Дата: Воскресенье, 06.04.2014, 10:28 | Сообщение # 16
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
И, пожалуй, самое известное произведение И.Штрауса (сына) - вальс "Сказки венского леса". В очень хорошем исполнении.
Добавлено (13.02.2014, 16:23) --------------------------------------------- Катю́ша— популярная русская песня.
Автор музыки — Матвей Блантер, автор слов — Михаил Исаковский. Впервые исполнена 27 ноября 1938 года Валентиной Батищевой в Колонном зале Дома Союзов под аккомпанемент оркестра Виктора Кнушевицкого. Есть версия, что именно из-за этой песни советские солдаты во время Второй мировой войны дали прозвище «Катюша» боевым машинам реактивной артиллерии серии «БМ»
Существует множество переводов и альтернативных текстов этой песни на разных языках. В Италии это «Катарина» и «Fischia il vento» («Свистит ветер»), в Израиле — «Катюшка» (впоследствии переведенная на французский под названием «Казачок» (Casatschok) израильской певицей Рикой Зарай и, в дальнейшем, спетая на немецком и итальянском языках Далидой).
Добавлено (21.02.2014, 10:38) --------------------------------------------- Пётр Ильи́ч Чайко́вский считается одним из величайших композиторов в истории музыки. Автор более 80 произведений, в том числе десяти опер и трёх балетов. Его концерты и другие произведения для фортепиано, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), четыре сюиты, программная симфоническая музыка, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», более 100 романсов представляют чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру.
«Щелку́нчик»— балет Петра Чайковского в двух актах на либретто Мариуса Петипа по мотивам сказки Э. Т. А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король».
«Щелкунчик» занимает особое место среди поздних произведении П. И. Чайковского. "Вальс цветов" из этого балета - гениальное музыкальное произведение.
Добавлено (01.03.2014, 09:47) --------------------------------------------- Танго— аргентинский народный танец; парный танец свободной композиции, отличающийся энергичным и четким ритмом. Изначально исполнялся исключительно мужчинами.
Изначально получил развитие и распространение в Аргентине, затем стал популярен во всем мире.
Ранее танго был известен как танго криольо. Сегодня существует много танцевальных стилей танго, в том числе аргентинское танго, уругвайское танго, бальное танго (американского и международного стиля), финское танго и старинное танго. Аргентинское танго зачастую рассматривается как «аутентичное» танго, поскольку оно ближе к изначально танцевавшемуся в Аргентине и Уругвае.
Музыка и танцевальные элементы танго популярны в деятельности, связанной с танцами, гимнастикой, фигурным катанием на коньках, синхронным плаванием и др.
«Кумпарси́та» — танго, одно из самых известных произведений этого жанра.
Добавлено (06.03.2014, 19:35) --------------------------------------------- Луи́ А́рмстронг — американский джазовый трубач, вокалист и руководитель ансамбля. Оказал (наряду с Дюком Эллингтоном, Чарли Паркером, Майлсом Дейвисом и Джоном Колтрейном) наибольшее влияние на развитие джаза и много сделал для его популяризации во всем мире.
Hello, Dolly! — песня, написанная Джерри Херманом в 1963 году для одноимённого мюзикла, получившая мировую известность после исполнения её Луи Армстронгом, выпустившего её на сингле. В 2001 году песня была введена в Зал славы Грэмми.
В декабре 1963 года в целях создания рекламы для мюзикла, премьера которого должна была состояться 16 января 1964 года, Луи Армстронг по инициативе его продюсера, записал демо-версию песни. Премьера мюзикла стала весьма успешной и Kapp Records выпустила демо-версию песни синглом. Успех песни привёл к тому, что даже сам мюзикл, изначально называвшийся Dolly, A Damned Exasperating Woman, был переименован в Hello, Dolly!.
Hello, Dolly! стала самой известной песней Луи Армстронга. Песня 9 мая 1964 года поднялась до первого места в Billboard Hot 100. Луи Армстронг в 63 года стал самым пожилым исполнителем песни, добравшейся до 1 места в хит-параде Биллборда. Также песня с 28 марта по 23 мая 1964 года занимала первое место в течение 9 недель в Adult contemporary chart.
Песня была включена в полноценный альбом Луи Армстронга, который также назывался Hello, Dolly!, который был выпущен в 1964 году и достиг «золотого» статуса. В 1965 году Hello, Dolly! получила премию Грэмми как песня года, а Луи Армстронг с этой песней получил Грэмми за лучший мужской вокал.
Добавлено (16.03.2014, 09:53) --------------------------------------------- Неаполитанская песня– это не просто какой-то музыкальный жанр, это особый пласт итальянской культуры, зародившийся, как это ясно из самого термина, в Неаполе. Известная ещё с 13-го века, неаполитанская песня, отличавшаяся особой лиричностью, напевностью и определённой изящностью, прочно вошла в жизнь не только самих итальянцев, но и буквально взорвала музыкальный мир в 20-м веке благодаря стараниям Энрико Карузо, Беньамино Джильи и Робертино Лоретти, включивших лучшие неаполитанские песни в свой репертуар.
Неаполитанская песня начала 30-х годов 20-го века «Скажите, девушки, подружке вашей» с успехом исполняется всеми великими тенорами мира.
Авторы: Родольфо Фальво Энцо Фуско.
Величайший русский тенор Сергей Лемешев познакомил россиян с этой удивительно романтической песней.
Серге́й Я́ковлевич Ле́мешев — русский советский оперный певец (лирический тенор) и оперный режиссёр, педагог. Народный артист СССР. Лауреат Сталинской премии второй степени.
Добавлено (18.03.2014, 21:08) --------------------------------------------- Ещё одна потрясающая вечная неаполитанская песня "Вернись в Сорренто". Написана в 1902 году Эрнесто де Куртисом (музыка) и Джамбаттистой де Куртисом, братом композитора. Песня приобрела широкую известность и исполнялась на разных языках.
Добавлено (23.03.2014, 19:42) --------------------------------------------- «’O sole mio» — неаполитанская песня, написанная в 1898 г. Эдуардо ди Капуа (музыка) и Джованни Капурро (слова). Песня также была переведена на множество языков и известна под разными названиями.
Эту песню исполняли такие певцы, как Беньямино Джильи, Далида, Энрико Карузо, Марио Ланца, Лучано Паваротти, Пласидо Доминго, Андреа Бочелли, Патрицио Буанне, Франко Корелли, Робертино Лоретти, Кристофер Ли. Среди российских современных исполнителей можно отметить Александра Градского, Хор Турецкого, Муслима Магомаева, Николая Баскова, Сергея Пенкина, Витаса. Из исполнителей песни на русском языке следует отметить Михаила Александровича. Луча́но Паваро́тти— итальянский оперный певец (лирический тенор), один из самых выдающихся оперных певцов второй половины XX века.
Добавлено (06.04.2014, 10:28) --------------------------------------------- Лю́двиг ван Бетхо́вен— немецкий композитор и пианист, представитель «венской классической школы».
Бетховен — ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее уважаемых и исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии. Творчество Бетховена оказало значительное воздействие на симфонизм XIX и XX веков.
Лунная соната
Случилось это в 1801 году. Угрюмый и нелюдимый композитор полюбил. Кто же она, покорившая сердце гениального творца? Милая, по-весеннему прекрасная, с ангельским личиком и божественной улыбкой, глазами, в которых хотелось утонуть, шестнадцатилетняя аристократка Джульетта Гвиччарди. Отвергнув Бетховена, вдохновительница «Лунной сонаты» вышла замуж за посредственного музыканта, молодого графа Галленберга, и отправилась с ним в Италию.
«Лунная соната» должна была стать обручальным подарком, с помощью которого Бетховен рассчитывал убедить Джульетту Гвиччарди принять его предложение руки и сердца
«Лунная соната» первоначально называлась «Сонатой садовой беседки», после публикации Бетховен дал ей и второй сонате общее определение «Quasi una Fantasia» (что можно перевести как «Соната-фантазия»); это дает нам ключ к пониманию настроения композитора того времени. Бетховен отчаянно хотел отвлечься от мыслей о надвигающейся глухоте, в то же самое время он встретил и полюбил свою ученицу Джульетту. Знаменитое название «Лунная» возникло практически случайно, его дал сонате немецкий романист, драматург и музыкальный критик Людвиг Рельштаб.
Самого Бетховена раздражала неслыханная популярность его «Лунной сонаты». «Все только и говорят, что о до-диез-минорной сонате! Я же писал лучшие вещи!», - сердито сказал он однажды своему ученику.
Джо Дассе́н(Джо́зеф А́йра Дассе́н) — французский певец, композитор и музыкант американского происхождения.
Джо Дассен был не просто певцом. Он стал общественным феноменом. Однажды и навсегда. Голос Дассена — приятный баритон хрипловатого тембра, с тёплыми, интимными интонациями. Исключительная музыкальность позволяла Дассену тонко чувствовать вокализацию европейских языков, на которых он пел, насыщать материал песни разнообразными интонациями. Большой певческий талант сочетался у Дассена с врождённым артистизмом и выигрышной сценической внешностью — стройной гибкой фигурой, красивыми пышными волосами, мужественным и обаятельным лицом с богатой мимикой. Дассен обладал тонким художественным вкусом и чувством стиля, был весьма элегантен на сцене. Голос и внешний вид певца прекрасно ложились на киноплёнку и аудиозаписи. В результате Дассен остался одним из выдающихся мастеров шансона. С 1981 по 1985 год в музыкальных магазинах было много дисков Джо, особенно в 1982, когда вышел сингл «À mon fils» и в 1983, когда CBS переиздала «L'été indien» и «À toi», не говоря уже о многочисленных сборниках и переизданиях альбомов. В 1990 году появился первый лазерный сборник, «Une heure avec Joe Dassin». Жак Пле и Мариз Массьера написали книгу о Джо Дассене. Вскоре на компакт-дисках вышли альбомы Джо и первая полная коллекция на 9 дисках, а также сборник видеозаписей, сингл «L'été indien» и мегамикс.
Добавлено (16.04.2014, 17:28) --------------------------------------------- ВЕЧНАЯ ЛЮБОВЬ - Мирей Матье и Шарль Азнавур.flv
«История любви»— кинофильм в жанре любовной драмы, снятый режиссёром Артуром Хиллером в 1970 году. Экранизация одноимённого романа Эрика Сигала. Лента получила премию «Оскар» за лучшую музыку, ряд других наград и номинаций. Фильм, широко известный своим трагизмом, входит в 100 самых страстных американских фильмов за 100 лет по версии AFI. «История любви» — мелодрама, рассказывающая о любви бедной студентки Дженнифер и наследника известной и богатой фамилии Оливера. Фильм позволяет окунуться в атмосферу 1970-х, под завораживающую музыку Франсиса Лэя пройтись дорожками студенческого городка, заставляет задуматься о простых и истинных ценностях жизни.
Франсис Ле (Фрэнсис Лэй)— французский композитор и исполнитель. Саундтрек к кинофильму «История любви» стал классикой киномузыки.
Дата: Воскресенье, 18.05.2014, 19:28 | Сообщение # 19
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
«Casta Diva», Каватина Нормы — ария из оперы Винченцо Беллини «Норма» (1831).Одна из наиболее знаменитых и сложных для исполнения итальянских арий для сопрано.
Партия Нормы — одна из самых трудных в репертуаре сопрано. В течение XX века лишь несколько певиц обладали достаточными умениями, чтобы справиться с нею — Роса Понселле (в начале 1920-х), затем Монсеррат Кабалье, Джоан Сазерленд, Галина Вишневская и Лейла Генчер (в 1960-х). В XXI веке исполнялась Анной Нетребко. Мария Каллас была самой знаменитой Нормой. Оперная дива отождествляла себя с этой героиней. «Белинни сочинил Норму для меня» — любила говорить она. Она исполняла её 89 раз.
Мария Каллас — греческая и американская певица, одна из величайших оперных певиц XX века. С самого начала выступала как драматическое колоратуро, позже — как лирико-драматическое сопрано, в последние годы жизни стала исполнять партии меццо-сопрано.
Взлёту карьеры Каллас в середине XX века сопутствовало появление в звукозаписи долгоиграющей пластинки и дружба с видным деятелем звукозаписывающей компании EMI Вальтером Легге.
Приход на сцену оперных театров нового поколения дирижёров, таких как Герберт фон Караян и Леонард Бернстайн, и кинорежиссеров, таких как Лукино Висконти и Франко Дзеффирелли, сделал каждый спектакль с участием Марии Каллас событием. Она превратила оперу в настоящий драматический театр.
Ви́ктор Цой — советский рок-музыкант, автор песен и художник. Основатель и лидер рок-группы «Кино», в которой пел, играл на гитаре, писал музыку и стихи. Снялся в нескольких фильмах. «Кино» собирали аншлаги на всех концертах.
Песни Цоя остаются популярны среди молодёжи по сей день. Считается, что смерть Цоя даже способствовала популярности «Кино», создав своего рода культ трагически погибшего героя. В Санкт-Петербурге в июле 2009 года был временно установлен памятник Виктору Цою. Гипсовая скульптура, изображающая музыканта сидящим на мотоцикле, была установлена на Невском проспекте, напротив кинотеатра «Аврора» На месте гибели Виктора Цоя, на 35-м км шоссе Слока — Талси, установлен памятник Виктору Цою высотой 2 метра 30 сантиметров В Кривоарбатском переулке (Москва) появилась «стена Цоя», которую поклонники группы исписали надписями «Кино», «Цой жив», цитатами из песен и признаниями в любви музыканту.
Удачная песня запросто может начать жить своей жизнью, неподвластной воле автора. Она обрастает легендами, трактуется на все лады, а порой становится гимном какой-нибудь группы единомышленников или целого поколения. Интересно, что создатель, даже если он не рад происходящему, ничего уже изменить не может, сколько бы ни пытался объяснить, какой смысл он вкладывал в слова или при каких обстоятельствах написал композицию.
Такой стала история песни «Перемен» («Хочу перемен!») рок-группы «Кино». Виктор Цой сочинил ее в начале 1985 года и впервые исполнил на четвертом фестивале Ленинградского рок-клуба.
Там ее услышал режиссер Сергей Соловьев, которому нужен был музыкант для выступления в заключительной сцене фильма «Асса».
Далее грянула перестройка, в стране произошли крутые изменения. Фраза «Мы хотим перемен» из песни, которую весь Советский Союз услышал в «Ассе», приобрела особый смысл.
Песню «Перемен» использовали политические партии, общественные организации, народные движения и участники акций протеста.
Журнал “Time Out” включил ее в список «100 песен, изменивших нашу жизнь», а в рейтинге ста лучших песен русского рока в двадцатом веке, который составили слушатели «Нашего радио», она занимает 28-ое место.
Ба́рбра Стре́йзанд — американская певица и актриса, также достигшая успеха как композитор, режиссёр, продюсер и политический активист. Обладательница двух «Оскаров» в номинациях «Лучшая актриса» и «Лучшая оригинальная песня», а также премий «Эмми», «Грэмми» и «Золотой глобус».
Ее дискография насчитывает 47 золотых альбомов (это больше, чем у Beatles или Rolling Stones), из которых 28 стали платиновыми, а 13 - мультиплатиновыми. Первая из женщин она получила Oscar как композитор - за главную тему "Evergreen" из кинофильма "A Star Is Born" (1976). Ее дебютная сольная пластинка "The Barbra Streisand Album" выиграла две награды Grammy в 1963 году (в том числе как лучший альбом), а 20-летняя Барбра оказалась самой юной получательницей премии на тот момент. Когда американцам предложили назвать обладателей лучших голосов 20 столетия, они были единодушны в своем выборе: среди мужчин первым остается Фрэнка Синатра, среди женщин - Барбра Стрейзанд. Стрейзанд считается одной из наиболее коммерчески успешных женщин современного шоу-бизнеса. Это единственный исполнитель, возглавлявший со своими альбомами Billboard 200 в 1960-е, 1970-е, 1980-е, 1990-е и 2000-е годы. Всего в мире разошлось более 145 млн экземпляров её пластинок.
В карьере Барбры Стрейзанд огромное количество замечательных песен, но одной из лучших является "Woman in love", вышедшая в 1980 году, которая стала уже практически классической песней.
Мусли́м Магоме́тович Магома́ев-советский, азербайджанский и российский оперный и эстрадный певец (баритон), композитор, актёр. Народный артист СССР (1973).
Голос Магомаева — лирико - драматический баритон. Талант и профессионализм Магомаева позволили ему шагнуть далеко за пределы обычного баритонового репертуара. Так, например, при исполнении русской народной песни «Вдоль по Питерской» («коронного» номера Ф. И. Шаляпина) голос Магомаева звучит как бас. Магомаев спел куплеты Мефистофеля из оперы Ш. Гуно «Фауст» (предназначенные для баса) и артистично воссоздал этот образ на сцене. В неаполитанских песнях «Вернись в Сорренто», «Скажите, девушки», «Влюблённый солдат» и др. голос Магомаева имитирует теноровую технику пения. Магомаев был талантливым пародистом, в частности, он записал вокальные партии Трубадура, Сыщика и Атаманши в мультфильме Ю. Энтина и В. Ливанова «По следам бременских музыкантов».
Кроме прекрасной техники вокала, Магомаев обладал чрезвычайно выигрышной сценической внешностью и манерами. Элегантный, красивый, высокий, всегда стройный и подтянутый, с царственной осанкой, в элегантном чёрном костюме, с длинными ногами, с крупными цепкими кистями пианиста, с пронзительным взглядом горящих чёрных глаз, он при появлении на сцене моментально завладевал вниманием всех зрителей. Стиль пения Магомаева — это всегда точная подача и филировка звука, чёткая дикция, тщательное построение вокальной фразы, точно угаданное настроение песни. Палитра динамических оттенков чрезвычайно богатая, от строго академической, патетической и торжественной до сентиментальной и даже интимной манеры. Магомаеву органически присуще благородство, огромное внутреннее достоинство, сочетающееся с ярко выраженным холерическим темпераментом. Будучи всесторонне образованным человеком высочайшей художественной культуры, Магомаев прекрасно понимал национальную специфику любой песни — русской, итальянской, немецкой, азербайджанской.
«Журавли»— песня на стихи Расула Гамзатова в переводе на русский язык Наума Гребнева. Композитор Ян Френкель. Песня посвящена солдатам, погибшим в Великой отечественной войне.
Песня стала очень популярной и в последующем исполнялась многими артистами.
Через несколько лет после появления песни «Журавли» в СССР, в местах боёв 1941—1945 годов, стали возводить стелы и памятники, центральным образом которых были летящие журавли. Так, журавли из песни стали символом памяти о погибших в Великую Отечественную войну, например Памятник «Журавли» в Саратове или мемориал «Журавли» в Санкт-Петербурге.
Дата: Воскресенье, 06.07.2014, 10:45 | Сообщение # 23
!!!!!!!!!!
Группа: Модераторы
Сообщений: 7357
Статус: Оффлайн
Хиты всех времен
Scorpions - Still Loving You
Scorpions — легендарная немецкая рок-группа, основана в 1965 году в Ганновере. Для стиля группы были характерны как классический рок, так и лирические гитарные баллады. Является самой популярной рок-группой Германии и одной из самых известных групп на мировой рок-сцене, продавшей более 100 миллионов копий альбомов (по состоянию на 29 января 2010).
Наиболее известными композициями группы считаются: «Still Loving You», «Rock You Like a Hurricane», «Wind of Change» и «Send Me an Angel». Коллектив занимает 46-ю строчку в списке «Величайших артистов хард-рока» по версии VH1.
С 2010 года группа гастролирует с прощальным туром «Get Your Sting And Blackout». Выпущенная в альбоме «Love at First Sting» в 1984 г. «Still Loving You» считается одной из лучших песен в мире и международной «визитной карточкой» группы. Во Франции было продано около 1.7 млн копий. Песня является одним из самых успешных синглов группы. Она вызвала такую волну истерии у французских поклонников группы, которая не наблюдалась во Франции со времен The Beatles.
Леона́рд Но́рман Ко́эн— канадский поэт, писатель, певец и автор песен. Первый поэтический сборник опубликован в 1956 году, первый роман — в 1963 году.
Dance Me to the End of Love Leonard Cohen.
В ранние годы песни Коэна основывались на фолк-музыке, в 1970-х тяготели к поп-музыке и кабаре. С 1980-х годов Коэн поёт низким голосом под сопровождение музыки с синтезаторами и женским бэк-вокалом. Его песни часто эмоционально тяжёлые и со сложными текстами. Среди тем, о которых поёт Коэн: религия, одиночество, сексуальность, сложные отношения между людьми.
Песни и поэзия Коэна оказали большое влияние на многих поэтов-песенников и музыкантов. Леонард Коэн введён в «Канадский музыкальный зал славы»; с 19 апреля 1991 года является Офицером Ордена Канады, а с 10 октября 2002 года — Компаньоном Ордена Канады, что является высшей наградой для гражданина Канады. На его песни существует множество кавер-версий.
Из интервью Леонарда Коэна 26 августа 1995 года: «Любопытно, как начинаются песни, поскольку в происхождении каждой есть какое-то зерно или семя, которое тебе кто-то передает, или мир тебе его вручает, и поэтому процесс написания песни так таинственен сам по себе. Вот эта (Dance Me To The End of Love) появилась из того, что я где-то слышал или читал, или знал, что в лагерях смерти возле крематориев -- в определенных лагерях смерти, то есть -- заставляли играть струнный квартет, пока происходил весь этот ужас, и то были люди, кому этот ужас тоже предстоял. И они играли классическую музыку, пока их собратьев - заключенных убивали и сжигали. Поэтому вот эта музыка -- «Скрипкою пылающей к себе меня веди» -- означает, что там есть красота окончательного оформления жизни, конец этого существования и элемент страсти вот в этой консуммации. Но язык здесь - тот же, каким мы пользуемся, сдаваясь своей возлюбленной, поэтому песня... Не имеет значения, будет ли кто-нибудь знать весь генезис этой песни, поскольку язык в ней - из того же источника страсти, он сможет обнять любую страсть.»
«В лунном сиянии» (также называем «Колокольчик» и «Динь-динь-динь») — романс, относящийся к так называемым ямщицким песням, поэта и музыканта Евгения Дмитриевича Юрьева.
Евгений Дмитриевич Юрьев (1882—1911) — русский поэт и композитор, автор нескольких романсов, среди которых: «Эй, ямщик, гони-ка к „Яру“», «Зачем любить, зачем страдать» и др.
Известно более пятнадцати романсов Е. Д. Юрьева, сочиненных им в период 1894—1906 годов на собственные слова и музыку, а также одиннадцать романсов и песен, в том числе «цыганских» (то есть похожих на цыганский романс) на его слова, положенных на музыку другими композиторами, в том числе А. Н. Чернявским.
Информация о биографии Е. Д. Юрьева почти не сохранилась.
Вскоре после Октябрьской революции новая власть объявила романс «буржуазным пережитком», мешающим строить светлое будущее. И в русской культуре на несколько десятилетий он был забыт.
Лишь со второй половины 1950-х годов романс как жанр был «реабилитирован» и стал постепенно возвращаться к советским слушателям.
Романс «В лунном сиянии» (он же — «Динь-динь-динь» и «Колокольчик») продолжает в русской песенной культуре ямщицкую тематику, начатую романсом «Вот мчится тройка удалая…» в 1828 году, когда Алексей Николаевич Верстовский положил на музыку отрывок про ямщика из стихотворения Фёдора Глинки. Об истории создания романса вообще мало что известно, просто сочинился — и всё.
Какое-то время с ним выступала певица Анастасия Вяльцева (1871—1913).
Сейчас романс стал одним из самых популярных и входит в репертуар многих исполнителей и очень часто используется в спектаклях и кинофильмах.
Как часто происходит в таких случаях, когда песня входит в структуру народной культуры, существует нескольких близких друг другу вариантов текста и музыки.
Фламе́нко — общее обозначение южно-испанской (андалусийской) народной музыки — песни (cante) и танца (baile). Выделяются два стилистически и музыкально отличных друг от друга класса фламенко: древнейший и более современный. В рамках обоих классов фламенко существует более 50 подклассов (жанров), точную границу между которыми порой провести трудно.
Истоки фламенко следует искать ещё в мавританской музыкальной культуре. Существенно повлияла на этот стиль и цыганская музыка — многие считают основными, истинными носителями стиля именно испанских цыган. В XV веке в Испанию из рушащейся Византии прибыли цыгане, расселились по южному побережью страны в провинции Андалусия; по своему обычаю, они стали перенимать и переосмыслять местные музыкальные традиции, такие как мавританская, еврейская и собственно испанская; и из этого сплава музыкальных традиций, переосмысленного вначале цыганами, а потом испанцами, родилось фламенко.
Долгое время фламенко считалось «закрытым искусством», так как цыгане жили изолированной группой; фламенко формировалось в узких кругах. Но в конце XVIII века гонения на цыган прекратили, и фламенко вышло на подмостки таверн и обрело свободу. Вплоть до второй половины XIX века цыганки исполняли фламенко босиком.
В конце XX века фламенко начинает впитывать в себя кубинские мелодии и джазовые мотивы; и, кроме того, элементы классического балета приобрели там своё постоянное место. Наиболее известен танцор фламенко Хоакин Кортес, который обновил понятие танца фламенко, избавил его от «канонического стандарта» и внёс в него новую живую струю и выразительность.
Импровизационный характер фламенко, сложный ритм и специфическая техника исполнения нередко препятствуют точной нотной записи мелодий фламенко. Поэтому искусство как гитариста, так и танцора, и певца обычно передаётся от мастера к ученику.
Атрибуты танца фламенко
Вata de cola — традиционное платье
Важный элемент образа танцовщицы — традиционное платье, называемое bata de cola — типичное для фламенко платье, обычно до пола, часто из разноцветного материала в горошек, украшенное оборками и воланами. Прообразом этого платья стало традиционное одеяние цыганок. Неотъемлемой частью танца
является изящная игра с подолом платья. Традиционная одежда байлаора — тёмные брюки, широкий пояс и белая рубашка с широкими рукавами. Иногда края рубашки завязываются спереди на поясе. Короткая жилетка-болеро, называемая чалеко (chaleco), иногда надевается поверх рубашки.
Испанская шаль — мантон
Испанская шаль с очень длинными кистями — один из классических атрибутов женского танца фламенко: шаль то закручивается вокруг стана танцовщицы, подчёркивая стройный женский силуэт, то ниспадает с плеч, образуя силуэт большой, красивой, мятущейся птицы. Ещё один классический женский атрибут фламенко — большой веер. Существует мнение о кастаньетах как непременном атрибуте танца фламенко. Но чаще всего ритм отбивается каблуками (сапатеадо), прищёлкиванием пальцев (питос) или хлопками ладоней (пальмас). Наиболее чистые формы фламенко избегают использования кастаньет, так как они ограничивают возможность страстной и выразительной игры кистей рук.
Характерное выступление фламенко с пением и гитарным аккомпанементом, состоит из серии частей в различных стилях. Каждая часть представляет собой набор стихов (называющихся copla, tercio или letras), которые перемежаются гитарными интерлюдиями называемыми falsetas. Обычно гитарист также исполняет короткое вступление, которое задаёт тональность, компас и темп песни.
Фламенко оказало большое влияние на многие танцевальные и музыкальные направления всего мира. Последние десятилетия появились смешанные разновидности фламенко и других жанров: фламенко-поп, фламенко-джаз, фламенко-рок, фламенко-фьюжн, джипси-румба и другие.
16 ноября 2010 года ЮНЕСКО присудила Фламенко статус объекта Всемирного Наследия.
Среди наиболее значимых городов, где сегодня существует фламенко, выделяют Кадис, Херес, Севилью, Кордову, Гранаду, Барселону и Мадрид. У каждого из этих городов своя музыкальная специфика, свои традиции и особенности. </span>
Ка́рмен Ама́йя — испанская танцовщица, певица, актриса кино, легендарная исполнительница танца фламенко.
По происхождению цыганка, дочь гитариста. Танцевала с шести лет, вместе с отцом выступала в барселонском ресторане «Семь ворот». Её талант первым заметил каталонский художественный критик Себастьян Гаш. В 1923 выступила в Мадриде. В 1929 дебютировала в Париже, имела огромный успех, выступала в труппе Ракель Мельер.
С 1936 жила и гастролировала за рубежом — в Португалии, США, странах Латинской Америки, Франции, Великобритании, Южной Африке. Получила высокие отзывы Артуро Тосканини и Леопольда Стоковского. С 1935 снималась в кино, наиболее известна её последняя кинороль в фильме «Семья Тарантос» (1963, цыганская версия Ромео и Джульетты, с участием также Антонио Гадеса). Выступала в Белом Доме в 1944 по приглашению президента Рузвельта, в 1953 — по приглашению президента Трумэна.
Вернулась в Испанию в 1947. С успехом выступала в стране и гастролировала за рубежом до самой смерти.
В парке Монжуик (в настоящее время — Парк Хуана Броссы) в 1966 был воздвигнут памятник Кармен Амайе.
[size=12]Хоаки́н Корте́с— танцор фламенко, хореограф, актёр, с февраля 2007 года посол цыган в Европейском союзе. Известен также тем, что выступает против запрета слова Gypsy для обозначения цыган; вместо этой меры он предлагает работать над улучшением имиджа самого термина. Создатель Цыганского фонда в Испании.
Принадлежит к артистической цыганской династии Рейесов.
Хоакин Кортес родился в цыганской семье в Кордове (Испания). Его отец — из североафриканских цыган-кале, которые среди испанских цыган имеют прозвище «мавры», а со стороны матери его отдалённые предки прикочевали из России.
Дядя Хоакина, Кристобаль Рейес, был байлаором, и в 12 лет под его влиянием Хоакин начал заниматься танцами. Как раз в это время его мать нашла работу в Мадриде, куда и переехали Рейесы. В 15 лет он был принят в труппу Национального балета Испании ( в то время его возглавляла Майя Плисецкая); уже в 18 лет он становится солистом.
В 1992 году Кортес создаёт свою собственную компанию «Балет фламенко Хоакина Кортеса».
В 2000 году организовал кампанию «Stop Antigypsyism» («Стоп антицыганизм!»).
В 2007 году Кортес стал вторым в истории послом цыган в Европейском союзе
Посещал Россию со своими шоу в 2001, 2004 и 2007 году.
2008, 30 сентября — концерт в Москве в Государственном Кремлёвском дворце.
С авторством романса "Белой акации гроздья душистые" сразу же возникли неясности. Текст романса впервые опубликован в 1902 году в серии "Цыганские ночи", без указания имени автора слов и музыки. Летом 1903 года петербургская "Нотопечатня В.Бесселя и Ко" в серии "Цыганские песни Н.П.Люценко" издала клавир романса "с вокальными партиями для тенора и сопрано". В дальнейшем романс публиковался как "известный цыганский романс" в редакции Вари Паниной и музыкальной обработке А.М.Зорина (настоящая Цимбал), но также безымянным. Наиболее устойчивой остаётся версия об авторстве А.А.Пугачёва, которому принадлежат более трех десятков романсов на музыку М.Штейнберга, Д.Ботари и других композиторов. Музыка, скорей всего, принадлежит Зорину.
Граммофонные пластинки с записями "Белой акации" в исполнении В.Паниной, С.Сергеевой, М.Эмской, Ю.Морфесси, Н.Северского, братьев Садовниковых довольно быстро разнесли её по всем уголкам России.
Мелодия романса легла в основу популярной песни Первой мировой войны "Слыхали, деды, война началася" (при этом к ней был добавлен припев в ритме мазурки) - в годы Гражданской эта песня была дополнена и переделана в гимн Добровольческой армии Деникина война, который, в свою очередь, переродился в красноармейский марш "Слушай, рабочий..." . Были и другие фольклорные варианты.
Годы промчались… Канули в историю события Первой мировой и Гражданской войн. С успехом (не менее тысячи раз!) прошла мхатовская постановка "Дней Турбиных", где звучал тот самый романс "Белая акация". Легендарный спектакль в конце концов был запрещён, несмотря на то, что его любил лично Иосиф Сталин.
Первоначальный романс стал забываться.
В 1950 годы романс снова вспомнили и включили в свой репертуар признанные мастера этого жанра.
В 1975 году власти разрешили, хотя и не сразу, Владимиру Басову экранизацию "Дней Турбиных". Режиссёр приехал в Киев, чтобы определиться, где снимать те или иные сцены знаменитой киевской пьесы Мастера. Басов внимательно прочёл и другой роман Булгакова - "Белая гвардия", ввёл в сценарий фильма героев, которых в пьесе нет (например, Карась). Режиссёр проникся настроением произведения Булгакова, неповторимой атмосферой Города и обратился к своему любимому поэту-песеннику Михаилу Матусовскому.
Вот что пишет музыковед Евгений Бирюков: "Приступая к съемке "Дней Турбиных", Владимир Павлович вспомнил, что в те давние времена, когда происходит действие пьесы Булгакова, в моде был романс "Белой акации гроздья душистые", мелодия которого легла в основу известной революционной песни "Смело мы в бой пойдем". Режиссёр захотел, чтобы темы этих двух песен прозвучали в картине как отзыв, эхо, отдаленное воспоминание тех лет, и поставил такую задачу
перед Михаилом Матусовским и композитором Вениамином Баснером. Так появились в фильме две песни. Маршевая "Песня о бронепоезде "Пролетарий" за пределы фильма не вышла и широкого звучания не обрела, чего не скажешь о "Романсе", как назвали поэт и композитор песню-реминисценцию о "Белой акации".
Интересно, что в "Песне о бронепоезде" авторы использовали мотивы песни "Смело мы в бой пойдём".
Кроме того, Басов попросил поэта о том, чтобы романс был "киевским, но без упоминания слова Киев", как и у Михаила Булгакова, хотя каждый читатель пьесы "Дни Турбиных" и романа "Белая гвардия" знает, что у Михаила Афанасьевича Киев всегда именуется Городом. Именно так, с большой буквы.
Михаил Матусовский блестяще справился с поставленной задачей. Он, помня, как в детстве в его родном Луганске родители пели старинные, ещё дореволюционные романсы, предложил Басову за основу "Белой акации гроздья душистые". Поэт специально приезжал в Киев, посетил Андреевский спуск и "Дом Турбиных", видел цветущую акацию в киевских садах, "умытых весенними ливнями"... Для размера стиха можно было использовать и "Киев молчал...", но молчал в романсе именно Город, то есть по сути — Киев. Своё настроение поэт передал композитору Вениамину Баснеру, который творчески переработал мелодию старинного романса, сочинил прекрасную мелодию, оригинальную и, в тоже время, напоминающую прежнюю.
В отдельных публикациях приходилось читать, что в фильме звучал чуть-ли ни один куплет романса, как можно видеть, это не так. Романс звучит полностью, но с несколько отличающимися от ставших привычными стихами.
Почти следом за премьерой телефильма Людмила Сенчина приехала на дачу Вениамина Баснера с просьбой для неё новых песен. Композитор предложил ей несколько переработанную версию "Белой акации".
«Травиата»— опера Джузеппе Верди на либретто Франческо Мария Пьяве по мотивам романа «Дама с камелиями» А. Дюма-сына. «Травиата» была впервые представлена публике 6 марта 1853 года в оперном театре Ла Фениче в Венеции и потерпела провал, однако, переработанная, вскоре стала одной из знаменитейших и популярнейших опер. Постановки в Европе шли примерно в одно время с выходом «Дамы с камелиями» Дюма.
Необычными для оперной постановки того времени были: 1) выбор главной героини — куртизанки, умирающей от неизлечимой болезни, 2) действие оперы в современном для слушателей Париже (середины 19-го века). Как и в «Риголетто» и «Трубадуре», Верди в «Травиате» в центр драмы помещает персонаж, отвергнутый обществом.
«Застольная»- одно из самых известных и любимых публикой произведений из этой оперы.
Ма́йя Влади́мировна Кристали́нская— советская эстрадная певица, заслуженная артистка РСФСР
Во время учёбы в школе занималась в детском хоровом коллективе Народного ансамбля песни и танца Центрального дома детей железнодорожников, которым руководил Семён Осипович Дунаевский, брат Исаака Дунаевского. После окончания школы в 1950 году поступила в Московский авиационный институт. В институте она занималась художественной самодеятельностью. После окончания института уехала по распределению в Новосибирск на завод имени Чкалова. Но, по воспоминаниям подруги и одногруппницы Валентины Котёлкиной, они вскоре вернулись в Москву, и Майя стала работать в КБ А. Яковлева.
В 1957 году Майя Кристалинская стала лауреатом Московского международного фестиваля молодёжи и студентов, на котором выступала с самодеятельным ансамблем «Первые шаги» под руководством Юрия Саульского. В том же году она вышла замуж за писателя Аркадия Арканова. Брак был недолгим и вскоре распался.
После 1960 года она записала песню Маши для кинофильма «Жажда» и с выходом фильма стала популярна в СССР. Она много гастролировала по стране, работала с джаз-оркестрами Эдди Рознера и Олега Лундстрема, тиражи пластинок с исполняемыми ею песнями быстро раскупались. Работала с ансамблем Евгения Рохлина, песня на музыку Евгения Рохлина «Мы с тобой случайно в жизни встретились» стала настоящим шлягером, эту песню исполняла только она. Название песни стало названием диска Майи Кристалинской, который вышел в 1985 году.
В возрасте 29 лет врачи обнаружили у неё тяжёлую болезнь — опухоль лимфатических желез (лимфогранулематоз). Она прошла тяжёлый курс лечения, но с тех пор ей приходилось выходить на сцену с косынкой на шее, чтобы скрывать следы болезни от зрителей.
В 1966 году согласно опросам телезрителей Майя Кристалинская была признана лучшей эстрадной певицей года.
В 1970 году новым председателем Гостелерадио стал С. Лапин. Обладая безграничной властью, Лапин проводил на ТВ политику антисемитизма. Попали в чёрный список и практически остались без работы (а кто-то и уехал из страны) многие известные певцы: Вадим Мулерман, Эмиль Горовец, Аида Ведищева, Нина Бродская, Лариса Мондрус. Путь на телеэкран и в радиоэфир был закрыт и для Майи Кристалинской.
Кристалинская стала персоной нон грата на Центральном телевидении. Последние десять лет жизни звезда советской эстрады выступала в сельских клубах, в райцентрах Тульской, Рязанской, Орловской областей. Добиться разрешения на концерты в областных центрах, не говоря о Москве, оказалось очень сложно.
Известный поэт Роберт Рождественский называл Майю Кристалинскую «Эхом нашей юности».
Песенка эта писалась в нашем Доме творчества, Малеевке, где мы жили в ту пору оба с Островским. Вся солнечная, лучистая, как ни смешно, эта песенка создавалась в ту пору, когда Островский был после тяжелой болезни, а мне в ближайшие дни предстояла сложная операция. Надо сказать, что, работая над ней и написав её одну, мы перепробовали множество самых разных музыкальных и поэтических вариантов, которые иногда были уже совсем готовыми песнями. Но все это так и осталось вариантами... Прозвучала эта песенка, когда я лёг в клинику Б.В.Петровского на операцию. И было грустно и смешно: в тяжёлые для меня минуты сесгры и больные бегали ко мне и просили слова этой песни. Песня вызвала такую же реакцию, как и первая. Опять вопросы — почему они написана, просьба познакомить с нашими героями. И снова решительные требования продолжения нашей истории. Нам казалось, что продолжать, собственно, нечего. Но поток писем был слишком велик. Получилось что-то совершенно новое, никогда ещё в истории не было таких песен с продолжением. На этот раз особенно активными были девушки. Казалось бы, о них так высоко и тепло было сказано, а они обиделись: "Он поёт о своей любви, а она, что же, права голоса не имеет?" Нам захотелось написать девичий ответ на первые две песни. Захотелось, но было очень боязно, — даже в романах обычно бьюает так, что первая книга удается, вторая читается из любви к первой, а третья вообще ни в какие ворота не лезет... Нередко что-то в этом роде получается и с кинофильмами. Есть даже такое ходячее: первая серия — первый сорт, вторая серия — второй сорт, третья серия ... И всё-таки нам пришлось написать третью песню. «А за окном то дождь, то снег…». Она прозвучала в "Добром утре" в марте 1963 года в исполнении Майи Кристалинской.
А́нна-Викто́рия Ге́рман-Тухольская, польская певица, звезда эстрады 1960-х — начала 1980-х годов, известна в основном как исполнительница песен на разных языках мира, в первую очередь на польском и русском. Выступала в ГДР, ФРГ, ЧССР и СССР, гастролировала по США, Канаде, Великобритании, Австралии, Франции, Португалии, Италии, Венгрии, Монголии. Лауреат национальных и международных фестивалей в Монте-Карло, Висбадене, Братиславе, Сан-Ремо, Неаполе, Виареджо, Каннах, Остенде, Сопоте (см. ниже), Ополе, Колобжеге, Ольштыне, Зелёна-Гуре.
Первое признание песни Анны получили на ІІІ Международном фестивале песни в Сопоте (1963) — разделила ІІ премию (в категории польских исполнителей) за песню «Так мне с этим плохо» Генриха Клейне и Бронислава Брока, а также на Всепольском фестивале эстрадных коллективов в Ольштыне — за песню «Ave Maria» (Шарль Гуно на основе прелюдии до мажор И. С. Баха, I том ХТК, 1722, BWV 846). Настоящую известность Анне Герман принесла в 1964 году песня «Танцующие Эвридики» Катажины Гертнер и Евы Жеменицкой: вторая премия в категории актёрско-литературной песни на II Фестивале польской песни в Ополе (24—28 мая), первое место (в местном отборочном туре) и третье — в Международном туре на фестивале в Сопоте. На III Фестивале польской песни в Ополе — первая премия в категории артистической песни за песню «Зацвету розой» Катажины Гертнер и Ежи Миллера.
27 августа 1967 года, находясь в Италии на гастролях, между городом Форли и Миланом попала в тяжёлую автомобильную катастрофу. На высокой скорости автомобиль импресарио певицы врезался в бетонное ограждение. Анну выбросило из автомобиля через лобовое стекло, она получила многочисленные переломы, травмы внутренних органов. Инженер Збигнев Тухольский, с которым Анна познакомилась в 1960 г. во Вроцлаве, опекал певицу после катастрофы. Потом они поженились.
Вернулась на эстраду в 1970 году: «Золотой диск» за долгоиграющую пластинку «Человеческая судьба».
Песни для неё писали советские композиторы-песенники Арно Бабаджанян, Евгений Птичкин, Александра Пахмутова, Ян Френкель, Оскар Фельцман, Владимир Шаинский и другие. Наиболее известны в её исполнении песни: «Надежда» (муз. А. Пахмутовой на сл. Н. Добронравова), «Когда цвели сады», «Эхо любви», «Случайность», «Гори, гори, моя звезда». Песни в исполнении Анны Герман отличались большой теплотой, задушевностью, певучестью и мелодичностью.
Анна была очень популярна среди любителей лирической песни в Советском Союзе 1970—1980-х годов. При жизни в СССР, на фирме «Мелодия» было выпущено пять её долгоиграющих грампластинок, первая из которых вышла в октябре 1965 года и является на сегодняшний день коллекционным филофоническим раритетом.
Для исполнения песни Е. Птичкина и Р. Рождественского «Эхо любви» в фильме Евгения Матвеева «Судьба» (1977) была выбрана Анна Герман. Эта песня также стала популярным синглом советской песни конца 1970-х — начала 1980-х годов.
11 декабря 1977 года состоялось историческое выступление
Анны Герман в финале фестиваля «Песня—77». После исполнения песни «Когда цвели сады» (В. Шаинский — М. Рябинин) зрители устроили столь бурную и продолжительную овацию, что организаторам фестиваля пришлось выйти за жёсткие рамки телевизионного эфира, и песня была исполнена «на бис» (редчайший случай в истории «Песен года»). К сожалению, эта запись безвозвратно утеряна — её нет на телевидении, а скорее всего, и в других архивах. Сохранилась лишь запись другой песни, исполненной на фестивале - «Эхо любви».
Анна была искренним сторонником максимально тесных культурных связей между народами Польши и Советского Союза.
Голос Анны Герман — лирико-колоратурное сопрано необычного, прозрачного, высокого тембра. Уникальная манера исполнения производит впечатление неограниченности верхнего голосового регистра. Певица отличалась большой музыкальностью, артистизмом, большой теплотой и душевностью созданного песенного образа.
В репертуаре певицы были песни различной жанровой направленности и смысла. Даже шуточные песни несли в её голосе лёгкий прозрачный налёт печали. Что касается трагических песен про войну, тяжёлую утрату или несчастную женскую судьбу — в них Герман раскрывала полностью свой драматический артистический дар, неподдельно и пронзительно показывая безутешное горе и глубокое отчаяние. Эта манера покорила слушателей всех стран, где она выступала.
