринске, который, кстати, искусствоведы называют одним из главных центров росписи на Урале.
У Галины Тумановой было много учеников, но поскольку промысел сегодня почти не приносит прибыли, художники не продолжают заниматься росписью. Фото: Алексей Кунилов
О росписи узнали от… декабристов
Живописный промысел в Туринске сложился в первой половине XVIII века. Туринские живописцы и иконописцы (многие из которых были староверами) стали известны по всей Западной Сибири. А кроме оформления церквей, писания икон и портретов, они занимались росписью домов, утвари, шкатулок и подносов… Причём эксперты утверждают, что, помимо росписи по дереву, в Туринске раньше была и роспись по металлу.
– Самым первым заводом по лаковой росписи по металлу на Урале был завод Алексея Турчанинова, что находился под Соликамском, – рассказывает Александр Максяшин, ведущий эксперт Свердловского областного художественно-экспертного совета при правительстве Свердловской области. – Он канул в Лету в конце XVIII столетия. В Талице была Меднопосудная фабрика, где мастера чеканили и расписывали посуду. Правопреемником этих предприятий и является Нижний Тагил. А третьим центром росписи на Урале был Туринск – тогда он относился к Тобольской губернии. Там не было ни железоделательного производства, ни медного. Но роспись по металлу была. Об этом мы узнали из писем декабристов, которые находились в Туринске в ссылке в первой половине XIX века. Один из них написал родственникам, что решил заказать расписную шкатулку у местного мастера, а тот ему отказал, поскольку был очень занят заказом для одного господина из Санкт-Петербурга. Росписью по металлу в Туринске занимались семьи иконописцев Козловых и Силиных. Металл покупали или на ярмарке в Ирбите, или напрямую в Тагиле. Это были единичные вещи, которые находились только в частных коллекциях…
Что же касается росписи по дереву, то она в Туринском районе была очень развита. Расписывали в основном дома – стены, простенки между окнами…
Игрушки экспортировали в 16 государств
Чтобы поговорить с действующими мастерами и увидеть работы своими глазами, мы отправились в Туринск. Там встретились с Галиной Тумановой, которая сегодня является практически единственным носителем урало-сибирской росписи по дереву в нашей области. Она же на протяжении 20 лет была главным художником Туринской фабрики детской игрушки.
– Я пришла на фабрику в 1966 году, – вспоминает Галина Ивановна. – На тот момент уже более 10 лет образцы росписи собирал Василий Барадулин (о нём мы упоминали в предыдущих публикациях) – исследователь урало-сибирской росписи по дереву и бересте. В то же время он познакомился с Иваном Даниловичем Самойловым (создателем музея в Нижней Синячихе). Так вот, на нас они вышли, когда технику уральской росписи им уже удалось восстановить. А первый семинар по урало-сибирской росписи сотрудники Научно-исследовательского института художественной промышленности провели у нас в 1969-м.
После двух лет отрабатывания техники
Галину Туманову отправили учиться в Абрамцевское художественно-промышленное училище (Московская область). Окончив его, она вернулась на родину и в 1975 году стала главным художником фабрики.
Первая точёная игрушка на Туринской фабрике появилась в 1953 году, до этого там было развито в основном мебельное производство. А в 1966 году начался выпуск сувениров и изделий с урало-сибирской росписью. Роспись была графическая – простые мазки, сравнительно небольшой набор красок…
Со временем роспись становилась всё богаче и сложнее. Художники работали в две смены – их было больше 70 человек. За время работы фабрики появилось более 350 видов игрушки и сувенирной продукции…
– К 1986 году у нашей фабрики был шикарный потенциал, – делится Александр Меновщиков, создатель студии авторских работ «Туринский сувенир». – Только представьте, экспортировали игрушки в 16 государств, из которых социалистическими были лишь Югославия и ГДР, остальные – это Норвегия, Франция, Англия, Канада, Испания и другие.
– К нам на фабрику пришёл заказ от итальянского миллионера, – подхватывает Галина Ивановна. – Он просил сделать по два вида разных игрушек. Сейчас говорят, что это легенда, а мне смешно – ведь я сама их расписывала. Делали мы и сувениры к Олимпиаде-80, а за игрушку-танк в 1982 году я получила бронзовую медаль ВДНХ…
Солдатик вместо матрёшки
Последний человек с Туринской фабрики был уволен в 2000 году. И промысел мог бы угаснуть. Но недаром говорят, что глубинка живёт энтузиастами. Неравнодушный предприниматель Александр Меновщиков, который в то время занимался туризмом, понял, что если не начать восстанавливать производство, технологии могут быть утрачены…
– Всё началось с туризма, – рассказывает Александр.
– Гости из разных городов приезжали и просили показать им знаменитую Туринскую фабрику детской игрушки и наши сувениры. А показывать было нечего… Тогда мы начали долгий путь по восстановлению промысла. Сначала просто ездили по району, искали художников, кто работал на фабрике и ещё может расписывать. Проводили выставки, мастер-классы, ездили на фестивали, воодушевлялись. Но оказалось, не всё так просто. Чтобы работать, мастерам нужно помещение, оборудование, а продукцию необходимо сбывать…
Удивительно, но богатырь из серии «Баталии» появился благодаря... «Областной газете». Дело в том, что в материале Откуда на хохломе караси? журналист назвал одну из игрушек «солдатик-матрёшка». Мастера сначала недоумевали – «Ну это же просто солдатик! При чём тут матрёшка? Как можно было так написать?», а потом задумались – почему бы и нет? Хорошая же идея, оригинальная...
С тех пор прошло три года, и пока художники и токари продолжают работать у себя на дому. Александр же мечтает создать студию, где можно было бы и работать, и мастер-классы для желающих проводить. И пример такой студии есть в Нижних Таволгах – там семья Масликовых успешно занимается гончарным делом.
А пока в Туринске художники работают над новыми сувенирными формами.
– Нам важно занять свою нишу, – продолжает Александр Меновщиков. – По заказу мы сделали деревянного солдатика – и ведь прижилось, их у нас покупают иностранцы и продают у себя за три евро. Раньше наша фабрика выпускала матрёшку. Но сейчас её производством занимаются 42 фабрики в Китае – они охватили 90 процентов рынка России и ЕС. При таком раскладе нам на рынке делать нечего. Но мы ищем свои формы.
Сейчас работаем над проектом «Сундучок «Уральские сказы» – это набор развивающих игр и игрушек для детских садов. Также мы сделали настольный театр «Уральские сказы», набор игрушек по образам горожан «Город Семицветов» и многое другое.
Все мастера отмечают: сегодня необходимо, чтобы заработали законы, связанные с народными промыслами. Закон о поддержке народно-художественных промыслов Свердловской области был принят 15 июня 2013 года. Но должно пройти время, чтобы он заработал в полную силу – особенно в вопросах, касающихся рынка сбыта и снижения налогов. Это, по мнению ремесленников, главные проблемы, которые тормозят развитие отрасли.
Тонкости росписи
Поначалу на фабрике делали самую простую роспись – цветы, ягодки, листочки. Позже художники начали работать над её обогащением. Галина Туманова вспоминает, как работала над птичкой (довольно популярный рисунок для урало-сибирской росписи), чтобы она была не плоской и одноцветной, а объёмной – живой…
– Для росписи по дереву требуется плоская кисточка, у меня она из искусственного японского волоса. Когда мы начинали, Барадулин привозил нам очень дорогие кисточки из колонка (вид хищных млекопитающих из рода ласок и хорей)… Но на самом деле не так важно, какая кисточка, главное – как ты её настроишь. Воду нужно брать чуть-чуть кончиком, она сразу растекается по кисточке. Наберёшь много – ничего не получится, мало – не хватит размаха. Краска используется масляная, её нужно развести так, чтобы была не густая и не жидкая… А чтобы получился красивый двухцветный ровненький, практически идеальный мазок, нужно сделать плавный переход – с края тёмный, потом бледнее и переходящий в белый. Каждый мазок нужно набирать снова и снова.
Для приписок используются уже беличьи кисти. Приписки завершают образ, придают рисунку объём.
Что касается изготовления игрушки, то это сложный процесс. На фабрике была бригада, которая заготавливала древесину. Потом токари вытачивали фигурки (на фабрике работало более 40 токарей). Затем шлифовка, механическая покраска, окунание и галтовка. Знаете, что такое галтовка? Это когда в барабан кладутся довольно мелкие детали, заливается краска, и барабан крутится – пока не прокрасятся. После того как игрушка будет готова, её обсуждают на совете фабрики, потом на худсовете в Екатеринбурге. Далее проверка СЭС – там игрушки кидают, обмакивают, проверяют на вредность. Чтобы пройти все стадии утверждения, мне нужно было сделать 10 экземпляров каждой игрушки. Представляете, если это были десятиместные матрёшки – 100 штук расписывать приходилось… И только потом изделия попадали к детям.
